Queridos amigos, EL VIAJE SÓNICO sale de vacaciones, por aproximadamente un mes, para recargar baterías. Esperamos que nos extrañen, volvemos pronto siempre con buena música y algunas novedades. Mientras tanto, los invitamos a dar un vistazo a alguno de nuestros 247 posts previos.
Book of Love es otra muy buena banda de Synth-Pop fundada en Philadelphia, Pennsylvania, allá por 1984, e integrada por Susan Ottaviano (voz), Theodore "Ted" Ottaviano (teclados/coros), quien a pesar de tener el mismo apellido que Susan no guardaba ningún parentesco con ella, Lauren Roselli (teclados/coros) y Jade Lee (teclados/coros).
Tras establecerse en Nueva York, el cuarteto editaría su primer disco homónimo en 1986, con el sello Sire Records, en donde destacaron los sencillos "Boy", "I touch roses" y "Modigliani (Lost in your eyes)", que ocuparon las ubicaciones 7, 8 y 17 del US Dance Tracks Chart de Billboard, respectivamente. La banda ganó por ese entonces más notoriedad al actuar como soporte de Depeche Mode en su Black Celebration Tour. Para su segundo disco, "Lullaby" (Sire Records, 1988), Book of Love realizó su propia versión house del tema "Tubular bells" de Mike Oildfield, escrito originalmente en 1973 y conocido por haber sido usado en la película de terror "The Exorcist", dirigida por William Friedkin, con las inolvidables actuaciones de Linda Blair y Max von Sydow.
La canción del post de hoy también pertenece al álbum "Lullaby", al igual que "Witchcraft" y el tema que daba nombre al disco. "Pretty boys and pretty girls" escaló hasta el lugar #5 del US Dance Tracks Chart, siendo el mayor éxito de Book of Love hasta ese momento, además de ser el único tema del grupo en ingresar al Hot 100 de la revista Billboard. Esta canción siempre ha sido una de nuestras favoritas de este grupo, por lo que la compartimos con ustedes en esta oportunidad.
1991 sería el año del lanzamiento de su tercer trabajo con Sire Records, llamado "Candy Carol", que mantenía el estilo bailable del grupo y en donde destaca nítidamente el track "Alice everyday", el punto más alto en esta producción. Otro tema a escuchar es "Sunny day", que fue incluído también en la banda musical de la inolvidable película de suspenso "The Silence of the Lambs" (conocida en español como "El Silencio de los Inocentes"), dirigida por Jonathan Demme ese año. Como dato curioso, mencionaremos que Lauren Roselli, miembro de la banda, aparece en una escena junto a Jodie Foster, justo en el momento en que ese tema suena de fondo.
La corta discografía de Book of Love se completa con "Lovebubble", publicado en 1993, cuya portada fue diseñada por el lider de Talking Heads y fundador en 2006 del sello Luaka Bop, especializado en World Music, que tiene entre sus artistas a la cantante afro-peruana Susana Baca. Les recomendamos oír en este disco el tema "Boy pop", que llegó al #4 del US Dance Tracks Chart. Terminaremos esta reseña mencionando que en 2001 se editó un disco compilatorio de este cuarteto, denominado "I Touch Roses - The Best of Book of Love", en donde se incluyeron varios remixes inéditos de temas antiguos. Uno de ellos, "Boy (Peter Raunhofer Remix)" terminaría siendo el máximo éxito del grupo, llegando hasta la cima del Dance Tracks Chart.
La canción del post de hoy pertenece a un proyecto musical de dos grandes músicos alemanes pioneros de la Música Electrónica e íconos del Krautrock. Este tema es (hasta donde conocemos) el único lanzamiento que hicieron bajo el nombre de Berlin Express.
Los antecedentes de Berlin Express se hayan directamente relacionados a la banda alemana de culto Tangerine Dream, de la cuál formaron parte sus dos miembros principales: Peter Baumann (entre 1971 y 1977) y Conrad Schnitzler (entre 1969 y 1970). Tras su alejamiento de Tangerine Dream, Schnitzler fundó otra importantísima banda de Krautrock llamada Kluster, junto a Hans-Joachim Roedelius y Dieter Moebius, de la cuál también se separó en 1971 para concentrarse en Eruption, su nuevo proyecto. Del mismo modo, Peter Baumann comenzó a trabajar en solitario luego de dejar Tangerine Dream.
