BELINDA CARLISLE - Summer rain (1989)

Belinda Carlisle es una extraordinaria cantante nacida el 17 de Agosto de 1958 en Los Angeles, California, recordada también por haber sido la vocalista de la banda femenina The Go-Go's, y que en 1985, tras la primera ruptura de aquella agrupación, decidió continuar su carrera en solitario, trayectoria en la que nos enfocamos en este post.

Los inicios musicales de Carlisle se dieron curiosamente como baterista del grupo de Punk Rock llamada The Germs, en la que utilizó el seudónimo de Dottie Danger. Tras separarse de ellos, la artista se unió en 1978 a Jane Wiedlin, Margot Olavarria y Elissa Bello para dar vida a The Go-Go's, agrupación que fue una de las primeras en estar compuesta exclusivamente por mujeres que llegó a liderar los rankings de la Billboard.

Como ya mencionamos, Belinda Carlisle comenzó su trayectoria en solitario en 1985, habiendo publicado hasta la fecha 7 álbumes. El primero de ellos fue "Belinda" (IRS Records, 1986), al cuál le siguió "Heaven On Earth" (MCA Records, 1987), con el cuál alcanzó los primeros puestos en varios países gracias al tema "Heaven is a place on earth". Hoy recordamos uno de las mejores canciones de su tercer disco solista, titulado "Runaway Horses", que fue producido en 1989 por Rick Nowels para MCA Records. Éste es uno de sus mejores trabajos, en el que participaron como músicos invitados, entre otros, el destacado percusionista cubano Luis Conte, el ex-guitarrista de The Beatles, George Harrison, y el también guitarrista y cantante canadiense Bryan Adams.

"Summer rain", fue el tercer single del disco "Runaway Horses", cuya autoría corresponde a Robbie Seidman y Maria Vidal. Junto a "Vision of you", es para nosotros de lo mejor de este gran álbum de Pop Rock, que destaca por un sonido muy bien producido, mérito indiscutible de Nowels. El vídeo que pueden ver a continuación fue dirigido por Andy Morahan, en donde obviamene destaca la belleza de la pelirroja Belinda Carlisle.

NINE INCH NAILS - Only (2005)

Es indiscutible que Trent Reznor se ha convertido en una de las figuras más resaltantes de la industria musical contemporánea, debido en mayor parte a su visión vanguardista del arte en aspectos musicales y visuales. Al frente de Nine Inch Nails, banda de Industrial/Alternative Rock con la que plasma toda su creatividad desde 1998, ha logrado escribir varias de las páginas más memorables de los últimos tiempos.

Hoy repasamos una de las mejores canciones del quinto disco de NIN, "With Teeth", editado en Mayo de 2005 por Interscope Records, en el que además fue responsable de la producción musical junto a Alan Moulder. Este trabajo obtuvo Disco de Oro en los Estados Unidos, Disco de Platino en Canadá y Disco de Plata en el Reino Unido, encabezando además el Billboard 200 Chart y el Top Internet Albums Chart de la misma publicación.

El tema "Only" fue el segundo single de "With Teeth" (el primero fue "The hand that feeds"), que fue #1 del Modern Rock Tracks Chart de la Billboard durante 7 semanas. El excelente vídeoclip de esta canción fue dirigido por el estadounidense David Fincher, responsable también de películas como "Seven", "Fight Club", "Zodiac" o "The Social Network". Este vídeo fue mayormente realizado empleando imágenes generadas por computadora (CGI), que fueron realizadas por la empresa Digital Domain. El elemento principal del vídeoclip, en el que aparecen las diversas imágenes, es un juguete conocido como Pinscreen o Pin Art, compuesto por múltiples clavos móviles que permiten crear imágenes tridimensionales al presionar los clavos por el lado posterior.

Como dato curioso, vale la pena mencionar que uno de los pocos elementos reales en este vídeo, que no fueron creados en animación, es la mano que aparece al inicio del mismo, que pertenece al propio director David Fincher. Disfruten de este gran tema (cuyos sintetizadores iniciales nos hacen recordar a la canción "Fade to grey" de Visage) y de este gran vídeoclip. Que tengan un buen fin de semana.

JOY DIVISION - Digital (1978)

Otra de las canciones memorables que nos dejó Joy Division, uno de los cuartetos más importantes en la historia del Post-Punk, conformado por Ian Curtis (voz), Bernard Sumner (guitarra/teclados), Peter Hook (bajo/coros) y Stephen Morris (batería/percusión).

"Digital" fue un tema producido por Martin Hannett, grabado el 11 de Octubre de 1978 en los Cargo Studios de Rochdale, ciudad ubicada a las afueras de Manchester, cuna del grupo. Esta canción fue incluída en el primer EP editado por el mítico sello Factory Records, que llevó por título "A Factory Sample", publicado en Diciembre de 1978 como un disco doble de 7'', catalogado por dicho sello como FAC-2, ya que el código FAC-1 fue asignado a un concierto realizado por Factory Records en la discoteca The Russell Club (también conocida como The Factory), que fue inaugurada ese mismo año por Tony Wilson, Alan Erasmus y Alan Wise.

En dicho disco doble, Joy Division también incluyó el tema "Glass", mientras que los otros artistas promocionados en él fueron The Durutti Column (con "No communication" y "Thin ice"), John Dowie (con "Acne", "Idiot" y "Hitler's live") y Cabaret Voltaire (con "Baader meinhof" y "Sex in secret").

Otra de las peculiaridades de "Digital" radica en que fue la úitima canción ejecutada en vivo por Joy Division, durante el concierto realizado el 2 de Mayo de 1980 en la Birmingham University, poco antes del suicidio de Ian Curtis, ocurrido 16 días después. La energía de esta canción fue graficada muy bien por el director Michael Winterbottom en la gran película "24 Hour Party People" de 2002, al igual que por el renombrado fotógrafo y director holandés Anton Corbijn en su altamente recomendable biopic "Control", de 2007.

SPINETTA Y LOS SOCIOS DEL DESIERTO - Cheques (1997)

Luis Alberto Spinetta, es uno de los artistas argentinos más reconocidos de todos los tiempos. "El Flaco", como se le conoce cariñosamente, nació el 23 de Enero de 1950 en Buenos Aires, Argentina, y su prolífica carrera musical comprende bandas de vital importancia en la historia del Rock Argentino como Almendra, Pescado Rabioso, Invisible o Spinetta Jade.

