El 11 de Diciembre de 2012, el mundo de la música ha sufrido una enorme e irreparable pérdida, con la partida de uno de los más grandes exponentes de la música tradicional de la India y del Sitar, uno de los instrumentos musicales de cuerda más representativos de ese país. Nos estamos refiriendo al "Pandit" ("Maestro", en sánscrito) Ravi Shankar.
Nacido con el nombre original de Robindro Shaunkor Chowdhury el 7 de Abril de 1920 en Varanasi, India, la carrera artística de Ravi Shankar comenzó como parte del grupo de danza liderado por su hermano Uday Shankar. Fue recién en 1938, que Ravi (nombre que en sánscrito significa "Sol") empezó a dedicarse a la ejecución del Sitar, bajo la tutela de Allauddin Khan, con quien estudió hasta 1944, aprendiendo diversos ragas (modos melódicos usados en la música tradicional india), y especializándose en estilos musicales como el Dhrupad, el Dhamar y el Khyal. Fue recién en 1939, que Shankar hizo su primera presentación junto con Ali Akbar Khan, hijo de su maestro Allauddin Khan, para luego unirse a la Indian People's Theatre Association, institución para la que hizo sus primeras composiciones propias.
Más tarde, luego de desempeñarse como Director Musical de All India Radio (AIR), Shankar fundó la Indian National Orchestra, con la que continuó su carrera como compositor, grabando en 1937 su primer disco, titulado "The Original Uday Shankar Company Of Hindu Musicians, Recorded During The Historic 1937 Visit To The United States". Desde entonces, la figura del Pandit Ravi Shankar se fue consolidando como una de las máximas figuras de la música tradicional de la India, con más 50 discos editados en total, que lo llevaron a ser honrado en 1999 con el premio Bharat Ratna (el máximo galardón civil de su país), además de ganar 3 Grammy Awards, y ser nombrado miembro de la Cámara Alta del Parlamento Indio.
Otro de los momentos importantes en la vida de Shankar ocurrió en 1966, cuando el maestro conoció a George Harrison, guitarrista de The Beatles, quien visitó la India para estudiar sitar con él durante seis semanas, período que quedó inmortalizado en el documental "Raga: A Film Journey To The Soul Of India", dirigido por Howard Worth y que fue estrenado en 1971. La influencia de Shankar en Harrison quedaría plasmada para siempre en la canción "Within you without you", compuesta por el guitarrista británico e incluída en el memorable álbum "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles, lanzado en 1967, y por el que el cuarteto de Liverpool obtuvo el Grammy Award por Disco del Año.
Ravi Shankar tuvo 3 hijos: Shubhendra Shankar (nacido en 1942, fruto de su relación con Annapurna Devi, hija de Allauddin Khan), Norah Jones (nacida en 1979, cuya madre es la productora estadounidense Sue Jones) y Anoushka Shankar (nacida en 1981, siendo hija del maestro y Sukanya Rajan). Los 3 han tenido también carreras sobresalientes en la música, que reseñaremos en el futuro. Ravi Shankar falleció hace dos días en San Diego, California, por problemas respiratorios a la edad de 92 años. Hoy queremos rendirle un homenaje póstumo con el tema "Gat kirwani", perteneciente al disco "Portrait Of A Genius", publicado por World Pacific Records en 1964. Descanse en paz, Pandit, y gracias por la buena música que nos deja, y por la que el mundo lo recordará siempre.
Dueña de una prodigiosa voz, Ann "Annie" Lennox, nacida un 25 de Diciembre de 1954 en Aberdeen, Escocia, ha desarrollado a lo largo de los años una fructífera carrera musical, la misma que se inició en la banda The Tourists, para luego, junto a su entonces pareja el inglés David Allan "Dave" Stewart, dar vida en 1980 a Eurythmics. Durante una etapa de separación de aquel proyecto musical, Annie Lennox decidió apostar por una carrera como solista, en la que nos enfocamos en este post.
El primer álbum en solitario de Lennox fue "Diva", editado por RCA/Arista Records en Abril de 1992, bajo la producción musical de Steve Lipson, y que fue un éxito rotundo en ventas, obteniendo sendos Discos de Platino en el Reino Unido, Canadá, Suecia y los Estados Unidos, aparte de liderar el UK Albums Chart y de ganar 2 Brit Awards (a Mejor Disco Británico y Mejor Artista Femenina Británica) y 1 Grammy Award (a Mejor Vídeo Musical en Formato Largo).
Uno de los puntos más sobresaliente del "Diva" es la canción que abre el disco, "Why", escrita por la propia cantante, que fue #1 del Italian Singles Chart y #5 del UK Singles Chart. El vídeoclip de este tema, dirigido por la también británica Sophie Muller, ganó el premio a Mejor Vídeo Femenino en la edición '92 del MTV Vídeo Music Awards.