No fue hasta inicios de la década de los 80's, que los caminos de ambos volverían a juntarse, específicamente en 1982, cuando decidieron trabajar juntos en este proyecto de electrónica junto a Gregor Schnitzler, hijo de Conrad. Fue así que Berlin Express editó ese mismo año el EP "Die Russen Kommen", a través del sello Portrait, subsidiario de Sony Music Entertainment Inc., que también tuvo una versión en inglés, titulada "The Russians Are Coming". Como su nombre lo indica, esta canción refleja el tenso contexto geopolítico mundial de aquella época, en la que la llamada Guerra Fría, que enfrentaba ideológicamente al bloque Occidental-Capitalista (liderado por los Estados Unidos) con el bloque Oriental-Comunista (encabezado por la Unión Soviética), amenazaba con provocar la Tercera Guerra Mundial, que hubiese sido desastrosa para la humanidad.
Felizmente para todos nosotros, este enfrentamiento, que se inició tras el fin de la Segunda Guerra Mundial en 1945, llegó a su fin en 1989 con la Caída del Muro de Berlín y el desmembramiento de la Unión Soviética. Volviendo a la banda, no se conoce ningún otro trabajo editado por ellos, aunque tanto Peter Baumann como Conrad Schnitzler continuaron con sus carreras musicales más adelante. Baumann creó en los 80's su propio sello musical llamado Private Music, enfocado básicamente en el New Age, además de fundar el Baumann Institute y desarrollar una teoría filosófica sobre el sufrimiento y la liberación humana conocida como Natural Enlightenment (Iluminación o Aclaración Natural). Por otro lado, Schnitzler ha continuado colaborando en diversos proyectos musicales, siendo sus trabajos más recientes "Kluster 2008: Three Olympic Cities Mix" (junto a Michael Thomas Roe y Masato Ooyama) y "Horror Odyssee" (junto a Big Robot), ambos editados en 2009.
Glam ha sido (al menos para nosotros) una de las apariciones más interesantes en la escena musical peruana del 2010. Hoy los invitamos a conocerlos.
La banda, cuyo estilo puede enmarcarse dentro del Indie Rock y del Post-Punk Revival, se fundó a finales de 2005, siendo sus integrantes: Lu Falen (voz/guitarra), Joe Santini (guitarra/bajo/teclados), Manuel Urbina (guitarra/bajo/teclados), Ed Carrasco (guitarra/bajo/teclados) y Barry Estrada (batería). Inicialmente, participaron en varios concursos musicales, en los cuáles llamaron rápidamente la atención, ubicándose en los primeros lugares. En esa época editaron su primer demo EP titulado "Living In A Bubble", y participaron en un disco tributo a Radiohead, tras lo cuál decidieron separarse temporalmente.
Felizmente, esta pausa no duró mucho, ya que en 2007 decidieron reagruparse para retomar con fuerza su carrera musical, influenciados por bandas de diferentes estilos y épocas como Pink Floyd, The Beatles, Joy Division, The Cure, Depeche Mode, New Order, Placebo, Interpol o Arcade Fire, según ellos mismos han declarado. Esta quizá sea una de las razones por las cuáles sus temas son interpretados en inglés, logrando así un mayor acercamiento al sonido del que tanto disfrutan.
En 2010, de la mano del productor peruano Gustavo "Tweety" Neyra, Glam ingresó a los estudios de grabación para trabajar en un nuevo EP, al que denominaron "Forbidden Sounds", un trabajo que sin duda marca una madurez en el sonido del grupo. Al tener la oportunidad de oírlo, no pudimos dejar de sorprendernos por la solidez de su propuesta sonora, la misma que se puede comprobar en sus presentaciones en vivo, en donde la banda demuestra que domina su estilo bastante bien.
Hoy queremos presentarles a esta prometedora banda, que seguramente dará mucho que hablar en el futuro, con uno de los temas de dicho trabajo, "Dangerous girl". Los otros tracks del EP, que no desentonan en ningún momento, son: "The absolute", "Indifference", "Last day at town", "Being sad is funny", "Forbidden sounds" y "The secret". Según anuncian en su sitio de Myspace, Glam se encuentra en estos momentos trabajando en su álbum debut, que esperamos vea la luz pronto.
