ALASKA Y DINARAMA - Isis (1984)

Madrid, España, 1982. Se disuelve Alaska y los Pegamoides, banda integrada por la mexicana Olvido Gara Jova (conocida por su nombre artístico, Alaska), y los españoles Ana Isabel Fernández (aka Ana Curra), Ignacio "Nacho" Canut, Eduardo Benavente y Toti Árboles. Poco después, Canut se úne a Carlos Berlanga (quien también había sido miembro de los Pegamoides entre 1979 y 1980), en un proyecto musical al que llaman Dinarama. Alaska se incorporaría al poco tiempo, por lo que el trío queda rebautizado inicialmente como Dinarama + Alaska, para después modificar su nombre por el de Alaska y Dinarama.

Su primer álbum fue "Canciones Profanas", editado por el sello Hispavox en 1983, cuyos singles promocionales fueron "Crisis", "Perlas ensangrentadas", "Deja de bailar" y "Rey del glam". Al año siguiente, Alaska y Dinarama publicó su segundo disco, "Deseo Carnal", de nuevo con Hispavox, que alcanza el #1 en los rankings españoles, gracias a excelentes canciones como "Ni tú ni nadie" o "¿Cómo pudiste hacerme esto a mí?", hoy considerados himnos de la llamada Movida Madrileña. A nosotros nos gusta mucho en este disco "Isis", que no fue un tema muy popular, pero que siempre ha estado entre nuestros preferidos del grupo. En este post pueden ver un vídeo de este tema, extraído de la presentación de la banda en el programa La Bola de Cristal, emitido por Televisión Española (TVE).

La trayectoria de Alaska y Dinarama continuó con "No Es Pecado" (Hispavox, 1986), en donde se encuentra otro de sus éxitos más recordados: "A quién le importa", canción que por su letra ha sido tomada como emblema por la comunidad gay en toda Latinoamérica. Los demás sencillos de este disco fueron "La funcionaria asesina", "Un millón de hormigas" y "Sólo creo lo que veo". Su siguiente producción, "Diez" (Hispavox, 1987), fue un disco compilatorio en donde se incluyeron dos temas inéditos.

El último álbum editado por el grupo fue "Fan Fatal" en 1989, influenciado por géneros musicales como el Acid House y el Hip-Hop. Su primer single fue "Mi novio es un zombie" (cover de Los Vegetales, banda formada en paralelo por Nacho Canut), seguido por "Descongélate" y "Quiero ser santa". En esta época, la relación entre Carlos Berlanga y Nacho Canut se vuelve muy tensa, por lo que el trío decide ponerle punto final al grupo. Tras su separación, Canut y Alaska fundaron otro proyecto llamado Fangoria, mientras que Carlos Berlanga inició una carrera como solista. Pero esa ya es otra historia.

POST ESPECIAL #11 - Gustavo Cerati

Hace exactamente un año, el 15 de Mayo de 2010, tras hacer una presentación en Caracas, Venezuela, como parte de la gira de promoción de su último disco, "Fuerza Natural", el guitarrista, cantante, productor y compositor argentino Gustavo Adrián Cerati Clark (nacido en Buenos Aires el 11 de Agosto de 1959), sufrió un accidente cerebrovascular que lo ha mantenido en estado de coma desde entonces. Hoy en el blog, queremos recordar su trayectoria como solista (que empezó mientras aún encabezaba a Soda Stereo), con estas canciones que nos han acompañado en diferentes etapas de la vida, a las que sumamos nuestros mejores deseos de una pronta mejoría. Fuerza Cerati!

1) AMOR AMARILLO - Te llevo para que me lleves (1993)

Mientras aún formaba parte de Soda Stereo, Gustavo Cerati editó su primer disco como solista en 1993, llamado "Amor Amarillo", que fue co-producido junto a Héctor "Zeta" Bosio. En este disco se incluyó este excelente tema, en el que participó en los coros su entonces esposa, la actriz y modelo chilena Cecilia Amenábar, de la que Cerati se divorciaría en 2002. En este vídeo aparece Amenábar, embarazada entonces de Benito, primer hijo de la pareja (más adelante, tendrían otra hija llamada Lisa).

2) BOCANADA - Puente (1999)

"Bocanada" (BMG International, 1999) fue el segundo álbum solista de Cerati, publicado tras la (primera) separación de Soda Stereo en 1997. Esta canción fue el segundo single del disco, nominada a un Latin Grammy como Mejor Canción de Rock. En este vídeoclip, Cerati conduce un vehículo futurista al cuál suben diferentes personajes, entre los que se puede apreciar a los músicos Flavio Etcheto y Leo García, amigos y colaboradores constantes del músico. El vídeo fue también nominado al Premio Carlos Gardel (el Grammy argentino) como Mejor Vídeoclip.

3) SIEMPRE ES HOY - Artefacto (2002)

En 2002, Cerati editó "Siempre Es Hoy", su tercera placa discográfica solista, a través del sello Sony International. En este disco colaboraron Flavio Etcheto (guitarra/samplers/trompeta/secuencias), Leandro Fresco (teclados/coros), Fernando Nalé (bajo), Javier Zuker (scratches/loops) y Pedro Moscuzza (batería/percusión). En el vídeo se aprecia una versión en vivo de esta canción, durante la gira de promoción del disco. Otras canciones que nos gustan mucho de este trabajo son "Cosas imposibles", "Karaoke", "Casa", "Camuflaje" y "Tu cicatriz en mí".

4) AHÍ VAMOS - La excepción (2006)

Nuevamente a través de Sony International, Gustavo Cerati presentó en 2006 "Ahí vamos", su cuarto disco en solitario, que obtuvo Disco de Platino en Argentina y Disco de Oro en México. El primer single del disco fue "Crimen", que ganó el Latin Grammy a Mejor Canción de Rock. "La excepción", cuyo vídeo pueden ver a continuación, fue el segundo sencillo del álbum, cuya gira de promoción incluyó dos conciertos en el Perú, en la ciudades de Lima (al que pudimos asistir) y Arequipa, realizados en Setiembre de 2009. Les recomendamos también de este álbum otros tracks como "Caravana", "Lago en el cielo", "Jugo de luna" y "Bomba de tiempo".

5) FUERZA NATURAL - Rapto (2009)

"Fuerza Natural" (Sony Music Argentina, 2009) ha sido el quinto y último disco solista de Cerati. Fue producido por el propio artista junto a Héctor Castillo, siendo grabado y mezclado en Unísono, estudio de grabación de Cerati en Buenos Aires, Argentina. Gracias a este disco, volvío a hacerse acreedor a 3 Latin Grammys (Mejor Álbum Rock, Mejor Diseño de Portada y Mejor Canción por "Déjà vu"). Nuestra canción favorita de este disco es "Rapto", cuyo vídeo incluímos más abajo.