En 1994, Spinetta recibió el encargo de componer la banda musical de la película "Fuego Gris", drama argentino dirigido por Pablo César. Ese mismo año, decidió formar una nueva banda, para lo cuál invitó al bajista Marcelo Torres y al baterista Daniel "Tuerto" Wirtz. Dicho trío sería bautizado como Spinetta y los Socios del Desierto, cuyo sonido se enmarcaba dentro del Garage Rock, en donde obviamente resaltaban la guitarra y la voz de El Flaco.

Esta agrupación empezó a grabar su primera producción en 1995. Sin embargo, dicha producción, llamada sencillamente "Spinetta y los Socios del Desierto", recién pudo ser publicada en 1997 por Sony Music, debido a los problemas previos surgidos con otras compañías discográficas que querían imponer ciertas condiciones a Spinetta, quien obviamente se mantuvo fiel a sus ideas hasta que decidió firmar con Sony. Este álbum, en el que también participó como músico invitado el tecladista Claudio Carbone, se publicó como un disco doble, con un total de 33 canciones. Uno de los puntos más altos de este disco es el tema que abría el Disco 1 y que posteamos hoy, "Cheques".

Los días 20, 21 y 22 de Agosto de 1998, Spinetta y los Socios del Desierto realizaron sendos conciertos en la Sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza en Buenos Aires, que fueron registrados para la posteridad dando orígen a un álbum en vivo y a un DVD, bajo el título de "San Cristóforo", editados por Sony Music ese mismo año. El último trabajo de Luis Alberto Spinetta al frente de los Socios del Desierto fue "Los Ojos" (Universal Music Argentina, 1999), con una onda bastante menos rockera que sus predecesores. En Octubre de ese año, la banda se separaría, aunque Wirtz y Torres han seguido colaborando en posteriores trabajos solistas de El Flaco.

LILLIES AND REMAINS - You're blind (2011)

Lillies and Remains es una banda japonesa formada en 2006 en la ciudad de Kyoto, que es considerada en la actualidad como uno de los grupos más importantes de la escena del Indie Rock nipón, con una marcada influencia del New Wave y Post-Punk de los 80's. Sus miembros son: Kent (voz/guitarra/sintetizadores), Kazuya (guitarra/coros), Minoru Nara (bajo/coros) y Kosuke (batería).

Kent, quien comenzó a componer sus primeras canciones a la temprana edad de 15 años, es el líder de esta agrupación. Fue él quien fundó inicialmente a Lillies and Remains, nombre que homenajea a Bauhaus, banda icónica del Post-Punk y Gothic Rock, quienes en su disco "Mask" de 1981 incluyeron la canción "Of lillies and remain".

La discografía de los japoneses se inició en 2008, año en el que editaron un primer mini-LP titulado "Moralist S.S.", a través del sello Fifty One Records, compañía discográfica que ha sido su casa desde entonces. En este trabajo, compuesto por 6 temas, destacan, además de la canción que le da nombre, otras composiciones como "Lasting feast" o "Alone again or", que marcaron su costumbre de usar el idioma inglés para sus canciones. En 2009, publicaron "Part Of Grace", mientras que un año más tarde hicieron lo propio con otro mini-álbum llamado "Meru".

El tema que posteamos hoy, "You're blind", pertenece a la más reciente publicación de Kent y compañía, "Transpersonal", editado este año. Este disco está compuesto por 12 canciones, que por momentos hacen recordar a los neoyorkinos de Interpol. Otras canciones que les recomendamos revisar en este trabajo son "Obsession", "Human intellect #2", "Broken receiver" y "Across the line". Para más información sobre Lillies and Remains, pueden visitar el sitio web oficial del grupo.

BÏA - Mariana (2003)

Bïa Krieger, conocida en el ambiente musical simplemente como Bïa, es una excelente cantautora nacida en Brasil que, durante los 70's, años de régimen militar en su país, se vió forzada a exiliarse junto a su familia, mudándose primero a Chile, luego a Perú y finalmente a Portugal, cuando aún era una niña. Recién cuando tenía 12 años pudo volver a su país natal, graduándose años después como Periodista en São Paulo. Fue en 1996 que decidió incursionar en el mundo de la música, radicando en Francia, y un año más tarde, con el sello Saravah y con el francés Pierre Barouh como productor, publicó su primer disco, titulado "La Mémoire Du Vent", en donde se mezclan la Bossa Nova, el Jazz y la Música Latinoamericana. Gracias a esta producción, Bïa obtuvo el Grand Prix de L’Académie Charles Cros, el equivalente al Grammy en Francia.

"Sources" (Savanah Records, 2000) fue su segundo álbum, de nuevo con Pierre Barouh en la producción, gracias al cual fue invitada a participar del Montréal Jazz Festival. En este trabajo, Bïa incluyó un cover de The Beatles, específicamente del tema "Golden Slumbers". Tres años después, la brasilera lanzó "Carmin", con temas cantados en francés, portugués, español, inglés e italiano, teniendo como productores musicales al canadiense Erik West-Millette y al brasilero Robson Galdino. Una de las canciones de este disco, "Inti", es una especie de himno inca pre-colombino, influenciado por el tiempo que la artista pasó en el Perú durante su niñez. Pero nuestro tema favorito de este álbum, por mucho, es "Mariana", preciosa composición en clave de Bossa Nova, en donde además sobresale nítidamente la capacidad interpretativa de Bïa.

Su siguiente disco fue "Coeur Vagabond" (Sony/BMG, 2006), con el que obtuvo un World Music Felix Award en Quebec, Canadá, y fue nominada a un Juno Award como Mejor Álbum de World Music. Ese mismo año, la ya mencionada canción "Mariana" fue incluída en el compilatorio "Brazilian Lounge", del sello Putumayo Records. "Nocturno" (Les Disques Audiogramme, 2008), fue su quinto álbum en estudio, otra vez con Erik West-Millette en la producción, que fue editado en Canadá.