La mayoría de veces uno conoce a una banda o artista por una determinada canción que llama nuestra atención, y al investigar más sobre ellos, en algunas ocasiones quedamos absolutamente enganchados con su música. Eso es más o menos lo que nos pasó desde que oímos por primera vez este tema, y nos hicimos seguidores de esta muy buena banda cuyo trabajo oscila entre el Dream Pop, Shoegaze y hasta Twee Pop, a quienes decidimos dedicar el post de hoy: The Radio Dept.
El grupo proviene de las frías tierras de Lund, Suecia, y sus comienzos datan de 1995, cuando Elin Almered y Johan Duncansson, quienes eran compañeros de escuela, decidieron formar una banda, nombrándola igual que una estación de gas que a la vez funcionaba como tienda de reparación de radios llamada "Radioavdelningen", término sueco para The Radio Department, que simplicaron como The Radio Dept. Sin embargo, al poco tiempo, los dos amigos dejaron de hacer música juntos, lo que puso a la banda en compás de espera hasta 1998, año en que Duncansson (voz/guitarra/teclados) decidió retomar el nombre para su nuevo proyecto musical, para lo cuál se unió a Martin Larsson (voz/guitarra). En 2001, la alineación de la banda se completaría con Lisa Calberg (bajo), pareja de Larsson, Per Blomgren (batería) y Daniel Tjäder (teclados).
Su primer EP fue "Annie Lauren" (Slottet, 2002). La carrera de The Radio Dept. se empezó a consolidar tras participar en un CD sampler editado por la revista musical Sonic, lo que hizo que fueran escuchados por gente del sello Labrador Records, quienes decidieron firmar a la banda. Ya bajo este sello editaron, también en 2002, otro EP llamado "Where Damage Isn't Already Done", mientras que un año más tarde publicaron su álbum debut, "Lesser Matters", que fue considerado por la revista británica NME (New Musical Express) como el #9 en su ranking de los mejores 50 discos del año. En este disco se incluía la canción "Keep on boys", que fue incluída por la directora Sofia Coppola (hija de Francis Ford Coppola) en la banda sonora de la película "Marie Antoinette" de 2006. Otros temas que les recomendamos oír en ese disco son "1995" y "Lost and found". Al poco tiempo, Per Blomgren se alejó del grupo, mientras que tras editar el EP "This Past Week" en 2005, Lisa Calberg decidió seguirle los pasos.
Ya como un trío, The Radio Dept. presentó en Mayo de 2006 su segundo disco, siempre con Labrador Records, llamado "Pet Grief", producido por Duncansson y Larsson, en el cuál decidieron utilizar baterías electrónicas para reemplazar a Blomgren, además de darle mayor presencia a los sintetizadores. Aquí se encuentra la canción de este post, "The worst taste in music", una preciosa joya que siempre nos genera una sensación de nostalgia que, probablemente, se deba a los prolongados inviernos que se viven en tierras nórdicas. Gracias a la productora independiente peruana Automatic Entertainment, tuvimos la oportunidad de conocerlos personalmente y escucharlos en vivo en Lima, en Octubre de 2006, en el que fue uno de los mejores conciertos que presenciamos ese año, en donde compartieron el escenario con la banda local Resplandor.
La discografía de los suecos continuó con varios EPs: "Freddie And The Trojan House" (2008), "David" (2009), "Heaven's On Fire" (2010) y "Never Follow Suit" (2010). Su más reciente álbum, que incluye los dos últimos temas mencionados, se editó también en 2010, específicamente en el mes de Noviembre, bajo el título de "Clinging To A Scheme", en donde el baterista Per Blomgren volvió para colaborar en el tema "You stopped making sense". Para sus presentaciones en vivo, The Radio Dept. cuenta en el presente con la participación de Mikael Häggström en la batería. Este disco será editado próximamente en el Perú por Automatic Entertainment, así que a estar atentos!
Esta es otra gran canción de los 80's, a cargo de una banda anglo-americana fundada en 1986 en Londres, Inglaterra, que vale la pena recordar: Johnny Hates Jazz.
Sus miembros fundadores fueron los multi-instrumentistas Clark Datchler (voz/guitarra/teclados), Mike Nocito (bajo/guitarra) y Calvin Hayes (batería/teclados), quienes eligieron su peculiar nombre gracias al cuñado del estadounidense Nocito, llamado Johnny, quien efectivamente detestaba la música Jazz. La historia inicial del grupo está íntimamente relacionada con el sello RAK Records, de propiedad de Mickie Most, padre de Calvin Hayes, quien además era un reconocido productor. Mike Nocito trabajaba como ingeniero de grabación, habiendo trabajado con artistas como Pink Floyd, The Police, The Cure y Duran Duran, mientras que Clark Datchler integró la banda Hot Club (junto a Calvin Hayes) y luego inició una carrera solista, siendo firmado por RAK Records. Nocito grabó y co-produjo varios trabajos de Datchler, hasta que los 3 decidieron empezar a trabajar juntos como banda.