ALICE IN CHAINS - No excuses (1994)

Sábado en el blog, con un grupo de Alternative Rock y Grunge del que lamentablemente han fallecido ya dos de sus miembros originales, en ambos casos por sobredosis de drogas: el cantante Layne Staley (en Abril de 2002) y el bajista Michael "Mike" Starr (en Marzo de 2011): Alice in Chains.

En 1986, Layne Staley fundó en Seattle, Washington, tras su salida de Sleeze, una banda de Heavy Metal con el nombre de Alice N' Chains, junto a Nick Pollock (guitarra), Johnny Bacolas (bajo) y James Bergstrom (batería). Luego, tras conocer al guitarrista Jerry Cantrell, Layne pasó a formar parte de Diamond Lie (el grupo de Cantrell) que completaban Mike Starr (bajo) y Sean Kinney (batería). Diamond Lie sería la base de lo que en 1987 se convertiría oficialmente en Alice in Chains, que en 1988 grabó un demo llamado "The Treehouse Tapes", que motivó que la banda fuera firmada por el sello Columbia Records al año siguiente. "We Die Young" (1990) sería el profético nombre del primer EP del cuarteto, producido por Dave Jerden, que incluía además a los temas "It ain't like that" y "Killing yourself". En Agosto del mismo año, Alice in Chains publicaría su disco debut, "Facelift", con el mismo productor y el mismo sello, en donde resalta la canción "Man in the box", que llegó al puesto #18 del Mainstream Rock Tracks Chart de Billboard y fue nominado a un Grammy Award como Mejor Performance Hard Rock.

"Sap", fue el segundo EP de Alice in Chains, editado en Febrero de 1992, en el colaboraron Ann Wilson (vocalista de Heart), Mark Arm (cantante y guitarrista de Mudhoney) y Chris Cornell (por entonces líder de Soundgarden), lo que hizo que el grupo empezara a ser relacionado con la escena Grunge, lo que se consolidó con la participación del cuarteto en la película "Singles", dirigida por Cameron Crowe en 1992, en cuyo soundtrack se incluyó el tema "Would?" (que además ganó en 1993 un MTV Video Music Award a Mejor Vídeo de una Película). También en 1992, publicaron su segundo álbum, "Dirt", en donde están otros himnos de la banda como "Rooster" y "Down in a hole", que escaló hasta el #6 del Billboard 200 y recibió un cuádruple Disco de Platino por sus ventas. "Jar Of Flies" (Columbia, 1994) fue su tercer EP, en donde el bajista Mike Starr fue reemplazado por Mike Inez. A este EP, uno de los mejores trabajos del grupo, pertenecen los tracks "Nutshell", y "No excuses", cuyo vídeo incluímos en este post. "No excuses" fue #1 del Mainstream Rock Tracks Chart, y su letra, escrita por Jerry Cantrell, habla sobre su difícil relación personal con Layne Staley.

Alice in Chains publicaría otro disco más de estudio, "Alice in Chains" (Columbia, 1995), en donde está "Heaven beside", otro de los grandes temas de la banda, cantado por Jerry Cantrell, en donde se puede apreciar su excelente voz, lo que se reafirmó en 1996 cuando la banda realizó su memorable presentación para la serie MTV Unplugged, que fue plasmada en un disco que es de escucha obligatoria. A pesar de que la banda nunca anunció de forma oficial su separación, entró en pausa en 1996 tras la muerte de Demri Parrott, pareja de Layne Staley, tiempo en el que Cantrell publicó dos discos como solista ("Booty Depot" en 1998 y "Degradation Trip" en 2002). Como ya mencionamos, Layne Staley murió en 2002. No fue hasta 2005 que los 3 miembros restantes de Alice in Chains (Cantrell, Inez y Kinney) se volverían a juntar en los escenarios, para una serie de conciertos benéficos, hasta que en 2006 decidieron incorporar como nuevo vocalista a William DuVall, con quien han editado en 2009 "Black Gives Way To Blue", el más reciente disco de la banda, producido por Nick Raskulinecz para el sello Virgin Records, que ha tenido como singles a "A looking in view", "Check my brain" y "Your decision".

NAKED EYES - (What) In the name of love (1984)

Tras haberse superado un problema con Blogger, que impidió el acceso de millones de bloggers a sus cuentas de blogspot el día de ayer, y tras haber posteado más temprano el tema que teníamos preparado para ayer, hacemos lo propio con el post de hoy viernes, que viene con otro gran tema de Naked Eyes, un dúo de Synth-Pop y New Wave fundado en 1982 en Bath, Inglaterra, por Pete Byrne (voz) y Rob Fisher (teclados).

Previamente a la creación de Naked Eyes, Byrne y Fisher integraron a fines de los 70's una banda llamada Neon, junto a Neil Taylor, Manny Elias, Curt Smith y Roland Orzabal, que se separó en 1981. Luego de dicha ruptura, Smith y Orzabal formaron Tears for Fears. Tras firmar un contrato con EMI Records, Naked Eyes editó su álbum debut en 1983, llamado "Burning Bridges", que en los Estados Unidos y Canadá llevó el nombre de "Naked Eyes", producido por Tony Mansfield. En este disco se encuentran los primeros éxitos del dúo: "Always something there to remind me", "Promises, promises" y "When the lights go out". Al año siguiente, lanzaron su segunda producción, "Fuel For The Fire", con Arthur Blake y Tony Mansfield en la producción, a través de Parlophone Records y EMI America Records. La canción que origina nuestro post de hoy, "(What) In the name of love", alcanzó la posición #35 del US Dance Tracks Chart de la revista Billboard, aunque no ingresó a los charts en el Reino Unido. El otro sencillo del disco fue "Sacrifice", que tuvo poca atención de los medios y del público. Por ello, la historia de Naked Eyes llegó rápidamente a su fin, cuando Byrne y Fisher decidieron separarse en 1985.

Tras la ruptura, Pete Byrne se mudó a los Estados Unidos y continuó trabajando como músico de sesión, editando además un disco en solitario titulado "The Real Illusion" en 2001, mientras que Rob Fisher se unió en 1987 al cantante Simon Climie para formar otro dúo llamado Climie Fisher, recordado por la canción "Love changes (everything)" (que pueden escuchar aquí), publicado ese año como parte del disco "Everything". Rob Fisher falleció en Agosto de 1999, tras una intervención quirúrgica, cuando sólo tenía 42 años.