Por si fuera poco, en 2009 esta artista se estrenó como escritora, al publicar la novela "Les Revolutions de Marina", basada en la historia del exilio de su familia, que tuvo muy buenas críticas. Su más reciente producción discográfica ha sido "Concert Intime" (Les Disques Audiogramme, 2011), en donde hace dupla con el canadiense Yves Desrosiers. En la actualidad, Bïa Krieger pasa la mayor parte del tiempo entre Francia y Canadá, especialmente en las ciudades de París y Quebec. Según anuncia en su página web oficial, se encuentra ya trabajando en los temas de su próximo álbum, así como en un disco para niños, que serían editados en 2012.

REAL LIFE - Send me an angel (1983)

Otra de las canciones que siempre nos trae gratos recuerdos de juventud, a cargo de esta banda de New Wave y Synth-Pop de Melbourne, Australia: Real Life.

Fundada en 1980, tuvo como integrantes originales a David Sterry (voz/guitarra), Richard Zatorski (teclados/violín), Alan Johnson (bajo) y Danny Simcic (batería). En 1983, Real Life publicó su disco debut, "Heartland", con los sellos Wheatley (Australia) y MCA Records (Estados Unidos), contando con Steve Hillage, Ross Cockle y Ross Fraser como productores. En este álbum se encuentran dos de los mayores éxitos cosechados por el grupo: "Catch me I'm falling" y la pegajosa "Send me an angel", tema que se convirtió en un boom en las pistas de baile de todo el mundo, llegando a las primeras posiciones en los rankings de Alemania, Austria, Suiza, Australia, Nueva Zelanda y Suecia.

Tras editar en 1985 "Flame", su segundo disco, el tecladista Steve Williams ingresó a la banda en reemplazo de Richard Zatoski, quien decidió separarse de Real Life, formando su propia banda, llamada Zatoski, con la que también grabó su propia versión de "Send me an angel". En 1989, Real Life lanzó una nueva versión de esta canción, que fue titulada "Send me an angel '89", en cuyo vídeoclip, que era idéntico al de 1983, se eliminaron todas la tomas en las que aparecía Zatoski.

Para 1998, tras haber publicado 4 discos más ("Down Comes The Hammer", "Let's Fall In Love", "Lifetime" y "Happy"), Real Life volvió a cambiar de tecladista, con el ingreso de George Pappas en lugar de Williams. Para su siguiente producción discográfica, "Imperfection" (A Different Drum Records, 2003), solamente quedaron en la banda Sterry y Pappas, a quienes se sumó el baterista Scott Ingram. Sin embargo, Pappas también dejó al grupo en 2005, y desde entonces, el cantante David Sterry ha continuado solo al frente de Real Life. El último lanzamiento de este grupo ha sido un álbum recopilatorio llamado "Send Me An Angel - 80's Synth Essentials", editado en Mayo de 2009 por Cleopatra Records.

SNOW PATROL - Hands open (2006)

Esta es otra de nuestras canciones predilectas de la discografía de los irlandeses/escoceses de Snow Patrol, de quienes ya hemos hablado anteriormente en el blog (reseña que pueden leer aquí).

"Eyes Open" fue el cuarto álbum de la banda, tras el éxito de su predecesor, "Final Straw" (2003). Este disco fue publicado en el Reino Unido el 1 de Mayo de 2006 por Polydor Records, mientras que en los Estados Unidos se editó a través de A&M Records, 8 días después. Fue grabado en diferentes estudios de Irlanda e Inglaterra, bajo la producción de Garret "Jacknife" Lee, cuya trayectoria incluye trabajos con una larga lista de artistas de la talla de R.E.M., The Cars, Crystal Castles, U2, Weezer, Editors o Kasabian, por citar solamente algunos. Un año más tarde, los Snow Patrol se coronarían como ganadores del Meteor Award a Mejor Álbum Irlandés, gracias a este trabajo.

Para esta época, el line-up de Snow Patrol estaba conformado por Gary Lightbody (voz/guitarra), Paul Wilson (bajo/coros), Nathan Connolly (guitarra/coros), Tom Simpson (teclados/samplers) y Jonny Quinn (batería/percusión). "Eyes Open" consiguió liderar los rankings de Australia, Holanda, Irlanda, Nueva Zelanda y el Reino Unido. Curiosamente, el primer single del álbum fue distinto en varios continentes: en Europa fue "You're all I have", en los Estados Unidos se hizo lo propio con "Hands open", mientras que en Australia la canción de promoción fue "Chasing cars".

El tema "Hands open", que ocupa nuestro post del día, es uno de los picos más altos de esta producción (al menos para nosotros), habiendo llegado tan solo a la posición #21 del Modern Rock Tracks Chart de la reconocida revista estadounidense Billboard. Además, esta canción apareció en la banda musical del vídeojuego "LMA Manager 2007", distribuído por la empresa Codemasters para las plataformas PlayStation, PlayStation 2, Xbox y Xbox 360.

THE PRODIGY - Breathe (1997)

Liam Howlett (teclados), Keith Flint (voz) y Keith "Maxim Reality" Palmer (MC), son los actuales integrantes de The Prodigy, este proyecto musical cuyo estilo ha sido etiquetado por algunos críticos como Hardcore Techno, término que pretende denominar al sonido que combina bases electrónicas con enérgicas voces, propias de géneros como el Hardcore o el Punk.

Fue Howlett quien en 1990 dió vida a The Prodigy en Essex, Inglaterra, cuyo homenaje rinde tributo al sintetizador Moog Prodigy. En un principio, Howlett estuvo acompañado por Keith Flint y Leeroy Thornhill, con quienes realizó la primera presentación en vivo de The Prodigy en un local de Londres llamado "Four Aces". En Febrero de 1991, editaron su primer EP, "What Evil Lurks", con XL Recordings, que fue el mismo sello que publicó su álbum debut en Setiembre de 1992, titulado "Experience", el mismo que obtuvo un Disco de Platino en el Reino Unido, colocándose en la posición #12 del UK Albums Chart.

