Hay muy pocas bandas que han logrado trascender las barreras del tiempo, de los géneros musicales y de la "moda" con tanta maestría y contundencia como Pink Floyd, grupo que indudablemente tiene un importante y muy merecido lugar en el Olimpo de la música mundial. Referentes innegables del Progressive, Acid y Psychedelic Rock, su historia se empezó a gestar en Londres, Inglaterra, en 1962, con otras formaciones previas como Sigma 6 (que también se llamó The Meggadeaths, The Screaming Abdabs, Leonard Lodgers, The Spectrum Five o The Tea Set), en la que participaron Roger Waters (voz/guitarra/bajo), Richard Wright (voz/teclados/sintetizadores) y Nick Mason (batería/percusión), junto a Bob Klose, Clive Metcalfe y Keith Noble. En 1964, tras la partida de los 2 últimos, se les sumó el guitarrista y cantante Roger "Syd" Barrett.
Fue recién en el otoño de 1965 que Waters, Mason, Wright y Barrett usaron por primera vez el nombre de The Pink Floyd Sound, por sugerencia de Syd Barrett, haciendo sus primeras presentaciones en vivo con esa denominación, la que acortaron primero a The Pink Floyd, quitándole luego el "The". Fue así que el entonces cuarteto grabó su primer álbum en 1967, llamado "The Piper At The Gates Of Dawn", producido por Norman "Hurricane" Smith para los sellos Capitol y EMI Records, y grabado en EMI Studios (que gracias a The Beatles tomarían en 1970 el hoy célebre nombre de Abbey Road Studios).
Syd Barrett se alejó del grupo en 1968, permitiendo el ingreso de David Gilmour, quien se mantendría con Pink Floyd hasta 1996, año en que esta extraordinaria banda puso fin a su carrera, dejando un valioso legado de 14 discos en estudio, entre los que destacan "Ummagumma" (1969), "The Dark Side Of The Moon" (1973), considerado por muchos como el mejor álbum de toda la historia, "Wish You Were Here" (1975), "Animals" (1977) o "The Wall" (1979). Roger Waters también se separó de Pink Floyd en 1985, dejando a Gilmour como líder del grupo desde entonces.
Hoy recordamos uno de los mejores tracks de la que fuera su última producción discográfica, "The Division Bell" (EMI/Columbia, 1994), que fue co-producida por Bob Ezrin y David Gilmour, con Andrew Jackson como Ingeniero de Grabación, Chris Thomas como Ingeniero de Mezcla y Michael Kamen en los arreglos orquestrales. Este disco fue #1 en el UK Albums Chart y en el US Billboard 200, igual que en Chile, Noruega, Australia, Suiza, Austria, Francia, Holanda, Nueva Zelanda y Suecia, con más de 12 millones de copias vendidas. El tema "Take it back" contó además con la colaboración de Tim Renwick en guitarra, Jon Carin en las programaciones, Guy Pratt en el bajo, y Sam Brown, Durga McBroom, Carol Kenyon y Claudia Fontaine en los coros.
"Major Tom (Coming home)" es otro gran recuerdo de la Neue Deutsche Welle y la New Wave de los 80's, siendo una de las 2 versiones editadas en 1983 de esta canción, debido a que pertenece al álbum debut de Peter Schilling (nombre artístico con el que se conoce en todo el mundo a Pierre Michael Schilling, nacido en Enero de 1956 en Stuttgart, Alemania), del cuál se publicó una versión en alemán, llamada "Fehler Im System" (WEA Records), y otra en inglés, titulada "Error In The System" (Elektra Records).
La versión en alemán de este tema, "Major Tom (Völlig losgelöst)", alcanzó la cima de los rankings en la entonces Alemania Occidental, Austria y Suiza, mientras que su par en inglés hizo lo propio en Canadá, además de ubicarse como #4 en Sudáfrica y como #2 en el Billboard Dance Singles Chart de los Estados Unidos. Aunque Peter Schilling nunca lo ha admitido públicamente, la temática de la canción en mención se relaciona inequívocamente con el astronauta ficticio (Major Tom) creado por el británico David Bowie, quien lo menciona en sus temas "Space oddity" (1969), "Ashes to ashes" (1980) y "Hello spaceboy" (1995).
Para la grabación de "Major Tom", Schilling, quien se encargó de la voz, además de co-producir el disco junto a Armin Sabol, contó con el apoyo de diversos músicos como Gunther Gebauer (bajo), Gonzo Bishop (teclados), Curt Cress (batería/percusión) y el propio Sabol (guitarra). Además, participaron en el resto de canciones Rolf Kersting (bajo), Frank Hieber (teclados), Dicky Tarrach y Mickie Stickdorn (ambos en batería/percusión). Este trabajo discográfico fue grabado en los Peer-Southern Studios de Hamburgo, Alemania, por un equipo de Ingenieros de Sonido conformado por Frank Reinke, Geoff Peacy, Lars Hidde, Manfred Lohse, Peter Schmidt y el propio Peter Schilling.