El resto de la trayectoria musical de Lennox como solista se completa con los álbumes "Medusa" (RCA, 1995), "Bare" (RCA, 2003), "Songs Of Mass Destruction" (RCA, 2007) y "A Christmas Cornucopia" (Island Records, 2010), a los que se suma el recopilatorio "The Annie Lennox Collection" (RCA, 2009).
A nivel personal, esta artista han estado casada en 3 oportunidades: inicialmente con el alemán Radha Raman (entre 1984 y 1985), luego con el israelí Uni Fruchtmann (entre 1998 y 2000), con quien tiene 2 hijas llamadas Lola y Tali, y finalmente con el sudafricano Mitch Besser (desde Setiembre de 2012). Los invitamos pues a disfrutar de esta gran voz del Pop actual.
Indie Rock, Pop y Electrónica son las aristas musicales de la propuesta de Los Impostors, un dúo de Guadalajara, México, que hace poco acabamos de conocer y que nos ha cautivado gratamente. Por eso, les rendimos el post del sábado hoy en El Viaje Sónico.
En Abril del 2009, los multi-instrumentistas Álvaro Arce y Raúl "Picho" Torres decidieron fundar la banda, con la idea primaria de un quinteto, para lo cuál convocaron a otros músicos. Sin embargo, al momento de comenzar los ensayos, solo ellos se presentaban, con los demás faltando constantemente. Al sentir que ello los estaba frenando, Arce y Torres decidieron continuar como un dúo, aprovechando el hecho de que ambos eran capaces de ejecutar diversos instrumentos.
De esta manera, Los Impostors comenzaron a dar forma a su propuesta sonora, en la cuál ambos miembros se turnan en las diferentes funciones. Álvaro Arce es graduado en Producción Musical en la prestigiosa Berklee College of Music de Boston, Estados Unidos, habiendo trabajo previamente con otros proyectos como Azul Violeta, Radaid o Sussie 4. Por su parte, Torres tampoco ha sido ajeno a la escena musical de Guadalajara. Con estudios en la Universidad de Guadalajara, ha sido parte también de Azul Violeta, Sussie 4 y Nopal Beat, además de dedicarse a la docencia musical en el Instituto Tecnológico de Monterrey y en el Centro de Artes Visuales de su país.
Los Impostors se han presentado en sociedad con el altamente recomendable disco "Somos Duques", editado por el sello ShockingWatts en 2010. Una peculiaridad de este trabajo, publicado también en formato de DVD, es que se grabó en 2 tomas, a manera de "live to track", es decir, prácticamente "en vivo". Les presentamos en esta ocasión el tema "Affliction", que forma parte de aquellas sesiones de grabación, que además fueron registradas en vídeo HD y audio 5.1. La cadena musical de cable Concert Channel ha incluído esta performance completa dentro de su programación, en la cual se puede apreciar la destreza instrumental de Arce y Torres, quienes han compartido escenarios con otros actos electrónicos como los británicos U.N.K.L.E. o los franceses Justice, habiéndose presentado el año pasado en el festival independiente South by Southwest, realizado todos los años en Austin, Texas. Para más información sobre Los Impostors, visiten sus páginas en Facebook o MySpace. Saludos a todos!
Fundado en la India en 1981, bajo el nombre inicial de Embryo's Dissidenten, y catalogados por la prestigiosa revista Rolling Stone como "Padrinos del World-Beat", este grupo tuvo como miembros iniciales a Friedemann "Friedo" Josch (vientos/teclados), Uwe "Uve" Muellrich (voz/bajo/oud/guitarra) y Michael Wehmeyer (teclados/piano). Ese mismo año, Marlon Klein (voz/batería/percusión/teclados) reemplazó a Wehmeyer, y la banda simplificó su nombre por Dissidenten, creando además en Berlín su propio sello discográfico, Exil Musik.
Influenciados por la música India, Africana y del Medio Este, el grupo publicó su primer disco, "Germanistan" en 1982, en el que colaboraron también la cantante R.A. Ramamani y el percusionista Ramesh Shotham, ambos músicos indios, a los que sumaron el pianista Louis Banks y el saxofonista Charlie Mariano en sus presentaciones en vivo. Tras mudarse a Tangier, Marruecos, Dissidenten editó "Sahara Elektrik" (Exil Musik, 1984), en el que destacó el tema "Fata Morgana".