El primer single de Johnny Hates Jazz fue "Me and my foolish heart", editado en Abril de 1986, siendo considerado por la revista Sounds como disco de la semana. A fines de ese año, la banda pasaría a las filas de Virgin Records, mientras que en Marzo de 1987 publicarían el extraordinario tema que acompaña este post, "Shattered dreams", que inmediatamente se convirtió en un hit a nivel mundial, siendo #1 en Australia, #2 en los Estados Unidos y Japón, y #5 en el Reino Unido, seguido de dos singles más: "I don't want to be a hero" y "Turn back the clock". Este última canción daría título al álbum debut de Johnny Hates Jazz, el mismo que fue editado en Enero de 1988, entrando como #1 del UK Albums Chart y recibiendo un Doble Disco de Platino, vendiendo más de 4 millones de copias hasta la fecha. Clark Datchler dejaría la banda a fines de 1988, retomando su carrera solista, publicando dos álbumes: "Fishing For Souls" y "Tomorrow". Los miembros restantes, Hayes y Nocito, continuaron con la banda y fueron responsables de la producción del segundo disco de Johnny Hates Jazz, titulado "Tall Stories" (Virgin Records, 1991), en donde contaron con la colaboración de Phil Tornalley como vocalista.
Debido a un serio accidente automovilístico sufrido por Calvin Hayes en 1992, la banda tuvo que poner punto final a su historia ese año. Sin embargo, en 2007 decidieron revivirla, hasta que en 2009, el grupo volvió a completar su alineación original con el retorno de Clark Datchler. Desde entonces, el trío ha vuelto a los escenarios principalmente en Europa, y a finales de 2010 empezaron a correr insisitentes rumores de que Datchler y Nocito habían empezado a trabajar en material nuevo de la banda, cuyo lanzamiento es esperado para la primera mitad del 2011. Estaremos atentos. Mientras tanto, los dejamos con una de las 2 versiones existentes en vídeo de "Shattered dreams".
Teníamos pendiente hacer la segunda parte de la reseña de esta banda fundamental del Rock Latinoamericano (si quieren leer la primera parte, lo pueden hacer aquí), así que aprovechamos el post de hoy para terminar de revisar la trayectoria de Soda Stereo.
Tras editar el álbum "Doble Vida" en 1988, el tridente Cerati/Bosio/Alberti publicó un EP en 1989 con Sony Music, bajo el título de "Languis", que contenía 4 tracks: "Mundo de quimeras", "Languis", "En el borde" y "Lo que sangra (La cúpula)", estas dos últimas en versiones Remix. El quinto álbum de los argentinos fue "Canción Animal" (Sony Music, 1990), un gran disco, sin lugar a dudas, en el que participaron como músicos invitados Tweety González (teclados), Andrea Álvarez (percusión/coros), Daniel Melero (teclados) y Pedro Aznar (coros). Temas memorables incluídos aquí fueron "Un millón de años luz", "De música ligera" (uno de los puntos más altos del disco), "Entre caníbales", "Té para tres" y "Cae el sol", solo por mencionar algunos.
Para su sexto disco, "Dynamo" (Sony Music, 1992), Soda Stereo exploraría con sonidos nuevos, influenciados por géneros musicales como la Electrónica y hasta el Shoegaze, por lo cuál se le considera como un disco adelantado a su época. En varias entrevistas posteriores, los miembros de la banda han declarado que para ellos éste es su mejor disco, en el que podemos encontrar joyas como "Secuencia inicial", la extraordinaria "Primavera O", "Luna roja", "En remolinos" (una verdadera obra maestra), y "Claroscuro", tema que acompaña este post. Su discografía continuó con el recopilatorio "Zona de Promesas", editado en 1993, con remezclas de temas previos. Su séptimo y último disco en estudio sería "Sueño Stereo", producido por Cerati y Bosio, editado en 1995, y mezclado por el ingeniero Clive Godard en los estudios Matrix de Londres, en donde la banda volvió a sorprender gracias a sus elaborados arreglos de cuerdas, que sobresalen en canciones como "Ella usó mi cabeza como un revólver", "Efecto doppler" (con una letra sencillamente espectacular) o "Pasos". Otros tracks altamente recomendables con "Zoom", "Disco eterno", "Paseando por Roma", "Ángel eléctrico" y "Crema de extremas".