"Music For The Jilted Generation" (XL Recordings, 1994) fue su segundo disco, producido por Howlett y Neil McLellan, que debutó a la cabeza de los charts británicos, con buenos temas como "Voodoo people" o "Poison". Sin embargo, el reconocimiento mundial para The Prodigy llegaría con su tercer álbum, "The Fat Of The Land" (XL Recordings/Maverick Records, 1997), en el que participaron como músicos invitados Matt Cameron (baterista de Soundgarden y Pearl Jam), Crispian Mills (vocalista y guitarrista de Kula Shaker) y Tom Morello (guitarrista de Rage Against the Machine). Este trabajo fue #1 en los charts del Reino Unido, Australia, Austria, Canadá, Japón, Noruega, Suecia, Nueva Zelanda y los Estados Unidos, gracias a excelentes composiciones como "Firestarter", "Smack my bitch up" o la genial "Breathe", que compartimos en este post, y que también fue #1 en varios países, cuyo vídeoclip, con una fotografía de primera, fue dirigido por el inglés Walter Stern.

La discografía en estudio de The Prodigy se completa hasta la fecha con "Always Outnumbered, Never Outgunned" (XL Recordings, 2004) y "Invaders Must Die" (Take Me to the Hospital Records, 2009), que nuevamente lideraron el UK Albums Chart. En Mayo de 2011, este grupo ha editado su primer disco en vivo, llamado "World's On Fire", disponible además en los formatos de DVD y Blu-Ray.

DUM DUM GIRLS - Bedroom eyes (2011)

Combinando el Indie, Garage y Alternative Rock, la guitarrista y cantante Kristen Gundred, cuyo alias artístico es Dee Dee Penny, fundó en 2008 a Dum Dum Girls en Los Angeles, California, tomando como referencia para dicho nombre un álbum de The Vaselines (llamado "Dum Dum") y una canción de Iggy Pop ("Dum Dum Boys").

Curiosamente, los antecedentes musicales previos de Dee Dee se hallaron en un trío llamado Grand Ole Party, en donde se desempeñó como baterista y vocalista, acompañada de Michael Krechnyak (bajo) y John Paul Labno (guitarra). Tras decidir crear Dum Dum Girls, Dee Dee reclutó a otras tres chicas para la banda: Jules (guitarra/coros), Bambi (bajo/coros) y Frankie Rose (batería/coros). En 2008, el cuarteto publicó un EP homónimo con el sello Zoo Music, con 5 canciones de las cuáles 4 fueron compuestas por Gundred, mientras que la otra, "Catholicked" era un cover de Patti Smith, una de las artistas que el grupo reconoce como una de sus mayores influencias.

Al siguiente año, a través de Captured Tracks, Dum Dum Girls lanzó otro EP llamado "Yours Alone", y en Marzo de 2010 editaron su primer álbum, que fue producido por Richard Gottehrer, titulado "I Will Be". Este disco fue publicado inicialmente por el sello HoZac Records, pero ese mismo año, la banda firmó contrato con Sub Pop Records, con quienes reeditó el álbum. Resaltan en este trabajo canciones como "Bhang bhang, I'm a burnout", "Jail la la", "Blank girl" o "Rest of our lives".

El tercer EP de las Dum Dum Girls fue "He Gets Me High", publicado en Marzo de 2011 por Sub Pop Records, en el que se incluye un cover de "There is a light that never goes out", uno de los clásicos de los ingleses The Smiths. Para Setiembre de ese año, vió la luz el segundo disco del cuarteto, "Only In Dreams", ya con Sandy Vu como baterista, en reemplazo de Frankie Rose. Este disco fue nuevamente producido por Richard Gottehrer, junto a Sune Rose Wagner. La canción que más nos ha gustado de este disco, que ha recibido muy buenas críticas en medios como Spin, Pitchfork Media o The New York Times, ha sido "Bedroom eyes", que los invitamos a escuchar a continuación y que nos hace recordar a The Wonders en la película "That Thing You Do!". Para saber más de este buen grupo, pueden visitar su página web oficial (http://wearedumdumgirls.com/).

SARAYA - Love has taken its toll (1989)

Para comenzar con buen ánimo la semana, recordamos hoy a una excelente banda de Hard Rock y Glam Metal: Saraya.

Este grupo fundado en New Jersey en 1987 tomó su nombre aprovechando el apellido de su vocalista, Sandi Saraya, quien anteriormente integró otra agrupación llamada Alsace Lorraine, junto al tecladista Gregg Munier. Tras mudarse por unos meses a Los Angeles, y volver luego a New Jersey, ambos decidieron renombrar a la banda como Saraya, convocando al guitarrista Tony "Bruno" Rey (ex-miembro de Danger Danger), al bajista Gary Taylor y al baterista Chuck Bonfante.

Con esta alineación, el grupo editó en 1989 su primer álbum, titulado simplemente "Saraya", con Polydor Records. Este disco colocó a Sandi Saraya como una de las más populares frontwoman de finales de aquella década, gracias a buenas canciones como "Back to the bullet" (que llegó al puesto #63 del Billboard 100), "Drop the bomb" y "Love has taken its toll", unos de sus temas más conocidos, que ascendió hasta la ubicación #64 del Billboard 100. También en 1989, Saraya incluyó un tema inédito, "Timeless love", en el soundtrack de la película de terror "Shocker", dirigida por Wes Craven, en donde participaron además otros artistas como Dangerous Toys, Megadeth e Iggy Pop.

Tras reemplazar al bajista Gary Taylor por Barry Dunaway (quien previamente había formado parte de la banda de Yngwie Malmsteen), Saraya publicó en 1991, siempre con Polydor, su segundo disco, llamado "When The Blackbird Sings...", que estuvo conformado por 11 temas, entre los que se encontraban "Tear down the wall", "In the shade of the sun", "When you see me again" y "Queen of Sheba". Debido a su inconformidad con la onda más guitarrera que había tomado el grupo en este nuevo disco, el tecladista fundador Gregg Munier (quien falleció en Febrero de 2006 por una neumonía) decidió alejarse de la formación, siendo reemplazado por el guitarrista John Riggio.

Sin embargo, el grupo no pudo superar la ida de Munier, poniendo punto final a su historia a fines de 1991. En Octubre de 2010, Sandi Saraya estuvo a punto de revivir al grupo para presentarse en el Firefest Music Festival del Reino Unido, pero debido a diferencias entre la cantante y la organización de dicho festival, esta reaparición no llegó a concretarse.