"Live At The Pyramids" (Exil Musik, 1986), sería su tercera entrega en estudio, la misma que fue grabada en Madrid (España) y Casablanca (Marruecos), con sonidos que combinaban el Synth-Pop, Folk, y World Music. Este álbum estuvo conformado por 9 canciones, entre las que destacan, "Mata Hari", "Blue Nile", "Do the pharaoo", "Berlin beduins" y "Telephone arab", track que compartimos con ustedes hoy, con una marcada influencia de la música árabe, india y marroquí, y que se convirtió en un hit en el mundo árabe gracias a una versión interpretada por el egipcio Mohammed Mounir, lo que dió a Dissidenten mayor difusión a nivel internacional.
Esta agrupación se mantiene en actividad hasta el día de hoy, habiendo publicado en total 18 discos, casi todos con su propio sello discográfico, siendo los más recientes "Tanger Sessions" (2008) y "Tanger Sessiones Remix" (2010). Para más información sobre Dissidenten, les sugerimos visitar su página web oficial.
30 Seconds to Mars es una banda de Alternative/Hard Rock fundada en 1998 en Los Angeles, California por el actor Jared Leto (voz/guitarra/teclados) y su hermano mayor Shannon Leto (batería). Según ellos mismos declararon, el nombre surgió de una conversación acerca del desarrollo actual de la tecnología, y del rol del ser humano en ese desarrollo. El line-up de la banda se completó en 2001 con el ingreso de Matt Wachter (bajo/teclados), Solon Bixler (guitarra/coros) y Kevin Drake (guitarra).
El disco debut homónimo del grupo se publicó en Agosto de 2002, por los sellos Inmortal y Virgin Records, bajo la co-producción de Bob Ezrin y Brian Virtue, llegando al #1 del US Billboard Top Heatseekers Chart y al #2 del UK Rock Albums Chart, con más de 2 millones de copias vendidas a nivel mundial, destacando en él canciones como "Capricorn (A brand new name)", "Oblivion", "93 million miles", "Year zero" y "Buddha for Mary".
Tres años más tarde, y con las mismas compañías discográficas de su primer trabajo, los 30 Seconds to Mars lanzaron "A Beautiful Lie", su segundo álbum, producido por Josh Abraham. Para entonces, los guitarristas Solon Bixler y Kevin Drake ya habían dejado al grupo, siendo reemplazados por Tomislav "Tomo" Miličević, encargado también de los teclados, programaciones y violín. El sonido de este disco se diferenciaba un poco del anterior, con Jared Leto cantando de manera más agresiva, por lo que muchos los empezaron a relacionar con el género musical denominado Emo. "A Beautiful Lie" vendió más del doble de copias que el primer disco del grupo, siendo #1 en los charts de Canadá y Sudáfrica.
En esta ocasión, posteamos el vídeoclip del tema "From yesterday", que fue el tercer sencillo de promoción del álbum (después de "Attack" y "The kill"), cuya guión y propuesta estética, a manera de cortometraje, rinde homenaje a la aclamada película "The Last Emperor", dirigida en 1987 por el italiano Bernardo Bertolucci, que narra la vida del Emperador chino Puyi. En esta canción, que fue #1 del Modern Rock Tracks Chart de Billboard, colaboró además Oliver Goldstein en los sintetizadores.
La vez anterior que posteamos un tema de los británicos O.M.D. (reseña que pueden leer aquí), cubrimos los inicios de su historia hasta su casi desaparición en 1989. Para entonces, la banda tuvo un cisma bastante profundo: primero, el trombonista Graham Weir y el trompetista Neil Weir dejaron al grupo, seguidos por el co-fundador Paul Humphreys, el tecladista Martin Cooper y el baterista Malcolm Holmes, quienes en 1990 fundaron una nueva agrupación llamada The Listening Pool, dejando prácticamente solo a Andy McCluskey, el otro co-fundador de O.M.D., quien se mantuvo al frente del grupo.
Fue así que McCluskey, con la colaboración de los músicos Stuart Kershaw y Lloyd Massett, y con la co-producción de Howard Gray y Andy Richards publicó en 1991 el octavo disco de O.M.D., "Sugar Tax", con el sello Virgin Records. A pesar de ser prácticamente un disco solista de McCluskey, este trabajo fue muy bien recibido a nivel mundial, ocupando el puesto #3 del UK Albums Chart, conteniendo excelentes canciones entre las que podemos mencionar a "Sailing on the seven seas", "Speed of light", "Call my name", "Neon lights" (un cover de los alemanes Kraftwerk), "All that glitters" o "Apollo XI" (canción instrumental con samples de un discurso de John F. Kennedy).