En 2005, Pete Byrne decidió reclutar a nuevos miembros para relanzar a Naked Eyes, publicando en 2007 un nuevo álbum con Oglio Records, llamado "Fumbling With The Covers" que, como su nombre lo indica, contenía covers de canciones de Bob Dylan, The Beatles y Elvis Costello, así como nuevas versiones de algunos temas antiguos de su época junto a Fisher. Según ha anunciado Byrne en la página web de Naked Eyes (www.nakedeyesmusic.com), en poco tiempo se estará publicando el más reciente disco de la banda, "Picadilly", del cuál se ha presentado como adelanto el tema "Ready", que tiene claras influencias de The Beatles. Estaremos atentos a la publicación de este trabajo.

BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB - Love burns (2001)

"Love burns" es un muy buen tema del primer disco de esta interesante banda de Alternative Rock fundada en 1998 en San Francisco, California, por Robert Levon Been (voz/bajo), Peter Hayes (voz/guitarra) y Nick Jago (batería), que en un inicio se llamó The Elements, y que hoy reseñamos en el blog: Black Rebel Motorcycle Club.

Su disco debut se llamó "B.R.M.C." (Virgin Records, 2001), con un sonido emparentado también con el Garage Rock, y que por momentos nos hace recordar a The Jesus and Mary Chain, que tuvo como singles a "Red eyes and tears", "Rifles", "Love burns" y "Spread your love", obteniendo en el Reino Unido un Disco de Oro por sus ventas. Cabe decir también que las canciones "Love burns" y "Whatever hapenned to my Rock and Roll" fueron incluídas en el exquisito soundtrack de la película "9 Songs", dirigida en 2004 por Michael Winterbottom. El segundo álbum de los BRMC fue "Take Them On, On Your Own" (Virgin Records, 2003), producido por ellos mismos, que también consiguió Disco de Oro en el Reino Unido, gracias a temas como "Stop", "Generation", "US government" o "We're all in love". En 2004 tras firmar su vínculo contractual con Virgin, el baterista Nick Jago dejó la banda, que en Agosto de 2005 publicó "Howl", su tercer disco de estudio, a través de RCA en los Estados Unidos y The Echo Label en Europa, con Peter Salisbury como nuevo baterista y el aporte en vivo del guitarrista Michael "Spike" Keating.

"Baby 81" (RCA/Island Records, 2007) fue su siguiente trabajo, que debutó en #46 del Billboard 200, teniendo como sencillos a "Weapon of choice" y "Berlin", además de marcar el regreso de Nick Jago a la batería, aunque se alejaría del grupo nuevamente en Junio de 2008, tras lo cuál ocupó esa posición Leah Shapiro. Le seguiría el disco "The Effects Of 333" (Abstract Dragon, 2008) y un CD/DVD en concierto titulado "Black Rebel Motorcycle Club Live", presentado a fines de 2009, con escenas de presentaciones de la banda en Berlín (Alemania), Dublín (Irlanda) y Glasgow (Escocia) durante la gira de promoción del álbum "Baby 81".

El sexto y más reciente álbum de estudio de BRMC es "Beat The Devil's Tattoo", editado en Marzo de 2010 en los Estados Unidos por los sellos Abstract Dragon y Vagrant Records, y por Cooperative Music Group en Europa, con Michael Been como productor, quien además era padre del bajista Robert Levon Been y había sido miembro de The Call. Trágicamente, mientras trabajaba como Ingeniero de Sonido en Vivo de BRMC, Michael Been falleció a la edad de 60 años el 19 de Agosto de 2010 de un ataque cardíaco, tras la presentación del grupo en el Pukkelpop Festival en Hasselt, Bélgica. Los Black Rebel Motorcycle Club siguen en actividad hasta el día de hoy.

WILD CHERRY - Play that funky music (1976)

Hoy estamos con ganas de escuchar algo de buen Funk. Y lo hacemos con este clásico de 1976, "Play that funky music", tema que fue #1 del Billboard Hot 100 y del Hot Soul Singles Chart, a cargo de la banda fundada en 1970 en la localidad de Steubenville,Ohio, por Robert "Rob" Parissi: Wild Cherry.

La formación original del grupo se completaba con Louie Osso (guitarra/coros), Larry Brown (bajo/coros), Larry Mader (teclados/coros) y Ben Difabbio (batería/coros). Con el trancurso del tiermpo, la banda sufriría muchos cambios en sus integrantes. Los primeros éxitos de Wild Cherry, "Get down", "Livin' & lovin'", "Show me your badge" y "Bring back the fire" fueron editados como singles entre 1972 y 1973. Fue recién en Marzo de 1976, a través de Epic Records, que lanzaron su álbum debut homónimo que, como ya dijimos, tuvo como punta de lanza a "Play that funky music", canción escrita por Rob Parissi. En ese entonces, los otros miembros del grupo eran Bryan Bassett en guitarra, Allen Wentz en el bajo y Ron Beitle en la batería, además de contar con una sección de vientos de metal conformada por Chuck Berginc, Jack Brndiar, Joe Eckett y Rick Singer.

En 1977 lanzaron su segunda producción, "Electrified Funk" de nuevo con Epic Records, con la inclusión de Mark Avsec en los teclados. De este disco se desprenden los temas "Baby don't you know", "Hot to trot" y "Hold on". Le seguiría "I Love My Music" (Epic Records, 1978), compuesto por 10 canciones entre las que están "It's the same old thing", "Don't stop, get off", "Fools fall in love" y "1 2 3 Kind of love". Su cuarto disco fue "Only The Wild Survive", editado en 1979, siempre con la misma compañía discográfica. Aquí recomendamos escuchar "Look at her dance", "Keep on playin' that funky music", "Try a piece of my love" o "Starlisght". Este disco sería el último de Wild Cherry, tras su disolución ese mismo año. Desde entonces, su líder fundador Rob Parissi se ha dedicado a trabajar como Productor Musical, dedicado principalmente a la música adulto-contemporánea.

"Play that funky music" es una canción obligatoria en la mayoría de compilatorios editados sobre el Funk, además de haber sido magistralmente interpretada también por el gran James Brown, por George Michael y por el rapero Vanilla Ice, quien fue denunciado en los 90's al no poder los créditos de Rob Parissi al publicar su cover de esta canción, por lo que Parissi recibió medio millón de dólares como compensación. Este tema también está incluído en el popular vídeojuego Guitar Hero 5, lanzado en 2009 por la empresa Activision para las plataformas Playstation 2, Playstation 3, Nintendo Wii y Xbox 360.

VOZ PROPIA - Lentes amarillos (2006)

Voz Propia es una de las bandas más importantes de la escena Post-Punk peruana desde su fundación en 1985 en Lima (aunque en sus comienzos su nombre fue Vox Propia), siendo sus integrantes iniciales Miguel Ángel Vidal (voz/guitarra/teclados), Nilo Velarde (guitarra), Carlos "Boui" Magán (bajo), Carlos Cornejo (teclados) y Ulises Quiroz (batería).