SIXPENCE NONE THE RICHER - Breathe your name (2002)

Tomando su nombre de un pasaje del libro "Mere Christianity", escrito por el irlandés Clive Staples Lewis en 1952, Sixpence None the Richer se formó como banda en 1992 en New Braunfels, Texas. Su alineación original estuvo conformada por Leigh Nash (voz), Matt Slocum (guitarra/cello), T.J. Behring (bajo) y Brad Arnold (batería). Ese mismo año, el grupo lanzó "The Original Demos", trabajo que contenía sus primeros temas, que luego dieron pie a su disco debut, "The Fatherless And The Widow" (R.E.X. Records, 1994), que fue producido por Armand John Petri, con un estilo que combinaba el Pop y el Indie Rock.

Sus siguientes producciones discográficas fueron "This Beautiful Mess" (R.E.X. Records, 1995), "Sixpence None The Richer" (Squint Entertainment, 1997), que los colocó en el #1 del U.S. Heatseekers de la Billboard con temas como "Kiss me" y "There she goes" (un cover de The La's), "Divine Discontent" (Reprise Records/Squint Entertainment, 2002) y "The Dawn Of Grace" (Nettwerk, 2008). El eje central del grupo ha estado conformado siempre por Matt Slocum y Leigh Nash, quienes en 2004 pusieron en pausa a Sixpence None the Richer. Slocum formó entonces otro grupo llamado Astronaut Pushers, mientras que Nash lanzó un disco como solista, llamado "Blue On Blue", en 2005.

Dicha pausa terminó en Noviembre de 2007, con Nash y Slocum retomando el liderazgo del grupo, al que se sumó el bajista Justin Cary, quienes en 2008 publicaron el EP "My Dear Machine", a través de NoiseTrade. Un año más tarde, la banda firmó un nuevo contrato con el sello Credential Recordings, con quienes esperan lanzar un nuevo disco en 2012, cuyo título tentativo sería "Strange Conversation".

La canción que les traemos a continuación, "Breathe your name", pertenece al disco "Divine Discontent", que fue producido por Rob Cavallo, Paul Fox y Ron Aniello, en donde también resalta su versión de "Don't dream it's over", canción cuya versión original pertenece al primer disco de los australianos Crowded House.

ALESTE - Hay un límite (1993)

Aleste fue una banda proveniente de Santiago, Chile, que se hizo popular en la década de los 90's en varios países de Latinoamérica, gracias a "Hay un límite", su canción más conocida, que recordamos hoy en el blog.

Tras fundarse en 1993, el grupo estuvo conformado por Rodrigo Espinoza (voz), Alfredo Alonso (guitarra/coros), Ricardo Vivanco (bajo), Juan Pablo Nieto (teclados) y Lito Zerené (batería). Su música tenía una marcada onda Pop, con rasgos de Hard Rock. Antes de integrarse a Aleste, Alfredo Alonso había integrado otra agrupación llamada Diva, en la que participó también Alfredo Lewin, recordado vídeojockey de la señal latina de MTV. Por su parte, Lito Zerené había sido anteriormente baterista de Valija Diplomática.

En 1993, a través del sello Polygram Chile, Aleste editó su disco debut, que llevó el nombre de la banda, cuyos sencillos de promoción fueron "Nadie como yo", "Tiempo blanco", "Como la primera vez", y la ya mencionada "Hay un límite". Dos años después, y gracias a su participación en el Festival de Viña del Mar de ese año, el vocalista Rodrigo Espinoza (quien físicamente nos recuerda a Nuno Bettencourt, guitarrista de Extreme) comenzó un romance con la cantante mexicana Yuri, a quien conoció en dicho festival. Cuando estaban a punto de comenzar las grabaciones de su segundo álbum, Espinoza decidió mudarse a México con Yuri, quien se convirtió en su esposa meses después, dejando a Aleste sin cantante.

Fue entonces que Alfredo Alonso tomó el puesto de vocalista, y poco después, el bajista Ricardo Vivanco se separó también de la banda, dejando a Aleste como un trío. Así, con la producción del argentino Mario Breuer, grabaron su segundo disco, "Aleste Del Cielo Está El Paraíso" a fines de 1995, que no tuvo el éxito de su predecesor, por lo que el grupo puso fin a su carrera en 1996. A mediados de 2010, Alonso, Nieto, Zerené y Espinoza se reunieron para un único concierto de Aleste, que se realizó en el Teatro Teletón de Santiago.

SUBWAY ELEPHANT - Morning day (2011)

Subway Elephant es otra grata aparición en el horizonte del Indie Rock peruano, que este año nos ha presentado varias bandas de muy buen nivel. Formado en Lima en 2010, este grupo está integrado por Álvaro Revolledo (voz/guitarra), David Soriano (bajo), Carlo Aldaz (guitarra) y Michael Euribe (batería), con influencias sonoras del Post-Punk y New Wave de los 80's, en donde sobresalen los arreglos de guitarras y bajo.

Tras haber realizado presentaciones en vivo desde finales de 2010, Subway Elephant acaba de lanzar hace poco de manera independiente su carta de presentación oficial, un EP homónimo que ha sido producido por Gustavo "Tweety" Neyra, quien además ha colaborado en esta producción encargándose de los teclados. Los 3 temas que conforman el EP "Subway Elephant" son: "Morning day", "Start again" y "Just one more night". En todos ellos, se nota un buen trabajo de producción, que se refleja en los arreglos musicales y las acertadas melodías vocales de Revolledo, interpretadas en inglés.

Según declara la propia banda en su perfil de Facebook, su nombre pretende unir el aspecto emocional de sus composiciones con las vivencias cotidianas de sus integrantes. Definitivamente, este 2011 termina en el Perú con una refrescante bocanada de aire fresco en cuanto a propuestas musicales, bien representadas por grupos como Redhouse, The Voiders (anteriormente llamados Glam), Factory Shadows (de quienes hablaremos en una próxima publicación) y Subway Elephant.

Los invitamos pues a conocer a esta interesante banda limeña, de quienes esperamos ansiosos prontas novedades. Que tengan un buen fin de semana!