"Comfort y Música Para Volar" (Sony Music, 1996) fue un disco en vivo contiene versiones grabadas ese año durante una presentación para la serie Unplugged de la cadena MTV, realizada en Miami, en donde la cantante colombiana Andrea Echeverri (de la banda Aterciopelados), participa acompañando a Cerati interpretando "En la ciudad de la furia". El 1ro. de Mayo de 1997, el trío anunciaba oficialmente su separación, realizando una gira de "despedida" que dió origen a dos discos separados, denominados "El Último Concierto (A y B)". Justamente, al finalizar el último show en el estadio de River Plate, en su natal Buenos Aires, Gustavo Cerati pronunció la frase que se ha convertido en todo un símbolo: ¡Gracias totales!. Tras 10 años de separación, el trío decidió reunirse en 2007 para realizar una gran gira continental, que se plasmó nuevamente en un CD doble bajo el título de "Gira Me Verás Volver", que además fue acompañado por un DVD editado en Octubre de ese año.
Muchos consideran a Soda Stereo como "la banda más influyente del Rock en Español de todos los tiempos", título que refleja la importancia que este grupo ha tenido a lo largo de su fructífera trayectoria, y de la cuál nos consideramos fervientes admiradores.
Esta es otra de las bandas que encabezaron el llamado Post-Punk Revival de la década pasada, movimiento creado a partir de grupos que reflejaban marcadas influencias de íconos del Post-Punk como Joy Division. Suenan como ingleses, pero son estadounidenses: Interpol.
Se formaron en 1997 en la ciudad de Nueva York, siendo sus miembros fundadores: Paul Banks (voz/guitarra), Daniel Kessler (guitarra/coros), Carlos Dengler (bajo/teclados) y Greg Drudy (batería), quien en 2000 dejó su lugar a Sam Fogarino. Tras editar 3 EPs, "Fukd ID#3" (Chemikal Underground, 2000), "Precipitate" (auto-editado, 2001) e "Interpol" (Matador Records, 2001), el grupo lanzó su álbum debut en 2002, denominado "Turn On The Broght Lights", bajo la producción de Peter Katis y Gareth Jones. Este disco causó sensación en la prensa y los fans, siendo considerado por varios rankings entre los 5 mejores discos de ese año, gracias a canciones como "NYC", "Hands away", "Obstacle 1" y "Roland".
Continuaron su senda triunfal con su segundo álbum, "Antics" (Matador Records, 2004), que obtuvo sendos Discos de Oro en los Estados Unidos, el Reino Unido y Australia. Producido nuevamente por Peter Katis, destacan en este álbum temas como "Evil, "NARC", "C'mere" y "Slow hands", incluída más adelante y que llegó al lugar #15 del Modern Rock Tracks Chart de Billboard. "Antics" también lideró el Top Independent Albums Chart en los Estados Unidos. En 2006, decidieron cambiar de compañía discográfica, firmando un nuevo contrato con Capitol Records, editando con este sello su tercer álbum, llamado "Our Love To Admire", con Rich Costey como productor. Este disco fue #1 en Irlanda, estando en el Top 5 de los rankings de Estados Unidos, Bélgica, Finlandia, Holanda y el Reino Unido, teniendo como sencillos a "The Heinrich maneuver" y "Mammoth".
El más reciente trabajo de Interpol ha sido su disco homónimo editado en Setiembre de 2010, de nuevo con Matador Records. Tras su lanzamiento, la banda anunció oficialmente el alejamiento de Carlos Dengler, dejando a Interpol como un trío. Para sus presentaciones en vivo, cuentan en la actualidad con la colaboración del bajista David Pajo y del tecladista Brandon Curtis. Por estos días, el grupo está haciendo presentaciones en Europa, como parte de la gira de promoción de su último disco.
Los dejamos con el vídeo de este muy buen tema, "Slow hands", una de nuestras canciones favoritas de Interpol. Que lo disfruten.