Su primera producción fue "El Ingreso", editado en Enero de 1987 en formato de cassette, una característica de los grupos peruanos de esa época que formaron parte de la llamada Movida Subterránea. A mediados de ese año, los Voz Propia ganaron el Concurso de Rock No Profesional Taller Rock, para luego permitir el ingreso de Raúl "Montaña" Montañéz y Aldo Lucioni en reemplazo de Nilo Velarde y Carlos Cornejo, respectivamente. "No Puedo Irme", su segundo disco, se publicó en Julio de 1988, en donde se encuentran los temas "Te voy a exterminar" y "Hacia las cárceles", considerados como clásicos del grupo. En 1990, bajo la producción de Manuel Villavicencios, lanzaron "El Sueño", mientras que a mediados de 1993 hicieron lo propio con "Hastío", con una onda más electrónica, sin dejar de lado sus raíces Post-Punk.

Tras un período de incertidumbre, en el que la banda estuvo separada, llegaría en 1997 un nuevo trabajo llamado "Los Días Y Las Sombras", otro de sus discos más conocidos, a los que seguirían dos recopilatorios: "Voz Propia: 1987-1992" y "Voz Propia", este último editado por el sello neoyorkino Newsica NYC, el primero del grupo en formato de CD. Su discografía continuó con "Ave De Paso" (2001), ya con la banda como un cuarteto conformado por Vidal, Montañéz, Quiroz y Magán. Para 2003, con el ingreso de Ricardo "Rocco" Lay en batería y Hans Brandes en teclados, Voz Propia editó "Hamlet", su séptimo trabajo en estudio. La banda reeditaría por esta época varios de sus trabajos previos en formato de CD, con varios bonus tracks. En Junio de 2006, presentaron "El Manifiesto", siempre con Miguel Ángel Vidal como eje principal, a quien se sumaron Ramón Escalante (guitarra), Kurt Rothschild (bajo) y Raúl Loza (batería). De este disco posteamos hoy el tema "Lentes amarillos", cuyo vídeo fue dirigido por Ricardo "El Anti" Ayala en 2007. Cabe mencionar que en el vídeo aparece el bajista Carlos "Boui" Magán, junto a Vidal, Escalante y Loza.

Voz Propia fue elegido como Mejor Grupo de Rock del Año en el ranking anual de 2006 realizado por el diario El Comercio, un justo homenaje a la trayectoria de esta importante banda, que en Diciembre de 2008 editó un DVD autotitulado que incluye sus vídeoclips, presentaciones en vivo y 22 temas de su extensa discografía. En Marzo de 2011, acaban de lanzar su más reciente disco, "The Game Is Over", compuesto por 12 temas, entre los que están "Peter Pan", "Es injusto pero está bien", "Mal corazón", "El gran simulador" y "En el tren". La alineación actual de Voz Propia (hasta donde sabemos) está compuesta por Miguel Ángel Vidal (voz/guitarra/teclados), Carlos "Canuto" Tabja (bajo), Ramón Escalante (guitarra) y Raúl Loza (batería).

FAD GADGET - Love parasite (1982)

Francis John "Frank" Tovey fue un músico y cantante inglés nacido en 1956, identificado con la escena electrónica de vanguardia en su país. A lo largo de los años, aparte de editar material bajo su nombre, usó un alias que lo hizo bastante conocido en la escena Synth-Pop y New Wave de los 80's: Fad Gadget.

Fad Gadget lanzó dos sencillos entre 1979 y 1980 ("Back to nature" y "Ricky's hand"), antes de ser uno de los primeros artistas en firmar con el sello Mute Records, fundado en 1978 por el hoy renombrado Daniel Miller (conocido como músico entre 1978 y 1979 por su proyecto The Normal). Fue así que en Setiembre de 1980 se editó el álbum "Fireside Favourites", producido por Tovey junto a Miller, Eric Radcliffe y John Fryer, en donde se encuentran temas como "Pedestrian", "Newsreel", "Arch of the aorta" y "State of the nation".

"Incontinent" (Mute Records, 1981) fue su segundo disco, con el mismo equipo de producción que su antecesor, en donde resaltan "Blind eyes", "Saturday night special", "King of the flies" y "Diminished responsibility". Ya en 1982, y habiéndose convertido recientemente en padre, Fad Gadget publicó una nueva producción discográfica llamada "Under The Flag", siempre con Mute Records, en donde Tovey compartió el rol de productor con John Fryer. Curiosamente, muchos dicen que el título del tema que posteamos hoy, "Love parasite", hace una muy peculiar referencia a su recién nacido hijo Joseph. La mayoría de las letras de este trabajo se enfocan en su preocupación sobre el mundo en el que le tocaría vivir al pequeño. Otras canciones que les recomendamos escuchar de este disco son "Scapegoat" y "Cipher".

Su cuarto álbum como Fad Gadget sería "Gag" (Mute Records, 1984), en donde destaca el track "Collapsing new people", en donde contó con la participación de la banda alemana liderada por Blixa Bargeld, Einstürzende Neubauten. El sonido de este disco combina influencias de la Electrónica y de la Música Industrial, género en donde los Einstürzende Neubauten son considerados como íconos. Luego de este lanzamiento, Frank Tovey decidió retomar su nombre de pila en sus siguientes trabajos, 8 en total. En el año 2001 se editó un doble disco compilatorio de Fad Gadget, titulado simplemente "The Best Of Fad Gadget". Ese año, de nuevo como Fad Gadget, Tovey acompañó como telonero a Depeche Mode en su gira de promoción del disco "Exciter". Lamentablemente, el 3 de Abril de 2002, con sólo 45 años de edad, Frank Tovey falleció víctima de un fulminante paro cardíaco.

TRACY BONHAM - Mother mother (1996)

En muchos países del mundo, incluído el nuestro, se celebra en esta fecha el Día de la Madre. Así que para rendirles un sincero y merecido homenaje, posteamos hoy esta buena canción con un título acorde a la celebración, a cargo de una cantante nacida en Boston, Massachussets en 1967: Tracy Bonham.