THE B-52'S - Deadbeat club (1989)

The B-52's es una de esas bandas que han logrado cautivar a varias generaciones con sus buenas canciones. Este grupo estadounidense se formó en Athens, Georgia, y en un principio fue un quinteto integrado por Fred Schneider (voz/cencerro), Kate Pierson (voz/teclados), Cindy Wilson (voz/pandereta/bongó), su hermano Ricky Wilson (guitarra) y Keith Strickland (batería). Una de las principales características del sonido de The B-52's ha sido siempre la parte vocal, en donde las voces de Schneider, Pierson y Wilson se conjugan de manera espectacular.

La discografía del grupo comprende 10 álbumes de estudio. El primero de ellos fue "The B-52's" (Warner Bros. Records, 1979), mientras que el más reciente ha sido "Funplex" (Astralwerks, 2008). Cabe recordar también que en 1985, durante el proceso de grabación de su quinta placa discográfica, "Bouncing Off The Satellites", el guitarrista Ricky Wilson falleció víctima de VIH, condición que había mantenido en secreto, sin que el resto de sus compañeros de banda, incluída su hermana Cindy, supieran de su enfermedad. Tras un período de incertidumbre, debido a la repentina muerte de Wilson, que sorprendió a todos en la banda, The B-52's decidió seguir adelante, por lo que Keith Strickland decidió dejar la batería para encargarse de las guitarras.

El primer trabajo sin Ricky Wilson fue "Cosmic Thing", disco que fue editado en Junio de 1989 por Reprise Records, con la producción de Nile Rodgers y Don Was. Este trabajo alcanzó el Top 10 en Estados Unidos (donde consiguió Cuádruple Disco de Platino), el Reino Unido y Australia. Sus temas más destacados fueron "Love shack", "Roam", "Channel Z" y "Deadbeat club".

Es justamente ésta última canción, que se ubicó en el puesto #30 del Billboard Hot 100, la que recordamos en este post, cuyo nombre recuerda el apodo (deadbeats) que varios de sus padres les pusieron en sus épocas juveniles, cuando aún no trabajaban y solo se reunían para pasear por su ciudad natal. En este vídeoclip aparece Michael Stipe, frontman de los ya desaparecidos R.E.M., banda que también es oriunda de la ciudad de Athens.

CAMOUFLAGE - Suspicious love (1993)

"Bodega Bohemia" (Metronome Records, 1993) fue el cuarto disco oficial de Camouflage, esta interesante banda de Synth-Pop alemana, de la que ya hemos hablado en un post anterior, que pueden leer aquí. Este álbum sería el segundo del grupo como dúo, tras el alejamiento en 1990 de uno de sus fundadores, Oliver Kreyssig, quien dejó a Heiko Maile y Marcus Meyn al frente de la banda.

En 1992, Maile y Meyn, oriundos de la localidad de Bietigheim-Bissingen, decidieron reubicarse en Hamburgo, y en paralelo a su trabajo con Camouflage, editaron ese mismo año un disco bajo el nombre de Areu Areu, que incluyó varios covers de otros artistas como The Beatles ("Day tripper), Fad Gadget ("Ricky's hand"), Heaven 17 ("I'm your money"), The Cure ("Cold") y Depeche Mode ("Tora tora tora"), así como dos temas propios ("Mr. X" y "Modern technology").

"Suspicious love", canción que posteamos hoy, fue el primer single de promoción del disco "Bodega Bohemia", que fue producido por Dan Lacksman y Heiko Maile, y que curiosamente solo fue editado en Alemania, por problemas entre la banda y su casa discográfica de entonces. Los otros sencillos de ese álbum, conformado en total por 9 canciones, fueron "Close (We stroke the flames)" y "Jealousy".

Aún nos quedan varios temas pendientes de este buen grupo, que serán motivo de otros posts en próximas oportunidades. Mientras tanto, los invitamos a disfrutar de esta pegajosa canción.

THE WHITE STRIPES - Seven nation army (2003)

Jack White (voz/guitarra/teclados) y Meg White (batería/voz) son la dupla creativa que en 1997 dió origen, en la ciudad de Detroit, Michigan, a The White Stripes, un proyecto musical que abarca diversos géneros musicales como el Alternative Rock, Punk, Blues y Garage Rock.

Megan "Meg" Martha White nació en Detroit el 10 de Diciembre de 1974, mientras que John Anthony Gillis, nombre de pila de Jack White, lo hizo en la misma ciudad el 9 de Julio de 1975. La trayectoria musical de Jack, considerado por la prestigiosa revista musical Rolling Stone en el puesto #17 de su ranking de los Mejores 100 Guitarristas de todos los tiempos, se inició curiosamente como baterista en los 90's, al integrar una banda de Punk llamada Goober & the Peas. Posteriormente, también formó parte de otros grupos como The Go y Two-Star Tabernacle.

Jack y Meg están casados desde Setiembre de 1996, momento desde el cuál ella empezó a utilizar el apellido White. Tras decidir fundar The White Stripes, realizaron su primera presentación en vivo en Julio de 1997 en un local de su ciudad natal llamado Gold Dollar. El grupo ha editado en total 6 álbumes de estudio entre 1999 y 2007, además de un EP y un par de discos en vivo. El pasado 2 de Febrero de 2011, anunciaron de forma oficial su decisión de poner punto final a la trayectoria de la banda. Cabe mencionar también que en 2005, Jack White fundó otro grupo llamado The Raconteurs, mientras que en 2009 hizo lo propio con The Dead Weather, agrupación en la que participa como baterista. Su peculiar y reconocido estilo de ejecución de la guitarra lo llevó en 2008 a ser invitado a participar del excelente e imperdible documental "It Might Get Loud", dirigido por Davis Guggenheim, junto a otros dos grandes guitarristas e íconos del Rock como The Edge (U2) y Jimmy Page (Led Zeppelin).

"Elephant" fue el cuarto disco de The White Stripes, publicado por V2 Records en 2003 y producido por el propio Jack White, cuyo éxito fue tal que ese año se hicieron acreedores de un Grammy Award por Mejor Disco de Música Alternativa. Este álbum lideró los charts en Holanda, Irlanda, Noruega, Suecia y el Reino Unido, ocupando la casilla #6 en el Billboard 200 de los Estados Unidos. La canción que escogimos hoy, "Seven nation army", es la que abre este disco, además de haber sido el primer single de promoción, ganando en 2004 otro Grammy Award como Mejor Canción de Rock, y liderando el Modern Rock Tracks Chart de la Billboard.