Este artista alemán también incluyó, en ambas versiones del "Fehler Im System", una segunda parte instrumental concebida como continuación de esta canción, que aparece en los créditos de dicho álbum como "Major Tom, Part II". Aunque nunca llegó a repetir el mismo éxito, Schilling también es recordado por la canción "The different story (World of lust and crime)", incluída en el álbum del mismo nombre editado en 1989 por Elektra Records, que fue co-producida junto al líder de Enigma, el rumano Mihai "Michael" Cretu.
El Hangar de los Mecánicos es un proyecto audiovisual colectivo integrado por miembros de varios agrupaciones electrónicas de Lima, Perú. Sus integrantes son Dante "Droid 2600" Gonzáles (sintetizadores/vocoder/circuitos analógicos), Max "Modular 303" Salas (voz/vocoder/sintetizadores/visuales), Alfredo "Master Synthmaker" Aliaga (theremin/sintetizadores) y Farid "Fad 21" Giha (percusión electrónica/samplers).
Inspirados, según ellos mismos manifiestan, por los juguetes antiguos, la publicidad clásica, la arquitectura, los cómics clásicos de ciencia-ficción, la Música Clásica, el Detroit Techno, el Acid y Progressive House, el Post-Punk, el Krautrock, la Música Concreta, la Intelligent Dance Music, Kraftwerk, Karlheinz Stockhausen, Cabaret Voltaire, y la Música Peruana, entre otros, el combo da vida a sus composiciones en su laboratorio musical, bautizado como "El Paraíso de Silicio".
Como hemos dicho siempre, viniendo de un país que no sobresale precisamente por estos géneros musicales, es de destacar la perseverancia de agrupaciones como ésta, que se mantienen activas por el ímpetu y la iniciativa de sus integrantes, sin contar con el apoyo de los medios. Por ello, desde esta modesta ventana cibernética, nos complace compartir con ustedes su trabajo, que esperamos sepan valorar y apoyar.
En esta ocasión les traemos el tema "FX" del 2007, una pieza instrumental de muy buen factura, que deja ver las influencias antes mencionadas de estos músicos experimentales peruanos, que en el 2010 formaron parte de un compilatorio llamado "Lima El3ctrónica Vol 1", editado en Francia por el sello NKS International, junto a otros actos peruanos destacados de esa escena musical, como Sonoradio, Delay Tambor, Unidad Central y Autobólido. Si quieren comunicarse con la banda (hoy convertida en trío), escuchar sus demás composiciones, y estar al tanto de sus presentaciones en vivo, pueden visitar sus páginas en Facebook y MySpace.
Catatonia es un término médico referido a un síndrome neuropsiquiátrico caracterizado por anormalidades motoras, que se presentan en asociación con alteraciones en la conciencia, el afecto y el pensamiento. Dicho nombre fue además el elegido por una banda de Cardiff, Gales, que estuvo activa entre 1992 y 2001, de quienes hablaremos en el post de hoy.
Cerys Matthews (voz), Paul Jones (bajo), Mark Roberts (guitarra), Owen Powell (guitarra) y Aled Richards (batería) fueron los miembros de esta agrupación de Alternative Rock, con rasgos de Brit-Pop e Indie Rock. Anteriormente, Roberts y Jones habían estado juntos en otras 2 bandas galesas (Y Cyrff y Sherbet Antlers). En un comienzo, el quinteto se hacía llamar Sweet Catatonia, pero posteriormente decidieron quitar el adjetivo "Sweet" ("Dulce"), debido a las características de dicho síndrome.
La discografía de los galeses incluyó 4 álbumes en estudio, todos ellos publicados por el sello británico Blanco y Negro Records, subsidiario de WEA Records, que también tenía en su catálogo a otros artistas como Everything But The Girl, The Jesus And Mary Chain, Dinosaur Jr. y Elizabeth "Liz" Fraser (la ex-cantante de Cocteau Twins). Dichos discos fueron: "Way Beyond Blue" (1996), "International Velvet" (1998), "Equally Cursed And Blessed" (1999) y "Paper Scissors Stone" (2001).