La carrera musical de esta artista se inició desde muy pequeña, ya que durante su niñez tomó clases de canto, violín y piano. Más adelante, ya en su etapa de juventud, Bonham obtuvo una beca para continuar sus estudios de violín en la University of Southern California, paraluego seguir estudiando canto en el afamado Berklee College of Music de Boston. Para 1995 editó su primer EP denominado "The Liverpool Sessions" para el sello Cherrydiscs, que fue producido por Josh Hager, en donde ella se encargó de las voces, guitarras y violines, con el aporte de Hager en batería y Drew Parsons en el bajo y órgano. "The Burdens Of Being Upright" (Polygram Records, 1996) sería su álbum debut, con Paul Kolderie y Sean Slade como productores, con una onda de Alternative Rock cercana incluso al Grunge, en donde destacó largamente "Mother mother", tema que posteamos hoy, que fue #1 del Modern Rock Tracks Chart de la Billboard, aparte de ser nominado a 2 MTV Video Music Awards (a Mejor Artista Nuevo y Mejor Vídeo Femenino).

Su siguiente producción discográfica sería "Down Here" (Island Records, 2000) que tuvo como sencillo al tema "Behind every good woman". En 2003, publicó un nuevo EP llamado "Bee", mientras que en 2005 publicó otro EP/DVD con el nombre de "Something Beautiful", además de lanzar sus tercer álbum en estudio, "Blink The Brightest" con Zoe Records, que fue producido por Bonham junto a Greg Collins, Ken Rich y Joey Waronker, con canciones como "Something beautiful", "Take your love out of me" y "I was born without you".

Para 2006, Tracy Bonham publicaría un cuarto EP, "In The City/In The Woods", mientras que su más reciente álbum ha sido "Masts Of Manhatta", editado en Julio de 2010 por Engine Room Recordings (Estados Unidos) y Lojinx (Reino Unido), que fue producido por la propia artista, con canciones como "Devil's got your boyfriend", "Josephine", "Reciprocal feelings" y "Big red heart". Nuevamente, aprovechamos para desear a todas las madres que disfruten su día, y los invitamos a recordar esta buena canción.

RINGO DEATHSTARR - Imagine hearts (2011)

No hace mucho hemos conocido a esta banda de Indie Rock, Dream Pop y/o Shoegaze proveniente de Austin, Texas, que nos impactó gratamente con esta bien lograda canción que queremos compartir con ustedes en este sábado: Ringo Deathstarr.

Formada en 2005 inicialmente como un cuarteto compuesto por Elliot Frazier (voz/guitarra), Alex Gehring (voz/bajo), Renan McFarland (guitarra) y Renan McFarland (batería), Ringo Deathstarr ha sido desde entonces un grupo que ha atraído muy buenos comentarios de los seguidores del Dream Pop y del Shoegaze, debido en gran parte a su bien elaborado sonido, en donde destacan sus distorsionadas y atmosféricas guitarras, que complementan a las voces de Frazier y Gehring (la única integrante femenina de la banda), por lo que inclusive muchos los han relacionado con otras bandas como Lush, aunque por momentos hacen recordar también a My Bloody Valentine o The Jesus and Mary Chain.

La discografía del hoy trío (tras la salida de Renan McFarland), se inició en Octubre de 2007, cuando por intermedio del sello independiente SVC Records, publicaron un EP titulado simplemente "Ringo Deathstarr", conformado por 5 temas: "Swirly", "Starrsha", "Some kind of sad", "Down on you" y "Sweet girl". Dos años después, de nuevo con SVC Records, editaron un single del tema "In love", que tenía como lado-B a "Summertime". La creciente atención que captó la banda dentro de la escena alternativa estadounidense los llevó a telonear a otros actos como Voxtrot o The Dandy Warhols, además de presentarse en 2008 y 2009 en el conocido festival South by Southwest (SXSW), que se realiza todos los años en su ciudad natal, y que reúne a lo mejor de la escena independiente y alternativa internacional.

Su esperado disco debut recién acaba de ver la luz en Febrero de este año. "Colour Trip", editado por los sellos Club AC30 en Europa, Sonic Unyon en los Estados Unidos y Canadá, y por Vinyl Junkie en Japón, no ha hecho más que consolidar el prestigio de los Ringo Deathstarr, recibiendo otra vez muy buenos comentarios de parte de la prensa y del publico seguidor de este estilo de música. En el disco, que consta de 11 temas, sobresalen largamente tracks como "So high", "Kaleidoscope", "Day dreamy", "Chloe", y nuestra favorita "Imagine hearts", que es el surco que abre el disco. En esta canción es casi imposible no dejarse atrapar por la melodiosa voz de Alex Gehring, que además aporta una línea de bajo sencilla pero rítmica que, bien acompañaba por una batería contundente y el ya habitual Wall of Sound producido por sus guitarras, hacen que la canción convenza desde la primera escucha. Así que vale la pena prestarles atención, porque prometen mantenerse en la escena shoegazer por largo tiempo.

POST ESPECIAL #10 - Las Top 5: Vídeos musicales con robots

Hoy se nos ocurrió hacer un post especial temático. Hace unos días, gracias a un amigo recordamos un tema en cuyo vídeo aparecía un robot, y eso nos motivó a tratar de recordar qué otros vídeos de canciones que nos gustan tenían robots, androides o cyborgs como protagonistas. Así que después de pensarlo por varios días, hemos seleccionado varios de nuestros favoritos. En realidad, no será formalmente un Top 5, porque nuestro #1 ya fue motivo de un post anterior: una increíble canción a cargo de una de nuestras bandas predilectas de todos los tiempos, Kraftwerk, cuyo vídeo de "Die Roboter" (que pueden ver aquí), es sin dudas nuestro favorito. Hecha la aclaración, aquí les mostramos nuestros favoritos para el post de hoy, que esperamos disfruten. Si creen que se nos escapó alguno, nos encantaría que nos lo hagan saber.

1) BJÖRK - All is full of love (1997)

Esta buenísima canción apareció en el quinto disco como solista de esta genial cantante nacida en Reykjavik, Islandia, en 1965, bajo el nombre de Björk Guðmundsdóttir (que entre 1986 y 1992 formó parte de The Sugarcubes). Aquel disco llevó por título "Homogenic" y fue editado en 1997, aunque en él aparece un remix hecho por Howie B. La versión que pueden escuchar en el vídeo fue incluída en el soundtrack de la película de 1999 "Stigmata", dirigida por Rupert Wainwright. Este vídeo es otra obra del también reconocido director Chris Cunningham, de quién ya hemos publicado varios trabajos en el blog. Además de ser nominado a un Grammy por Mejor Vídeo Musical de Formato Corto, "All is full of love" ganó 2 MTV Video Music Awards como Vídeo Sobresaliente y Mejores Efectos Especiales. Un trabajo de genuina belleza, sin lugar a dudas, que corona una sobresaliente canción de la islandesa.