Nuestra canción favorita del "Sugar Tax" es "Pandora's box", que fue el segundo sencillo del mencionado álbum. Este tema estuvo inspirado en la carrera de la actriz estadounidense Louise Brooks (1906-1985), muy popular en las épocas del cine mudo. Justamente, el título de la canción hace referencia al nombre de la película protagonizada por Brooks en 1928, dirigida por el austríaco Georg Wilhelm Pabst, cuyas escenas se incluyen en el vídeoclip que pueden ver a continuación. Volviendo a la canción, diremos que llegó al lugar #7 del UK Singles Chart, así como al #11 del US Hot Dance Club Play Charts de Billboard.
Andy McCluskey lanzaría 2 álbumes más, siempre con Virgin Records, como único líder de O.M.D.: "Liberator" (1993) y "Universal" (1996), hasta que en 2005, Paul Humphreys, Martin Cooper y Malcolm Holmes aceptaron regresar a la banda, que continúa junta hasta la fecha, siendo su más reciente lanzamiento el disco "History Of Modern" (100% Records, 2010).
Seguimos repasando buena música del recuerdo en el blog. Hoy es el turno de un dúo proveniente de San Sebastián, España, cuya trayectoria musical se desarrolló entre los años 1985 y 1995: La Dama Se Esconde.
Los antecedentes de este grupo se hayan en otra banda vasca de comienzos de la década de los 80's, llamada Agrimensor K, conformada por Nacho F. Goberna (voz/guitarra), Ignacio Valencia (bajo) y José Manuel Gandasegui, quienes llegaron a editar 2 discos con el sello Discos Radiactivos Organizados (DRO), "Principio y Fin" (1982) y "¿Juegas Al Escondite?" (1983). Recordemos que este sello era propiedad de Servando Carballar, cabeza de El Aviador Dro y sus Obreros Especializados, otro gran grupo español que ya hemos reseñado en el blog.
Tras la disolución de Agrimensor K, Goberna y Valencia decidieron fundar La Dama Se Esconde y mudarse a Madrid, dándole un sonido centrado en el Pop Rock, con letras inspiradas en las obras del escritor inglés J.R.R. Tolkien. En 1985, el grupo publica su primer EP titulado "Avestruces", producido por Paco Trinidad, que sirvió como base para el primer álbum de la banda, "Armarios Y Camas", producido en 1986 por el propio Nacho Goberna para el sello Grabaciones Accidentales (GASA).
Ya como parte del catálogo de artista de Warner Records, sello con el continuarían hasta el fin de su carrera, La Dama Se Esconde publicó los discos "La Tierra De Los Sueños" (1987), "Coge El Viento" (1989), "Lejos Del Puerto" (1990), "De Colores, Tu Color" (1992) y "Hoy" (1993). En esta ocasión, publicamos el vídeoclip del tema "Princesa", perteneciente al álbum "Coge El Viento".
Como ya comentamos, LDSE se desintegró en 1995, tras grabar una última canción llamada "A años luz", que recién se editó en 1999, en un disco recopilatorio llamado "Lo Mejor De La Dama Se Esconde", editado por Warner. Nacho F. Goberna continuó su carrera como solista, llegando a lanzar 2 discos ("Transparente" y "Un Bosque De Té Verde").
Hoy nos ponemos de pie y nos sacamos el sombrero para reseñar a uno de los más grandes músicos de Jazz de todos los tiempos: el gran trompetista, director y compositor Miles Davis, quien es considerado como uno de los artistas más influentes del siglo pasado.
Nacido un 26 de Mayo de 1926 en Alton, Illinois, Miles Dewey Davis III, se inició en la música a los 13 años, cuando su padre (Miles Henry Davis) le regaló su primera trompeta, instrumento que lo acompañaría toda su vida, y lo inscribió en sus primeras clases con el maestro Elwood Buchanan. Muy pronto, las cualidades de Davis comenzaron a aflorar, y a los 17 años ya tocaba en una agrupación llamada The Blue Devils, sin dejar de lado sus estudios escolares, a insistencia de su madre, Cleota Mae Davis. Una vez que terminó la secundaria, el aún joven Miles Davis se mudó a Nueva York, para estudiar en la prestigiosa Juilliard School of Music, de la que se retiró porque, según él, sus clases se centraban mucho en un estilo europeo clásico.
Tras irse ganando un lugar en la escena neoyorkina de Jazz de aquel entonces, Davis grabó el disco "Blue Period" (Prestige Records, 1951), que sería el primero de su larguísima y aclamada trayectoria, que incluyó en total 48 álbumes en estudio, 36 en vivo, 38 recopilatorios, 3 soundtracks y 57 sencillos. Hoy lo recordamos con su composición titulada "Milestones", un Jazz Standard que dió origen al disco del mismo nombre publicado en Setiembre de 1958 por Columbia Records, bajo la producción de George Avakian. Este trabajo, editado originalmente en formato monofónico, es considerado hasta el día de hoy por los especialistas como uno de los mejores discos de Jazz de todos los tiempos, y en él participaron, además de Davis en la trompeta, Julian "Cannonball" Adderley (saxo alto), John Coltrane (saxo tenor), Red Garland (piano), Paul Chambers (contrabajo) y Philly Joe Jones (batería).