Su segunda producción fue la más exitosa en la historia de Catatonia, llegando al #1 del UK Albums Chart, siendo uno de los discos más vendidos ese año en el Reino Unido, consiguiendo Triple Disco de Platino por sus ventas. Junto con "Road rage", "Game on" y "Strange glue", una de las canciones más destacadas del "International Velvet" fue "Mulder and Scully", cuyo título hace referencia a los 2 personajes principales de la exitosa serie de TV de ciencia-ficción "The X-Files". Este tema llegó a ser #3 en el UK Singles Chart, además de ser la primera del grupo en ser difundida en los Estados Unidos, motivo por el cuál se hizo una versión especial del vídeoclip para ese país. Hoy les traemos el vídeo original de esta canción, que fue dirigido por Gerald McMorrow.
Mitad de semana en el blog. Hoy nos alegra mostrarles el primer vídeoclip de StereonoiZ, otra banda nueva que llega desde Lima, Perú, país que en los últimos años está dando mucho que hablar en la escena musical mundial, con proyectos de muy buen nivel, que están obteniendo importantes reconocimientos fuera de sus fronteras. Recordemos sino el caso de los también limeños Theremyn_4, agrupación de Música Electrónica que en estos momentos está compitiendo por el galardón de "Song of the Year" ("Canción del Año"), en el prestigioso John Lennon Songwriting Contest, tras haber ganado previamente el Session II Award y el Lennon Award en la categoría Electrónica de este certamen, auspiciado por la John Lennon Foundation.
StereonoiZ también cosechó un logro similar este año, al llevarse el pasado mes de Marzo el People's Voice Award en el International Songwriting Competition (ISC) 2011, siendo finalista además en las categorías Rock y Unsigned del mismo certamen, cuyo jurado estuvo integrado por renombrados artistas de la talla de Ozzy Osbourne, Simon Le Bon (Duran Duran), Robert Smith (The Cure), Tom Waits, Jeff Beck, Kelly Clarkson y Keane, entre otros.
El quinteto peruano de Indie/Alternative Rock, fundado en 2011 y conformado por Manu Carreras (voz), Bettine Solf (bajo), Dennis García (guitarra), Claudio Cabrera (guitarra) y Christopher Farfán (batería), acaba de presentar hace unos días el vídeo del tema "Someday you will know", dirigido por Pancho Tuesta y Sznak, con el que se presentaron al concurso el año pasado, y que formará parte de su primer EP, que está en etapas finales de producción, y que ha sido mezclado en New York por Mark Needham y masterizado en Los Angeles por Joe Laporta. Según anuncia la banda, este EP será editado de manera oficial durante el segundo semestre de 2012.
Los invitamos pues a conocer la excelente propuesta musical de StereonoiZ, a quienes pueden seguir a través de sus páginas en Facebook, MySpace y Reverbnation.
"Viento" fue una de las primeras canciones que conocimos de los mexicanos Caifanes y que, como buenos seguidores de los ingleses The Cure, nos llamó inmediatamente la atención, debido a su look y su sonido, plagado de atmósferas que refieren al instante a la banda encabezada por Robert Smith. Por ello, desde entonces (y hasta el día de hoy) nos convertimos en sus fans, siguiendo toda su carrera. Según escuchamos alguna vez por ahí, el término "Caifán" (utilizado en México para referirse a un "carnal" o "amigo"), proviene de una deformación de la frase "Me caes fine" ("Me caes bien").
Esta excelente canción formó parte de su primer álbum oficial, llamado simplemente "Caifanes", que fuera publicado en Agosto de 1988 por RCA y Sony Music, con la producción de Óscar López. Para entonces, el grupo ya se había consolidado como un cuarteto conformado por Saúl Hernández (voz/guitarra), Salvador "Sabo" Romo (bajo), Diego Herrera (teclados) y Alfonso André (batería).
"Cuéntame tu vida", "Mátenme porque me muero", "Nunca me voy a transformar en tí", "La bestia humana" (con el aporte del argentino Gustavo Cerati en guitarra) y "Nada" (en la que el también argentino Gerardo "Cachorro" López tocó la Chapman stick guitar), fueron varios de los temas destacados en este disco, junto a "Viento".
Posteriormente, en 1993, se publicó una reedición en disco compacto del álbum "Caifanes", en la que se añadieron 2 temas ("La negra Tomasa" y "Perdí mi ojo de venado"), que formaron parte del EP "La Negra Tomasa", lanzado también en 1988, meses después del disco en el que nos enfocamos hoy. Para alegría de quienes admiramos su música, Caifanes decidió volver como grupo en Abril de 2011 (tras estar separados desde 1995), realizando una exitosa gira por México y Estados Unidos, la misma que culminó el pasado 22 de Junio, en el Auditorio Nacional del Distrito Federal de la Ciudad de México.