2) COLDPLAY - Talk (2005)

Nuestra segunda elección es otro gran vídeo de otro de nuestros directores favoritos, el gran Anton Corbijn, que en 2005 hizo esta joya para acompañar al tema "Talk", incluído en el tercer álbum de Coldplay, una de bandas más representativas del Brit-Pop, encabezada por Chris Martin, con una estética en blanco y negro (algo característico en el trabajo de Corbijn), rememorando las películas de ciencia ficción de Clase B, al estilo de Ed Wood. Cabe mencionar también que la canción en mención contiene un homenaje de Martin y compañía a los ya mencionados Kraftwerk, al incluir en su inicio un motivo musical del tema "Computer love" ("Computer liebe" en alemán), que dió nombre al disco editado por los alemanes en 1981. "Talk" encabezó el Hot Dance Club Play Charts de la revista Billboard, y existen dos versiones distintas de la canción, con diferentes letras.

3) BEASTIE BOYS - Intergalactic (1998)

Los Beastie Boys son considerados íconos del Hip-Hop y del Rap, a pesar de no ser de raza negra, y de haber sido en sus inicios una banda de Hardcore Punk. El trío se formó en Nueva York en 1979, estando integrado por Michael Diamond (aka Mike D), Adam Yauch (aka MCA) y Adam Horovitz (aka Ad-Rock). "Hello Nasty" (Capitol Records, 1998) fue su premiado quinto disco, que ganó 2 Grammy Awards como Mejor Disco de Música Alternativa y Mejor Performance de Rap de un Dúo o Grupo por esta canción, "Intergalactic", cuyo vídeo fue dirigido por el mismo Adam Yauch (bajo el seudónimo de Nathanial Hornblower). Este vídeo, filmado principalmente en las locaciones de Shibuya y Shinjuku en Tokyo, Japón, rinde culto a la estética de la ciencia ficción nipona (una marca registrada de ese país), que nos hace recordar a Godzilla, Ultraman o Ultra Siete.

4) HERBIE HANCOCK - Rockit (1983)

Herbie Hancock es un consagrado pianista, compositor y arreglista estadounidense, nacido en Chicago, Illinois, en 1949, conocido mundialmente por su trayectoria dentro del Jazz. A lo largo de su carrera ha sido premiado con un Oscar, 13 Grammy Awards y muchos galardones más. A inicios de la década de los 80's, específicamente en 1983, Hancock empezó a interesarse por los sintetizadores, que eran una novedad tecnológica por aquellos años. Producto de ese acercamiento, publicó un álbum llamado "Future Shock" (Columbia Records, 1983), en donde aparece "Rockit", tema compuesto junto a Bill Laswell y Michael Beinhorn, que es considerado por muchos como el primer gran éxito popular en donde se usó el llamado Scratching (técnica que consiste en hacer sonidos con discos de vinilo, al manipularlos hacia adelante y hacia atrás con los dedos), que en esta grabación fueron obra de Derek Showard (aka Grand Mixer D.ST, uno de los DJs más reconocidos en los 80's). Esta canción ganó el Grammy Award en 1984 a Mejor Performance Instrumental de R&B, además de un MTV Award a Mejor Concepto de Vídeo el mismo año.

5) STYX - Mr. Roboto (1983)

Dennis DeYoung (voz/teclados), Chuck Panozzo (bajo), Tommy Shaw (guitarra), James Young (guitarra) y John Panozzo (batería), eran los miembros de esta banda estadounidense en 1983, año en que lanzaron el disco "Kilroy Was Here" a través de A&M Records, alcanzando la posición #3 en su país, con un Disco de Platino por sus ventas, que pasaron los 2 millones de copias. Este disco conceptual fue concebido como una Ópera Rock, que fue acompañado por un cortometraje del mismo nombre. "Mr. Roboto" fue uno de los temas más sonados del disco, cuyo vídeo fue dirigido por Brian Gibson, responsable también del cortometraje futurista, que narra la historia de Kilroy, un rockstar encarcelado por el Dr. Richteous, líder de una organización fascista llamada Majority for Musical Morality (Mayoría para la Moral Musical) o MMM. La canción narra una parte de la historia, en donde Kilroy escapa de prisión usando un disfraz.

SAIKO - Vuelve a amanecer (2007)

En estos días se nos vino a la mente está interesante agrupación chilena de Alternative Rock, cuya trayectoria se inició a finales de la década de los 90's en la capital de ese país, Santiago, y hoy decidimos repasar su historia: Saiko.

Los fundadores de este grupo fueron dos ex-miembros de la también chilena y reconocida banda La Ley: Rodrigo "Coty" Aboitiz (sintetizadores/secuencias) y Luciano Rojas (guitarra), quienes dejaron aquella agrupación en 1998 y 1999, respectivamente. Para este nuevo proyecto, ambos buscaron una voz femenina, convocando tras varias audiciones a Denisse Malebrán, cuya experiencia previa comprendía a otros actos como Turbomente y Polaroid. Gracias a la mano de Aboitiz y Rojas, a quienes se sumó también Iván Delgado (teclados/saxo), el sonido de Saiko se caracterizó en un principio por una combinación de bases electrónicas y guitarras distorsionadas, al estilo de Curve o Garbage (bandas que pronto estaremos reseñando).

En 1999, Saiko edita su primer álbum con el sello EMI, con el nombre de "Informe Saiko", producido por la dupla Aboitiz/Rojas, y en el que colaboró como músico invitado el baterista Marcelo Fillipi (de Los Imposibles). Los singles de este trabajo fueron "La fábula", "Cuando miro en tus ojos", "Happy hour" y "Uno tras otros". Para el año 2000, Javier Torres ingresa oficialmente como baterista del grupo. Su segundo disco de estudio fue "Campos Finitos" (EMI, 2001), con un sonido más oscuro, en donde la composición de las letras recayó mayormente en Denisse Malebrán, siendo los temas más conocidos "Amor que no es", "Limito con el sol" y "Azar". Poco después, Iván Delgado y Rodrigo Aboitiz deciden dejar al grupo, por lo que Saiko quedó conformado entonces por Malebrán en la voz, Rojas en guitarra, Jorge "Coyote" Martínez en el bajo y Javier Torres en la batería.

Tras publicar en 2003 un compilatorio llamado "Todo Saiko", el grupo presentó al año siguiente su tercera placa en estudio, titulada "Las Horas", que fue producida por Gabriel Vigliensoni (quien entre 1990 y 1999 fue miembro de Lucybell). Temas recomendados en este disco: "Lo que mereces", "Debilidad" y "Luz mágica". Otra vez la banda sufre cambios, tras la salida de "Coyote" Martínez, quien fue reemplazado por Esteban Torres como bajista. En 2005 se reeditó el disco "Las Horas" con el sello El Escarabajo Records, mientras que en 2006, el grupo lanzó un disco y DVD en vivo, "Saiko: Blondie 2005", que fue grabado el año anterior en la conocida Discoteque Blondie de Santiago. A fines de 2006, Saiko sufre otro durísimo revés cuando su vocalista Denisse Malebrán decide alejarse del grupo para iniciar una carrera solista. Fue así que el 28 de Abril de 2007, Malebrán realiza su última presentación con ellos. La banda, liderada entonces por Rojas y Torres, decide seguir adelante, reclutando como nueva cantante a Marcela "Thais" Castro, incorporando también como segundo guitarrista a Paulo Ahumada.