Tras una brillante carrera, que lo ha convertido en toda una leyenda, Miles Davis falleció el 28 de Setiembre de 1991 en Santa Mónica, California, debido a un neumonía, que le provocó una falla respiratoria y un ataque cardíaco. A manera de homenaje póstumo, muy merecido por cierto, este gran artista fue inducido al Rock and Roll Hall of Fame en 2006, habiendo ganado muchos premios a lo largo de los años, entre los que se cuentan 9 Grammy Awards (incluyendo uno a su Trayectoria en 1990), un Doctorado Honoris Causa en Música por el New England Conservatory (1986), y el grado de Caballero de la Legión de Honor del gobierno de Francia en (1991).
Eskilstuna, Suecia, fue en 1990 la cuna de esta banda de Alternative/Indie Rock con influencias de Post-Punk, Synth-Pop y Progressive Rock, que inicialmente tomó el nombre de Coca-Cola Kids, para luego pasar a llamarse sucesivamente Jones & Giftet y Havsänglar , hasta definir la denominación que mantienen hasta hoy: Kent.
La alineación original del grupo estuvo conformada por Joakim Berg (voz/guitarra rítmica), Martin Sköld (bajo/teclados), Sami Sirviö (guitarra/teclados), Thomas Bergqvist (teclados) y Markus Mustonen (batería/piano/coros). A lo largo de estos años, también pasaron por las filas de Kent los guitarristas Martin Roos (entre 1992 y 1995) y Harri Mänty (entre 1996 y 2006).
Su amplia discografía consta de 10 álbumes en estudio: "Kent" (RCA/BMG Ariola, 1995), "Verkligen" (RCA/BMG, 1996), "Isola" (RCA/BMG, 1997), "Hagnesta Hill" (RCA/BMG, 1999), "Vapen & Ammunition" (RCA/BMG, 2002), "Du & Jag Döden" (RCA/BMG, 2005), "Tillbaka Till Samtiden" (RCA/Sony BMG, 2007), "Röd" (RCA/Sony, 2009), "En Plats I Solen" (RCA/Sony, 2010) y "Jag Är Inte Rädd För Mörkret" (Universal, 2012). Nueve de ellos fueron #1 en los Sverigetopplistan, nombre original de los Swedish Charts.
En esta ocasión lo dejamos con el vídeoclip de la canción "Om du var här" ("Si tú estuvieras aquí"), dirigido por Adam Berg, y que fue el primer single del disco "Isola", que fue editado en versión sueca e inglesa, obteniendo un Disco de Oro por sus ventas en Suecia, en donde llegó al puesto #3 de los Swedish Charts. Kent es una de las bandas más importantes en la escena rockera del país balcánico, habiendo obtenido hasta la fecha 20 Swedish Grammy Awards.
Hoy nos complace presentarles a Kana'q, una agrupación nueva que combina magistralmente el Jazz y Funk con influencias del folklore peruano. Nacida en 2011 por iniciativa del pianista Moisés Anglas, Kana'q (palabra en lenguaje quechua que significa "el que quema o hace fogata") esta agrupación está también conformada por Sergio López (bajo), Markho Hugo (saxofón) y Carlos Cam (batería).
Esta banda, que poco a poco busca hacerse de un espacio en la escena musical de su país, se encuentra actualmente en el proceso de finalizar lo que será su primera producción musical, de la que les traemos hoy un pequeño adelanto, que demuestra la enorme calidad instrumental de sus integrantes, que dan vida a las composiciones de Anglas, reconocido pianista y docente de música en el Perú.
Creemos firmemente que propuestas como ésta, sobre todo viniendo de países tan ricos culturalmente como el Perú, merecen ser difundidas, y es por eso que hemos decidido dedicarles el post de hoy martes. Estamos seguros de que, si saben apreciar la buena música, se dejarán atrapar por el ritmo de Kana'q, a quienes les auguramos un gran éxito en el futuro.
Los dejamos pues a continuación con este gran cuarteto y su tema "Huaylas Nro.1". Que lo disfruten tanto como nosotros. Saludos a todos!
Los cantautores George Merrill y Shannon Rubicam son los dos integrantes de Boy Meets Girl, banda fundada en la ciudad de Seattle, Washington, en 1982, y que continúa en actividad hasta el día de hoy.