Hoy damos un vistazo a la historia de un buen proyecto de Synth-Pop, formado a fines de la década de los 80's en la ciudad de Dallas, Texas: T42.
Sus integrantes originales fueron Jay Gillian (sintetizadores/secuencias) y Jimron Goff (voz). Poco tiempo después, específicamente en 1989, Goff sería reemplazado por Will Loconto, quien junto a Gillian, editaría el primer EP en formato de cassette de T42, titulado "Hot on Top". Tras obtener cierta resonancia en algunas estaciones de radio de su ciudad natal, siendo invitados a participar con un cover del tema "Ecstasy" en el compilatorio "Tales From The Edge". Gracias a ello, fueron contratados por el sello Oak Land Records, con quienes en 1990 lanzaron un 12'' de la canción "Don't let my love (Push you away)", lo que motivó que fueran fichados por la transnacional Columbia Records.
Gracias a este nuevo contrato, comenzaron a trabajar en un puñado de canciones con el productor Paul Robb, integrante de Information Society (de quienes hablaremos más en detalle en un futuro post), las mismas que darían origen al primer (y único) álbum de T42, "Intruder", publicado en 1992, en donde también colaboró Fred Maher como productor. Este disco contiene buenas canciones entre las que podemos mencionar "The perfect kiss", "Hot candy", "See the sky", "Let me go" (cover de Heaven 17), "No more promises" y "Desire", una de nuestras favoritas, que compartimos con ustedes el día de hoy. Cabe mencionar que participaron como músicos invitados en esta producción: Debbie Cole y los propios Fred Maher y Paul Robb, quienes además mezclaron la mayoría de los tracks.
Un año después de editar "Intruder", y gracias al hecho de trabajar junto a Paul Robb, Will Loconto decidió alejarse de T42, pasando a formar parte de Information Society, mientras que Jay Gillian empezó a colaborar con los californianos Anything Box. Esto motivó prácticamente la desaparición de este proyecto de la escena musical internacional. No hay que confundirlos con la banda del mismo nombre surgida en Luxemburgo en 1990, integrada por John Rech, Tom Weber, Philippe Kohn, Eric Flachero, Christian Harpes y Paul Keltesch.
"Jeopardy", tema que recordamos hoy, es un indiscutible clásico de los 80's, y la canción más exitosa de Greg Kihn Band, agrupación estadounidense que fue creada en 1978 por su líder Greg Kihn (voz/guitarra), junto a Steve Wright (bajo). Dicho tema alcanzó el lugar #2 del Billboard Hot 100 Chart, mientras que la otra canción recordada de ellos, "The breakup song (They don't write 'em)", escaló hasta el puesto #15 del mismo ranking.
La formación inicial de Greg Kihn Band se completó con el guitarrista Robbie Dunbar y el baterista Larry Lynch. La discografía de la banda se inició con "Next Of Kihn", editado en 1978, que tuvo como single a "Remember". Los siguientes dos álbumes, "With The Naked Eye" (1979) y "Glass House Rock" (1980), no tuvieron mucha repercusión, lo que cambió al publicar en 1981 su cuarta producción, titulada "Rockihnroll", en donde sobresalió la ya mencionada "The breakup song (They don't write 'em)", producida por Matthew King Kaufman, y que fue lanzado como single en Mayo del mismo año, a través del sello Beserkley. Los otros sencillos de aquel álbum fueron "Sheila" y "The girl most likely".
"Kihntinued" (1982) fue su quinto disco, ya con la incorporación de Gary Phillips como tecladista de la banda, que tendría a la canción "Testify" como su caballo de batalla, llegando hasta el #5 del Hot Mainstream Rock Tracks Chart de Billboard. El más exitoso álbum de la agrupación fue "Kihnspiracy", editado en 1983, que contiene el tema del post de hoy, que además lideró el Billboard Dance Chart. El vídeo del mismo, dirigido por Jim May, fue grabado en la ciudad de San Francisco, California, específicamente en el Mission District, y en 1984, el comediante Weird Al Yankovic hizo una parodia de la canción, bajo el nombre de "I lost on Jeopardy", en cuyo vídeo aparece el propio Greg Kihn.
Ninguno de los siguientes discos llegó a acercarse al suceso de "Kihnspiracy": "Kihntagious" (1984), "Citizen Kihn" (1985) y "Love And Rock & Roll" (1986). Cabe mencionar como dato curioso, que el entonces todavía desconocido guitarrista Joe Satriani fue por poco tiempo miembro de Greg Kihn Band durante los 80's, trabajo que lo ayudó a pagar los gastos para la grabación de su primer disco como solista, "Not Of This Earth" (1986).