Esta nueva alineación fue la responsable del cuarto álbum en estudio de Saiko, "Volar", publicado en 2007 por Escarabajo Records que marcó el debut oficial de Marcela Thais al frente de la banda. De este trabajo se desprende la canción "Vuelve a amanecer", cuyo vídeo pueden ver a continuación. Ojalá podamos seguir disfrutando en el futuro de esta buena agrupación, que actualmente es un trío, integrado por Thais, Rojas y Torres.

A FLOCK OF SEAGULLS - I ran (So far away) (1982)

A Flock of Seagulls es otra de las grandes bandas de los 80's surgidas en Inglaterra (específicamente en la ciudad de Liverpool), enmarcada dentro del New Wave y Synth-Pop. Fue fundada en 1979, tomando su nombre de una canción de The Stranglers llamada "Toiler on the sea". Sus miembros fundadores fueron los hermanos Michael "Mike" Score (voz/teclados/guitarra) y Alister "Ali" Score (batería), Frank Maudsley (bajo). Su guitarrista original fue Willie Woo, quien al poco tiempo sería reemplazado por Paul Reynolds.

En 1981, el grupo publicó su primer EP denominado "Modern Love Is Automatic", con el sello Jive Records y que contenía, además del track que le daba título, a los temas "D.N.A.", "Windows" y "You can run". Al año siguiente, bajo la producción de Mike Howlett y Bill Nelson, editaron su álbum debut, llamado simplemente "A Flock of Seagulls", de nuevo a través de Jive Records. En este disco, todo un clásico de aquella década, sobresalen varias de nuestras canciones preferidas de ellos: "Space age love song", "Messages" y "Telecommunication". Aquí se volvió a incluir el tema "D.N.A.", que en 1983 les otorgó un Grammy Award como Mejor Performance Instrumental Rock. Para 1983, ya con nuevo contrato firmado con el sello Zomba Records, A Flock of Seagulls lanzó su segundo álbum, "Listen", que repitió la dupla de productores de su predecesor. Este disco, que llegó al puesto #16 en el Reino Unido y los Estados Unidos, contiene otro de los éxitos más recordados de la banda: "Wishing (If I had a photograph of you)", que escaló hasta la posición #3 del Mainstream Rock Tracks de la revista Billboard.

Su tercer álbum fue "The Story Of A Young Heart" (Jive Records/Arista Records, 1984), producido por Steve Lovell, en donde sobresale otra gran canción de la banda, "The more you live, the more you love", otra de nuestras preferidas de siempre, que sin embargo no pudo ayudar a que el disco alcanzara la popularidad de los dos anteriores. Ese mismo año, el guitarrista Paul Reynolds se separaría del grupo, que decidió entonces reubicarse en los Estados Unidos, tomando como base la ciudad de Philadelphia. Ya en 1985, el trío editaría un nuevo disco llamado "Dream Come True", que estuvo compuesto por 9 temas, entre los que se encuentran "Heartbeat like a drum", "Who's that girl (She's got it)" o "Love on your knees". A partir de entonces, Mike Score sería el único que continuaría trabajando bajo el nombre de A Flock of Seagulls, debido a la separación de su hermano Ali y de Frank Maudsley. Recién en 1995, se editaría el más reciente disco de la banda titulado "The Light At The End Of The World", a través de Big Shot Records, que pasó casi desapercibido. Entre 2003 y 2004, el cuarteto original se reunió para unas cuantas presentaciones, volviéndose a separar al poco tiempo.

El gran tema que posteamos hoy "I ran (So far away)", es otro de los clásicos de A Flock of Seagulls, perteneciente a su disco debut de 1982. Llegó a ser #1 del ARIA Singles Chart de Australia, además de alcanzar el #3 del Mainstream Rock Tracks Chart de Billboard. El vídeo rinde homenaje a la portada del disco "(No Pussyfooting)", publicado en 1973 por Robert Fripp y Brian Eno. Esta canción ha sido un referente constante de la estética sonora y visual de este grupo, en donde llamaban la atención los peculiares peinados de Mike Score. Ello se puede comprobar en uno de los capítulos de la serie "That 70's Show", en donde el personaje de Fez interpreta el coro del tema, imitando al vocalista (véanlo aquí). También se hacen varias referencias a esta banda en la divertida película "The Wedding Singer", dirigida por Frank Coraci en 1998, con las actuaciones de Adam Sandler y Drew Barrymore, que recomendamos ver para pasar un buen rato, con un soundtrack totalmente ochentero.

AUTECHRE - Second bad vilbel (1995)

Autechre es otra de esas bandas que no todos son capaces de digerir, ya sea por sus prejuicios musicales o porque simplemente no son capaces de comprender el concepto de su propuesta estética, sonora y musical. Ello abre el debate acerca de la validez del Intelligent Dance Music (usualmente abreviado como I.D.M.), género musical nacido a inicios de los 90's, y del que se considera a Autechre como uno de sus pilares más importantes. Así que en pro de la cultura y la tolerancia musical, reseñamos su trayectoria en este post.

Rob Brown y Sean Booth, ambos oriundos de Rochdale (un pueblo a las afueras de Manchester, Inglaterra) crearon este proyecto musical en 1987. Inicialmente, adoptaron el nombre de Lego Feet, con el cuál editaron su primer EP en 1991, "Lego Feet", a através de Skam Records. Ese mismo año, decidieron empezar a usar el nombre de Autechre, editando un single llamado "Cavity job" (Hardcore Records), que fue el primer trabajo bajo esa denominación. No fue hasta Noviembre de 1993, que Autechre publicó su primer álbum, "Incunabula", con el sello británico Warp Records, en donde recomendamos oír los tracks "Basscadet", "Lowride", "Bike" y "Karpol introl", que fue incluído por el director estadounidense Darren Aronofsky en "Pi", su altamente recomendable ópera prima de 1998. "Amber" (1994) y "Tri Repetae" (1995) serían los dos siguientes discos de Autechre, siempre para Warp Records. También en 1995 publicarían un EP denominado "Anvil Vapre", en el que se destaca el track "Second bad vilbel", cuyo vídeo, dirigido por el afamado Chris Cunningham, pueden ver en este post.