Su primer álbum fue "Boy Meets Girl" (A&M Records, 1985), que tuvo a Tom Werman como productor musical, en el que Rubicam se encargó de la voz y coros, al igual que Merrill, quien también se hizo cargo de los teclados y programaciones. A ellos se sumaron Richard Gibbs y el propio Tom Werman en los teclados y sintetizadores, así como los bajistas Leon Gaer y Kyle Henderson, el percusionista Steve Forman y el baterista Michael Jochum. En este álbum les recomendamos escuchar las canciones "The touch" y "Oh girl", que llegó al puesto #39 del Pop Singles Chart de Billboard.
"Reel Life" (RCA/BMG, 1988) fue su siguiente lanzamiento discográfico, que fue producido por un equipo integrado por Thomas Hart, Arif Mardin y el mismo George Merrill. Sin duda, uno de los puntos más altos de este disco es "Waiting for a star to fall", tema que fue compuesto por Merrill y Rubicam y que curiosamente fue ofrecido en un principio a Whitney Houston y Belinda Carlisle, quienes rechazaron la oferta. Tras ello, los autores decidieron grabar la canción, que se convertiría en uno de sus más grandes éxitos, llegando al #1 del Adult Contemporary Chart de la Billboard, así como al #5 del Billboard Hot 100. Hoy les traemos el vídeoclip de este gran tema, que fue dirigido por Claudia Castle, en el que aparecen las hijas de Merrill y Rubicam.
Las cualidades de ambos compositores también fueron aprovechadas por otros artistas, quienes grabaron sendos temas de ellos, como por ejemplo Whitney Houston ("How will I know" y "I wanna dance with somebody"), Deniece Williams ("Don't tell me we have nothing" y "Haunting me") o Bette Midler ("I know you by heart"). La carrera de Boy Meets Girls, que como ya dijimos continúa hasta hoy, ha producido 2 álbumes más: "New Dream" (BMG, 1990) y "The Wondeground" (BoyMeetsGirl Music, 2003).
Hay canciones que pasan a la historia por su indiscutible calidad. Otras, por tener solamente un buen vídeoclip. Pero en el caso de "No rain", tema del primer disco de Blind Melon, ambas cualidades se juntan para hacer de él un clásico moderno. Por eso les dedicamos el post de hoy en el blog.
Este grupo nació en 1990 en Los Angeles, California, plena efervescencia del Grunge, aunque ninguno de sus miembros era de esa ciudad. Su primera alineación estuvo conformada por Shannon Hoon (voz/guitarra acústica/armónica), Brad Smith (bajo/flauta/coros), Rogers Stevens (guitarra/piano/teclados), Christopher Thorn (guitarra/mandolina/armónica) y Glen Graham (batería/percusión), quienes en 1991 grabaron un demo EP llamado "The Goodfoot Workshop", que provocó que firmaran con Capitol Records, haciendo otro EP ese mismo año, titulado "The Sippin' Time Sessions", que nunca fue editado.
Fue recién al año siguiente que Blind Melon publicó su primer álbum homónimo, bajo la producción de Rick Parashar, en el que estaba la canción "No rain", que fue #1 en Canadá, al igual que en el Album Rock Tracks Chart y el Modern Rock Tracks Chart de la revista estadounidense Billboard. Su inolvidable vídeoclip, con el personaje de la niña disfrazada de abeja (interpretado por Heather DeLoach), fue dirigido por Samuel Bayer, contribuyendo a cimentar la fama de la banda, que editó su segundo álbum en 1995, bajo el nombre de "Soup", producido por Andy Wallace, que no llegó a repetir el éxito de su predecesor. Durante la gira de promoción de este disco, el vocalista Shannon Hoon fue hallado muerto el 21 de Octubre de 1995, debido a un ataque cardíaco originado por una sobredosis de cocaína.
A pesar de su lamentable pérdida, el resto de miembros de Blind Melon decidió seguir adelante con la banda, publicando un tercer disco, siempre con Capitol Records, en Noviembre de 1996. Dicho álbum, "Nico", fue llamado así por la hija de Hoon (Nico Blue), con temas que Hoon llegó a grabar, y que fueron terminados por sus compañeros tras su muerte, con una pobre recepción de la prensa y el público. Sin poder encontrar un nuevo cantante, Blind Melon se separó en 1999, hasta que en Setiembre de 2006 decidieron regresar, ya con Travis Warren como nuevo vocalista, lanzando "For My Friends", de forma independiente, en Abril de 2008. Tras una nueva pausa entre 2009 y 2010, los Blind Melon siguen aún en actividad, aunque con un perfil bastante bajo.