El vídeoclip de esta gran canción, que fue dirigido por Alex Courtes y Martin Fougerol, sobresale por su propuesta visual, con un interesante trabajo de animación digital en donde destacan los colores rojo, blanco y negro, que siempre caracterizaron la estética de este gran dúo. En lo que respecta al sonido, lo más resaltante es el elaborado trabajo de producción, que le da un matiz único, a pesar de ser interpretado en la parte instrumental únicamente por batería y guitarra.

HEART - Alone (1987)

Como solemos hacer los días domingo, les traemos hoy otra excelente Power Ballad de los 80's, ya considerada como un clásico del Hard Rock, a cargo de las hermanas Ann y Nancy Wilson, cabezas inconfundibles de esta gran agrupación norteamericana: Heart.

Los antecedentes de Heart se hallan en dos grupos previos: The Army, fundado en 1967 por Don Wilhelm (voz/guitarra), Steve Fossen (bajo), Roger Fisher (guitarra) y Ray Schaefer (batería), que en 1969, tras varios cambios en su alineación, se convirtió en White Heart. Cuando en 1972, Ann Wilson hizo su ingreso al grupo, éste volvió a cambiar de nombre, eligiendo el de Hocus Pocus. Ese mismo año, Ann Wilson comenzó una relación sentimental con Mike Fisher, hermano de Roger, con quien se mudó a Canadá, siendo seguidos por Steve Fossen y Roger Fisher, dando vida a Heart en la ciudad de Vancouver. Nancy Wilson se uniría a la banda en 1974, y para entonces, Mike Fisher ya había dejado la agrupación, a la que también se sumaron John Hannah en teclados y Brian Johnstone en batería.

En total, han sido 13 los discos de estudio que ha editado Heart hasta el día de hoy: "Dreamboat Annie" (1976), "Little Queen" (1977), "Magazine" (1978), "Dog And Butterfly" (1978), "Bebe Le Strange" (1980), "Private Audition" (1982), "Passionworks" (1983), "Heart" (1985), "Bad Animals" (1987), "Brigade" (1990), "Desire Walks On" (1993), "Jupiters Darling" (2004) y "Red Velvet Car" (2010).

La canción "Alone", escrita por Billy Steinberg y Tom Kelly, pertenece al disco "Bad Animals", producido por Ron Nevison y publicado por Capitol Records. En ese momento, 1987, la alineación de Heart, además de las hermanas Wilson, incluía a Howard Leese (guitarra/teclados/coros), Mark Andes (bajo) y Denny Carmassi (batería). Este tema fue #1 en el Billboard's Hot 100 Chart, el Canadian Adult Contemporary Chart y el Canadian Singles Chart. En 2007, la conocida cantante canadiense Céline Dion grabó un cover de esta canción en su álbum "Taking Chances".

REDHOUSE - The closure (2011)

Redhouse es otra banda peruana que hace su aparición en la escena rockera. El grupo se formó en 2003 bajo el nombre inicial de Inmodium, cuando los mellizos Rodrigo (guitarra) y Diego Álvarez (bajo) decidieron convocar a Rodolfo Lozano (batería) para empezar a hacer música juntos. Poco tiempo después, se sumó a la formación Lajos Kossuth (voz/guitarra). El nombre del grupo, cuyo estilo musical se emparenta con bandas americanas de Alternative Rock como Nickelback, fue tomado de una canción de Nirvana.

Ya en 2004, grabaron un primer demo de 6 canciones, en el que sobresalió el tema "Sorrow", que refleja la tendencia del grupo a componer sus letras en inglés. Al año siguiente, y tras la buena recepción obtenida con su demo, este grupo comenzó a trabajar en lo que sería su primer EP, contando con la colaboración de Percy Cárdenas (guitarrista de los también peruanos Space Bee) y del productor musical Andrés Bretel, quién además fue el responsable de la mezcla y masterización del mismo. Fue en esta época en que los miembros de este cuarteto de Lima, Perú, decidieron cambiar de nombre, eligiendo el de Redhouse.

Tras realizar presentaciones entre 2005 y 2008, Redhouse inició en 2009, nuevamente con Andrés Bretel en la producción, junto al también Productor e Ingeniero de Sonido Mario Melgar, a darle forma a su primera producción discográfica, titulada "Blame The Flying Monkeys", compuesta por 12 temas, que ha sido presentada oficialmente este 2011.

Sin duda, Redhouse es una banda que vale la pena conocer y escuchar, sobre todo por su bien elaborada propuesta musical que no tiene nada que envidiar a otras agrupaciones de este estilo. Si quieren conocer más de ellos, y estar al tanto de sus novedades y futuras presentaciones, pueden seguirlos a través de su website oficial o en su perfil de Facebook. Los dejamos a continuación con "The closure", una de las mejores canciones del primer disco de estos peruanos.

MALDITA VECINDAD Y LOS HIJOS DEL QUINTO PATIO - Un gran circo (1991)

Para nadie es un secreto que la realidad social de los países de Latinoamérica es muy similar. Es por eso que, a veces, la temática tratada por algunas bandas es fácilmente aplicable a otros lugares de la región. Un claro ejemplo de esto sucede con Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio, agrupación fundada en 1985 en la Ciudad de México, cuyas letras han estado siempre enfocadas en la realidad política, económica y social de aquel país, pero que como ya dijimos, grafica perfectamente la situación en muchos otros lugares.

"La Maldita" como se le conoce también en México, nació como un septeto, conformado por Roco (voz), Aldo Acuña (bajo), Pato (guitarra), Tiki (guitarra), Sax (metales/guitarra), Lobito (percusión) y José Luis Paredes "Pacho" (batería). Su música es un crisol que combina al Rock, Pop, Ska, Reggae, Punk, Danzón y Bolero, como una buena muestra de la pluriculturalidad presente en toda Latinoamérica. A lo largo de su importante trayectoria, que los ha llevado a ser considerados como referentes del Rock Mexicano, Maldita Vecindad ha editado 5 álbumes de estudio. Su primer disco homónimo fue publicado en 1989 por RCA International, al que siguieron "El Circo" (Sony Latin, 1991), "Baile De Máscaras" (RCA, 1996), "Mostros" (RCA, 1998) y "Circular Colectivo" (Nacional Records, 2010), a parte de 5 discos recopilatorios.