La discografía de Autechre continuó con "Chiastic Slide" (1997), "LP5" (1998), "Confield" (2001), "Draft 7.30" (2003), "Untitled" (2005), "Quaristice" (2008) y "Oversteps" (2010). Otro de los EPs que les recomendamos escuchar de ellos, para comprender el estilo y concepto de esta interesante dupla es "Gantz Graf", editado en 2002, que está en nuestra lista de tracks preferidos de Autechre. Según han declarado en diversas entrevistas a lo largo de los años, Rob Brown y Sean Booth suelen utilizar en sus composiciones técnicas de Síntesis FM, Algorítmica y Generativa, así como procesos empleados por maestros de la llamada Música Concreta como el rumano Iannis Xenakis o el francés Bernard Parmegiani. Otra de sus grandes influencias ha sido el grupo inglés Coil, conformado por John Balance y Peter Christopherson entre 1982 y 2004.

Bueno, dejen por un rato sus prejuicios musicales a un lado, y déjense llevar por esta composición de Autechre, con un vídeo tan conceptual y enigmático como su música. Esperamos sus comentarios.

THE KILLERS - Human (2008)

The Killers ha sido una de la bandas más populares de inicios del nuevo siglo, con una propuesta musical con innegables raíces en el New Wave, Modern Rock y el Post-Punk de los 80's. Desde su formación en 2001 en Las Vegas, Nevada, este cuarteto integrado por Brandon Flowers (voz/teclados), Dave Keuning (guitarra/coros), Mark Stoermer (bajo/coros) y Ronnie Vannucci Jr. (batería), ha sabido ganarse la atención del público y la prensa musical internacional.

La banda fue fundada en 2001 por Flowers y Keuning, quienes compartían gustos musicales. Previamente, Flowers había sido parte de una agrupación de Synth-Pop llamada Blush Response. El nombre de The Killers fue tomado de una banda ficticia que aparece en el vídeo de la canción "Crystal" (presten atención al bombo), de los inolvidables New Order, tema que apareció en el disco "Get Ready" de 2001. Recién en Agosto de 2002, Stoermer y Vannucci se sumaron a la alineación del grupo, que en Julio de 2003 pasó a formar parte de las filas del sello independiente británico Lizard King Records.

Fue a través de este sello que The Killers publicó a mediados de 2004 su disco debut, "Hot Fuss", que fue producido junto a Jeff Saltzman. Como ya dijimos, este trabajo muestras influencias del sonido de los 80's, actualizados a la estética musical del nuevo siglo. El disco lideró los rankings en el Reino Unido, Australia e Irlanda, llegando al puesto #7 en su país natal, con múltiples Discos de Platino por sus ventas a nivel mundial. Aquí se encuentran los primeros hits de la banda: "Mr. Brightside" (#1 del UK Indie Chart), "Somebody told me" (que ocupó la misma ubicación en el Reino Unido, además de ser nominado a 2 Grammy Awards) y "Jenny was a friend of mine".

La carrera ascendente del cuarteto continuó con su segundo disco, "Sam's Town" (Lizard King Records/Island Records, 2006), en donde contaron con la producción de los renombrados Alan Moulder y Mark "Flood" Ellis, en donde destacaron temas como "When you were young", "Read my mind", "Bones", llegando al #1 del UK Albums Chart y al #2 del US Billboard 200, con más de un millón de copias vendidas en ambos países. Con este álbum, The Killers se hizo acreedor a un BRIT Award como Mejor Disco Internacional del Año.

Con Stuart Price como productor, lanzaron en 2008 su tercer y más reciente disco, "Day & Age", que nuevamente encabezó el UK Albums Chart, en donde obtuvieron Cuádruple Disco de Platino. El primer sencillo de este álbum fue "Human", que fue #6 en el Modern Rock Tracks Chart de Billboard y #3 en el UK Singles Chart. La versión en vivo que les mostramos a continuación, pertenece a su presentación en la ceremonia de entrega de los MTV European Music Awards de 2008, en la que destaca la espectacular puesta en escena audiovisual, y en donde al final, The Killers rinde tributo a los ingleses Echo & the Bunnymen, al incorporar un par de líneas de la letra de su tema "Bring on the dancing horses".

LOS ENCARGADOS - Trátame suavemente (1986)

Comenzamos nuestro mes de aniversario, cercanos ya a cumplir nuestro primer año de existencia. Así que estamos preparando una serie de sorpresas para todos ustedes. Mientras tanto, compartimos en este domingo un gran tema, que fue popularizado por Soda Stereo, e incluído en el disco debut homónimo de esta banda argentina, publicado en 1984. Sin embargo, no todos saben que la autoría de esta canción no pertenece a ellos, sino a otro músico argentino, Daniel Melero, quien fue un contínuo colaborador de Gustavo Cerati y compañía. Por ello, repasamos la trayectoria de la agrupación fundada por Melero en 1982: Los Encargados.

Provenientes de la ciudad de Buenos Aires, Argentina, la primera formación de Los Encargados estuvo compuesta por Daniel Melero (voz/teclados/guitarra), Luis Bonatto (bajo/sintetizadores/batería electrónica) y Mario Spireman (teclados). Esta banda es considerada como la primera agrupación de Tecno-Pop en su país, género musical que en Europa se denominó también como Synth-Pop. En 1984, se sumaron a su formación el bajista Alejandro Fiori y el guitarrista/tecladista Hugo Foigelman, además de contar con la colaboración de Richard Coleman (integrante de Ficción) y Ulises Butrón (miembro de Metrópoli). Ese año, Melero compuso la balada "Trátame suavemente" y como ya dijimos, colaboró con Soda Stereo, grupo que decidió incluir dicho tema en su primer disco. Esta composición se convirtió rápidamente en uno de los tracks más exitosos de esa producción, por lo que muchos pensaron que era un tema compuesto por Cerati, Bosio y Alberti.

Entre 1984 y 1985, Los Encargados llegaron a grabar dos álbumes, que sin embargo nunca llegaron a ser editados. Fue recién en 1986, que esta banda publicó "Silencio", su disco debut, que fue elegido ese año como Mejor Disco del Año por el diario argentino Clarín. Además de incluír su propia versión de "Trátame suavemente", destacaron en este disco temas como "Orbitando", "Sangre en el volcán", "Planeta agua", "Creo que estamos bailando" y "Le Caine". La historia de Los Encargados terminaría en 1987, sin que pudieran editar nuevo material. Es por ello que "Silencio" es ya una pieza de colección, muy buscada por los fanáticos de Melero, quién continuó su carrera como solista y productor musical, siendo hasta hoy reconocido en toda Latinoamérica.

Los dejamos a continuación con la excelente versión de "Trátame suavemente", a cargo de esta interesante banda.