A pesar de no haber editado nuevo material desde entonces, la Greg Kihn Band sigue activa hasta el día de hoy, estando conformada por Robert Barry (bajo) y el hijo de Greg, Ry Kihn (guitarra), quienes acompañan a la dupla fundadora Kihn/Wright.
En la actualidad es bastante común que se creen nuevos subgéneros musicales, por una estrategia de marketing, que simplemente busca diferenciar a un artista del resto. Por ejemplo, a esta banda se le impuso la etiqueta de Future-Pop, aunque para nosotros sea una banda de Electronic Body Music, Synth-Pop, o en el peor de los casos, de Electronic Rock. Pero bueno, más allá de las etiquetas, lo importante es que este grupo de Sarpsborg, Noruega, hace muy buena música, y por ello les dedicamos este post: Apoptygma Berzerk.
Conocidos por sus fans como APB o Apop, la banda fue formada en 1989 por Stephan Groth (aka Grothesk) en voz/guitarra/programación, y Jon Erik Martensen en teclados. Sus primeros trabajos fueron los EPs "Victims Of Mutilation" (1990) y "The 2nd Manifesto" (1992), ambos editados con el sello Metropolis Records. Fue recién en 1993 que Apoptygma Berzerk publicó su disco debut, "Soli Deo Gloria", que fue seguido por "7", segundo álbum de la banda, editado en 1996. En este trabajo destacan los tracks "Mourn", "Deep red" y "Electricity", un cover de OMD.
Para su tercer disco, "Welcome To Earth" (Metropolis Records, 2000), el grupo había sufrido varios cambios en su alineación, con el ingreso de Geir Bratland (teclados/coros), Anders Odden (guitarra), Fredrik Darum (guitarra) y Ted Skogmann (batería), lo que le dió un sonido más rockero, combinado con bases y secuencias electrónicas. Les recomendamos oír en este disco los temas "Starsign", "Eclipse", "Kathy's song (Come lie next to me), "Fade to black" (cover de Metallica) y "Paranoia". "Harmonizer" (Metropolis Records, 2002), sería el cuarto álbum de estudio de los APB, en donde aparecen los tracks "Suffer in silence", "Unicorn", "Pikachu" y "Until the end of the world", canción cuyo vídeo incluímos aquí.
La discografía de la banda se completa con "You And Me Against The World" (2005) y "Rocket Science" (2009), ambos editados a través de GUN Records. Les recomendamos también ver los DVDs del grupo: "APBL2000", "The Harmonizer DVD" e "Imagine There's No Lennon" (2010), que contienen escenas en vivo de la banda, que en Setiembre de 2010 visitó Lima para presentarse en vivo junto a los peruanos Ensamble. La formación actual de Apoptygma Berzerk consta de Ophelia Dax (teclados), Thomas Jakobsen (batería) y Brandon Smith (guitarra), quienes sirven de complemento a Stephan Groth, indiscutible líder del grupo.
Nacido en Valencia, España, el 25 de Octubre de 1961, este disc-jockey, músico y productor de Electronic Body Music, tiene el mérito de haber lanzado el maxi-single más vendido en la historia de España, que no es poca cosa, además de ser el autor español que más discos vendió en el extranjero por dos años consecutivos, lo que habla de su trascendencia en la escena electrónica de baile más allá de las fronteras españolas. Así que conozcamos un poco más sobre Joaquín Bayo, mejor conocido como Chimo Bayo.
Durante su juventud, Bayo fue piloto de motorcross, pero a los 19 años sufrió un grave accidente que acabó con su carrera en las motos. Más adelante, al asistir a varias discotecas valencianas, se empezó a interesar en el trabajo de los disc-jockeys, hasta que le ofrecieron trabajo en las discotecas "Arsenal" de Oliva y "El Templo" de Cullera, en donde mezclaba básicamente música electrónica de artistas como Kraftwerk y Depeche Mode, con artistas más oscuros como Bauhaus, Joy Division o Nina Hagen. Todo ello lo llevaría más adelante a definir su propio estilo musical, que estaría más ligado al Electronic Body Music (EBM).