"El Circo" es uno de sus mejores discos, con más de 800,000 copias vendidas al poco tiempo de ser lanzado, lo que los consolidó como una de las bandas mexicanas más importantes de aquella época. A lo largo de sus 10 canciones, la Maldita retrata de forma muy directa la realidad mexicana de entonces, a través de grandes canciones como "Pachuco", "Solín", "Un poco de sangre", "Kumbala", "Pata de perro" o "Crudelia". Nuestra preferida es "Un gran circo", con ese sabor tan auténticamente latino y una letra que bien podría ser un tratado sobre la vida cotidiana de Latinoamérica.

Este año, los miembros de Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio anunciaron repentinamente una pausa en su trabajo, cancelando varios shows, entre los cuáles se encontraba un festejo especial por sus 25 años de carrera, lo que ha generado fuertes rumores de una posible disolución de la banda.

THE AXIS OF AWESOME - 4 chords (2007)

Jordan Raskopoulos (voz), Lee Naimo (voz/guitarra) y Benny Davis (teclados/voz) son los integrantes de The Axis of Awesome, una divertida banda de Sydney, Australia, que se caracteriza por hacer actos de comedia con tintes musicales. Este trío se formó en 2006, y desde entonces han editado 3 álbumes: "Scissors, Paper, Rock!" (2007), "Infinity Rock Explosion!" (2010) y "Animal Vehicle" (2011).

Hoy les traemos la canción "4 chords", un divertido tema que hace referencia a una serie de canciones conocidas que tienen como vínculo común el usar la misma progresión de 4 acordes (de ahí el título). Dicha progresión de acordes (E-B-C#m-A) se ajusta al llamado Sistema Temperado, que es el sistema de afinación más utilizado en la música occidental, en el cuál, cada Octava (distancia numérica entre la frecuencia de cualquier nota y su doble o mitad) es dividida en 12 segmentos iguales denominados Semitonos, cuya razón numérica es igual a la raíz doceava de 2. Por ejemplo, si tomamos la nota Do (C), y la multiplicamos por la raíz doceava de 2 (igual a 1,059 aproximadamente), obtendremos la frecuencia de la nota Do Sostenido (C#), y si multiplicamos la frecuencia de ésta por el mismo factor, obtenemos la frecuencia del semitono siguiente, Re (D).

Volviendo a "4 chords", perteneciente al primer disco de estos australianos, vale la pena aclarar que algunas de las canciones incluídas en este tema están deliberadamente reafinadas a la secuencia de acordes utilizado (I-V-VIm-IV). Éste es un excelente ejemplo de que la música que estamos acostumbrados a escuchar desde hace décadas, está basada en las mismas 12 notas y sus diferentes combinaciones, por lo que todas las canciones y sus secuencias de acordes son hartos conocidas y han sido empleadas en infinidad de composiciones de todos los géneros.

Los invitamos pues a disfrutar de esta ingeniosa demostración, en la que además podrán apreciar los nombres e intérpretes de cada uno de los temas utilizados, algunos más conocidos que otros.

THE ALAN PARSONS PROJECT - Eye in the sky (1982)

Muchos Ingenieros de Sonido se conformarían tan solo con tener en su palmarés trabajos de la importancia del "Abbey Road" de The Beatles o "The Dark Side Of The Moon" de Pink Floyd, considerados entre los mejores álbumes de la historia del Rock. Pero hay algunos seres destacados, como el gran Alan Parsons (de quien nos confesamos admiradores en lo musical y profesional), que a pesar de esos éxitos innegables, tuvieron la ambición de ir más allá. Es por ello que hoy, feriado por estas latitudes, queremos reseñar su trayectoria al frente de este gran grupo, existente entre 1975 y 1990: The Alan Parsons Project.

La dupla creativa al frente de esta excelente agrupación de Progressive/Pop Rock, estuvo conformada por el ya mencionado Alan Parsons (nacido en Londres, Inglaterra, en 1948) y por Eric Woolfson (nacido en Glasgow, Escocia, en 1945). Tras conocerse en 1974, Woolfson comenzó a trabajar como manager de Parsons hasta que, un año después, decidieron dar vida a The Alan Parsons Project, editando 10 álbumes en estudio entre 1976 y 1987. El primero de ellos se llamó "Tales Of Mystery And Imagination", lanzado por Charisma Records, y el último, "Gaudi", publicado por Arista Records.

Hoy nos enfocamos en el disco "Eye In The Sky" (Arista Records, 1982), que fue producido por el propio Alan Parsons, y grabado en los míticos Abbey Road Studios, que es prácticamente su segunda casa hasta hoy. Usualmente, Parsons y Woolfson convocaban para cada una de sus producciones a un grupo de músicos invitados de primerísimo nivel. En el caso de este disco, en el que ambos compartieron las funciones de tecladistas y cantantes, contaron con el apoyo de otros vocalistas como Chris Rainbow, Lenny Zacatek, y Elmer Gantry, además de The English Chorale (coros), David Patton (guitarras/bajo/voz), Ian Bairnson (guitarras), Mel Collins (saxofón) y Stuart Elliot (batería/percusión).

La balada que dió nombre al álbum, "Eye in the sky", interpretada por Woolfson, fue el mayor éxito de The Alan Parsons Project, alcanzando el lugar #3 en el Adult Contemporary Singles Chart de la revista estadounidense Billboard. La letra del tema hace referencia a la conocida novela "Nineteen Eighty-Four", escrita por George Orwell en 1949. Por otro lado, se dice también que el nombre se debe a la afición de Eric Woolfson por los casinos, quien se sentía curiosidad por las cámaras de seguridad ubicadas en los techos de estas instalaciones, por lo que decidió ese nombre (que se traduce lideralmente al español como "Ojo en el cielo").