En 1995, Caifanes, banda de culto de la escena rockera mexicana, anunció su disolución oficial debido principalmente al gran y notorio deterioro de la relación entre dos de sus principales miembros, el vocalista Saúl Hernández y el guitarrista Alejandro Marcovich. Tras la separación, Hernández centró su atención en recuperarse de un papiloma en sus cuerdas vocales, dolencia que estuvo a punto de ponerle fin a su carrera como cantante, cosa que felizmente no llegó a suceder.
Ya recuperado, Saúl Hernández decidió retomar su carrera musical, formando una nueva agrupación, a la que denominó Jaguares, convocando para ello a un antiguo compañero y miembro fundador de Caifanes, Alfonso André (batería/percusión), a quienes se sumaron también José Manuel Aguilera (guitarra), Federico Fong (bajo) y Cecilia Toussaint (coros). Fue así que Jaguares editó su primer disco en Setiembre de 1996, bajo la producción de Don Was y Ed Cherney, titulado "El Equilibrio De Los Jaguares", con los sellos RCA y BMG. A este álbum pertenecen temas como "Dime jaguar", "Detrás de los cerros", "Las ratas no tienen alas" o "En la habitación de tu mente", que aún reflejaban cierta reminiscencia del sonido de Caifanes.
Para su segundo disco, "Bajo El Azul De Tu Misterio" (BMG Entertainment México, 1999), que tuvo como productores musicales a Greg Ladanyi, Salvador "Sabo" Romo y Alfonso André, Jaguares había sufrido ya algunos cambios de alineación: César "Vampiro" López, ex-integrante de Maná y Azul Violeta, tomó el lugar de José Manuel Aguilera, mientras que Sabo Romo (otro de los miembros fundadores de Caifanes) reemplazó a Federico Fong. Además, colaboraron también en este álbum el Jarris Margalli (guitarra) y C.J. Vanston (teclados).
"Cuando La Sangre Galopa" (RCA/BMG, 2001) fue el siguiente trabajo discográfico de Jaguares, con Jesús Merchán como nuevo bajista junto a Hernández, André y López. Una de las mejores canciones de este disco, para nosotros, es "Como tú", sencillo que estuvo en los primeros lugares de los rankings en México, Costa Rica, Chile y Argentina. Compuesta en clave 3-2 de salsa, este tema demostró que las cualidades poéticas de Saúl Hernández como letrista se mantenían intactas, virtud que ya se había mostrado ampliamente en Caifanes. La discografía de Jaguares se completa con los discos "El Primer Instinto" (BMG, 2002), "Crónicas De Un Laberinto" (Sony/BMG, 2005) y "45" (EMI, 2008), que los llevó a ganar un Latin Grammy Award como Mejor Disco Alternativo/Rock. Finalmente, en el año 2010, los Jaguares se separaron, con Saúl Hernández continuando como solista, hasta el retorno de Caifanes, ocurrido tras la esperada reconciliación entre el cantante y Alejandro Marcovich, quien también había sufrido por entonces de una seria enfermedad.
Tras dos primeros discos muy exitosos, "Bright Like Neon Love" (2004) y "In Ghost Colours" (2008), la banda de Electrónica australiana Cut Copy nos volvió a deleitar el 4 de Febrero de 2011 con "Zonoscope", su tercera producción discográfica en estudio, publicada por Modular Recordings, la misma compañía discográfica de sus anteriores trabajos.
Este disco fue producido por Dan Whitford, vocalista/guitarrista/tecladista de Cut Copy, quien junto a Tim Hoey (guitarra/samplers), Ben Browning (bajo) y Mitchell Scott (batería), forman este muy buen cuarteto, que el año pasado, y a pesar de llegar solamente al lugar #3 del ARIA Albums Chart de su país natal, se hizo de un ARIA Music Award (como Mejor Lanzamiento de Música Dance) y un Artisan Award (como Mejor Portada), además de estar nominado como Mejor Disco de Dance/Electrónica en la 54ta. entrega de los Grammy Awards. Recordemos que Ben Browning entró en reemplazo de Benneth Foddy, antiguo bajista del grupo.
El primer sencillo del "Zonoscope" fue "Take me over", que fue #10 del ARIA Heatseekers Chart, seguido de "Need you now", presentado como single en Febrero de 2011, y cuyo vídeoclip, que da origen al post de hoy, fue dirigido por Keith Schofield. El tercer single de este álbum fue el tema "Blink and you'll miss a revolution", lanzado en Agosto del año pasado.
En la grabación del tema "Need you now", cabe mencionar que participaron, además de los miembros de la banda, Natasha Evans, Paris Lewis, Artia E. Lockett, Tanya Smith y Tony Hightower, quienes se encargaron de los coros.