Tras componer sus primeros temas, Chimo Bayo editó en 1987 sus primeros trabajos junto a Angel Patiño, titulados "Ráyate" y "Ráyate 2", ambos a través del sello Raya Records de Valencia. Sin embargo, su primer gran éxito al editar el single "Así me gusta a mí" (Area Internacional, 1991), que vendió más de 1 millón de copias, liderando las ventas en lugares lejanos como Japón e Israel. Sus trabajos posteriores, ya con la producción de Germán Bou y Juan José Coll, siguieron ese camino exitoso, como por ejemplo "Química" (Area Internacional, 1992) y "Bombas" (Bol, 1992), que fue el primer #1 de Chimo Bayo en Japón, además de ser su disco más vendido en el extranjero, y cuyo vídeo compartimos con ustedes en este post.
Ya a estas alturas, Chimo Bayo era indudablemente uno de los referentes principales de la llamada Ruta Destroy, denominada así debido a que más de 30,000 jóvenes de toda España viajaban cientos de kilómetros cada fin de semana para congregarse en torno a varias discotecas de Valencia en fiestas interminables. Luego de 1992, se empezaría a conocer también como la Ruta del Bakalao. El trabajo de Chimo Bayo se prolonga hasta el presente, ya que en 2010 se convirtió en candidato para Eurovisión, gracias al tema "La fiesta del fuego", grabado junto al grupo valenciano Code Name.
Para relajarse un poco después de las celebraciones por la llegada del nuevo año, y en esta fecha numéricamente peculiar (1/1/11), hemos decidido dedicar el post de hoy a una banda de Indie Rock proveniente de Cwmaman, Gales, que el pasado 25 de Noviembre de 2010 se presentó en Lima, Perú, junto con The Smashing Pumpkins y varias bandas locales, en la segunda edición del Lima Hot Festival, realizada en el Estadio de la Universidad de San Marcos: Stereophonics.
En 1992, Kelly Jones (voz/guitarra/teclados), Richard Jones (bajo/coros/armónica/piano) y Stuart Cable (batería/percusión/coros) formaron una banda de covers llamada Tragic Love Company, que al poco tiempo se pasó a llamar The Stereophonics, nombre de la fábrica de tornamesas que pertenecía al padre de Cable. En Mayo de 1996, fueron los primeros artistas en firmar con el sello V2, y fue entonces cuando decidieron quitar el artículo "The" en su nombre, para pasar a llamarse simplemente Stereophonics.
La banda tuvo éxito desde sus inicios, al editar en 1997 su disco debut llamado "Word Gets Around" a través de V2, consiguiendo un Doble Disco de Platino por ventas y escalando hasta la ubicación #6 del UK Albums Chart, además de ganar al año siguiente el BRIT Award a Mejor Banda Nueva. Su segundo álbum, "Performance And Cocktails" (V2, 1999) siguió el mismo camino, encabezando los rankings británicos, gracias a temas como "The bartender and the thief", "Just looking" y "Hurry up and wait". Volverían a obtener el #1 del UK Albums Chart con sus siguientes 4 producciones: "Just Enough Education To Perform" (V2, 2001), "You Gotta Go There To Come Back" (2003), "Language, Sex, Violence, Other?" (2005), y "Pull The Pin" (2007), editados siempre por el sello V2. En Setiembre de 2003, Stuart Cable fue separado de la banda, siendo reemplazado por Javier Weyler, mientras que en 2007, se incorporó como guitarrista principal Adam Zindani.
El más reciente trabajo de estos galeses ha sido "Keep Calm And Carry On" (V2, 2009), que fue co-producido por Kelly Jones, Jim Abbiss y Jim Lowe, vendiendo más de 160,000 copias solamente en el Reino Unido, obteniendo por ello un Disco de Oro. Los singles de este disco han sido "Innocent" y "Could you be the one?". También comentaremos que el cantante Kelly Jones editó un álbum como solista en 2007, titulado "Only The Names Have Been Changed", mientras que el guitarrista Adam Zindani ha trabajado en paralelo con su otra banda, llamada Casino, y el baterista Javier Weyler también lanzó como solista el álbum "Lagrima", bajo el seudónimo de Capitán Melao.
A continuación los invitamos a disfrutar del vídeo del tema "Maybe tomorrow", nuestro favorito de Stereophonics, incluído en el cuarto disco de la banda "You Gotta Go There To Come Back", que como ya dijimos, fue editado en 2003. Nuevamente, les deseamos un excelente Año 2011.