Proveniente de una familia de escasos recursos económicos, Tracy Chapman nació el 30 de Marzo de 1964 en Cleveland, Ohio, siendo criada por su madre, quien a los 3 años le regaló un Ukulele (guitarra tradicional hawaiiana de 4 cuerdas, derivada del Cavaquinho portugués). Ya en su juventud, mientras realizaba sus estudios de Antropología y Cultura Africana en la Tufts University de Boston, Massachusetts, firmó su primer contrato discográfico con SBK Publishing en 1986, para pasar al año siguiente a las filas de Elektra Records.
Fue así que en 1988, la cantante editó "Tracy Chapman", su primer álbum que fue producido por David Kershenbaum, que la convirtió rápidamente en un éxito internacional, tras liderar los charts en Estados Unidos, Inglaterra, Austria, Dinamarca, Holanda, Nueva Zelanda y Suiza, gracias a muy buena canciones en onda Folk y Soul como "Fast car", "Baby can I hold you" o "Talkin' 'bout a revolution", que les traemos el día de hoy. Gracias a este trabajo, Chapman ganó 3 Grammy Awards a Mejor Nuevo Artista, Mejor Interpretación Femenina de Pop Vocal (por "Fast car") y Mejor Disco de Folk, además de recibir 3 nominaciones más ese año, incluyendo Disco y Canción del Año.
"Crossroads" (Elektra Records, 1989) fue su segundo álbum, co-producido por ella y David Kershenbaum, en el que colaboró el gran Neil Young. Le seguirían, siempre con Elektra Records, "Matters Of The Heart" (1992), "New Beginning" (1995), con el que ganó un nuevo Grammy Award a Mejor Canción Rock por "Give me one reason"; "Telling Stories" (2000), "Let It Rain" (2002), "Where You Live" (2005) y "Our Bright Future" (2008).
Disfruten de esta versión en vivo de "Talkin' 'bout a revolution", que a pesar de su ritmo cadencioso y lento (en tonalidad de G mayor), tiene una letra llena de contenido político, con frases como "...Poor people gonna rise up, and get their share, poor people gonna rise up, and take what's theirs..." ("...La gente pobre se va a levantar, y va a conseguir su porción, la gente pobre se va a levantar, y va a tomar lo que es suyo..."). Una canción cuya letra es totalmente vigente hasta el día de hoy, en el que vivimos rodeados de conflictos sociales alrededor del mundo.
Sharleen Spiteri (voz) y John Francis "Johnny" McElhone (antiguo miembro de grupos como Altered Images o Hipsway en bajo/guitarra), forman la columna vertebral de Texas, banda de Pop/Alternative Rock y Brit-Pop originada en la ciudad de Glasgow, Escocia, en 1986, cuyo nombre fue tomado de la altamente recomendable película "Paris, Texas", drama dirigido en 1984 por el alemán Wim Wenders. Inicialmente, se unió a Spiteri y McElhone el también guitarrista Alistair Manson "Ally" McErlaine.
Son 7 los álbumes editados hasta la fecha por Texas, todos con el sello Mercury Records: "Southside" (1989), "Mothers Heaven" (1991), "Ricks Road" (1993), "White On Blonde" (1997), "The Hush" (1999), "Careful What You Wish For" (2003) y "Red Book" (2005). Su discografía se completa con el EP "Everyday Now" (1989), los recopilatorios "The Greatest Hits" (2000) y "I Don't Want A Lover" (2004), y el disco en vivo "The BBC Sessions" (2007).
Hoy recordamos una de nuestras canciones preferidas de los escoceses, "In our lifetime", que fue el primer sencillo de su quinto álbum "The Hush", que tuvo como productor musical a Johnny Mac (seudónimo de McElhone). Este tema llegó a la ubicación #4 del UK Singles Chart, mientras que el disco lideró el UK Albums Chart, además de colocarse dentro de los 10 primeros lugares en países como Francia, Alemania, Noruega, Suecia, Suiza, Suecia y España, obteniendo en total 6 Discos de Platino y 3 Discos de Oro por sus ventas.
Texas se mantiene en actividad hasta la fecha, con la adición de Michael Bannister (teclados), Tony McGovern (voz/guitarra) y Ross McFarlane (batería). Cabe mencionar también que en Setiembre de 2009, su guitarrista-fundador Ally McErlaine sufrió un aneurima cerebral masivo, del cuál felizmente se ha venido recuperando desde entonces. Para este año, se esperaba el lanzamiento de un nuevo compilatorio del grupo, que llevaría como nombre "Say What You Want - The Collection", sin que ésto se haya concretado hasta el momento.