Electrónica y Alternative Rock, son los géneros sobre los cuáles gira prioritariamente la propuesta sonora de Soulsavers (también conocidos como The Soulsavers Soundsystem), un combo británico fundado en 2000 por los productores y músicos Rich Machin e Ian Glover, quienes además suman a su trabajo compositivo elementos de Soul, Gospel y hasta Country Music.
Su primer disco se publicó en 2003 bajo el título de "Tough Guys Don't Dance", a través del sello San Quentin Recordings, contando con la colaboración vocal de Josh Harden, miembro de la banda estadounidense Spain (en los tracks "Love", "Down so low" y "Precious time"). Cuatro años más tarde, la dupla lanzó un nuevo álbum, "It's Not How Far You Fall, It's The Way You Land", editado en los Estados Unidos por Columbia/Red Ink Records, y en el Reino Unido por V2 Records, siempre con Machin y Glover en la producción musical. Para entonces, el cantante norteamericano Mark Lanegan (ex-integrante de Screaming Trees y Queens of the Stone Age) ya se había incorporado como tercer miembro del grupo, encargándose de interpretar la mayoría de las canciones, en las que colaboraron también otros artistas como P.W. Long, Bonnie "Prince" Billy, Richard Warren y Jimi Goodwin (de Doves). Este disco tuvo como sencillos a "Revival" y "Kingdoms of rain".
"Broken" (V2/Columbia Records, 2009) fue la tercera entrega discográfica de Soulsavers, siempre con Mark Lanegan como cantante principal, aunque participaron también Mike Patton (de Faith No More), Jason Pierce (de Spiritualized y Spacemen 3), Richard Hawley (de Longpips y Pulp) y Gibby Haynes (de Butthole Surfers). "Sunrise", "Death bells", "Unbalanced pieces" y "Some misunderstanding" son algunos de sus temas más destacados.
En esta ocasión, les traemos la canción "Longest day", incluída en el más reciente álbum de los británicos, "The Light The Dead See" (V2/Mute Records, 2012), en donde Mark Lanegan cedió su lugar como cantante principal a Dave Gahan (frontman de los conocidos Depeche Mode), quien escribió todas las letras en el disco. Su primer single de promoción ha sido la balada "Longest day" (en la que Gahan imprime un tono lánguido a su interpretación), que fue seguido por "Take me back home". La mejor colocación obtenida por Soulsavers con este trabajo ha sido, hasta la fecha, el lugar #12 del German Albums Chart.
Blaqk Audio es un proyecto paralelo de Synth-Pop/Electronica/Electronic Body Music creado por David Paden Marchand (aka Davey Havok, voz) y Jade Puget (teclados/sintetizadores/coros). Ambos forman parte también de AFI (A Fire Inside), conocida banda de Alternative Rock de Ukiah, California, existente desde 1991, en la que Havok se desempeña como cantante y Puget como guitarrista.
Aunque la idea de crear Blaqk Audio nació en 2001, ambos integrantes no pudieron enfocarse en él debido a sus múltiples obligaciones con AFI. Fue recién en 2006, que decidieron hacerse un tiempo para darle forma a las canciones que formarían parte de este nuevo proyecto, que se plasmaron en un primer álbum llamado "CexCells", que fue editado por Interscope Records en Agosto de 2007, con Jade Puget como productor musical. Este disco recibió rápidamente una gran aceptación en los Estados Unidos, ubicándose a la cabeza del Top Electronic Albums Chart de la prestigiosa revista Billboard.
Fueron 12 temas los que conformaban el "CexCells", entre los que se encuentran "Snuff on digital", "Bitter for sweet", "Between breaths (An XX perspective) y "The love letter". Algunos fragmentos de estas 2 últimas canciones fueron utilizadas en el trailer de la versión de 2008 de la película de terror "The Eye" (dirigida por David Moreau y Xavier Palud), que fue un remake del largometraje "Gin Gwai" (también conocido como "Seeing Ghosts"), dirigida en 2002 por los gemelos Danny Pang Phat y Oxide Pang Chun, oriundos de Hong Kong y usualmente llamados "The Pang Brothers". También se incluyeron en este álbum 6 bonus tracks, entre los que se encuentra un cover de "Girls & boys", de los británicos Blur.
Otro de los tracks que resaltan en este primer disco de Blaqk Audio fue "Stiff kittens", cuyo nombre hace referencia a uno de los nombres barajados en un principio para la hoy mítica banda inglesa que más adelante haría historia siendo conocida a nivel mundial como Joy Division. El vídeoclip de esta canción fue dirigido por Marc Webb, quien previamente había realizado 4 clips para AFI. Sin embargo, este vídeo nunca fue publicado, debido a que, según declaraciones del propio Davey Havok, éste no satisfizo sus expectativas, por lo que no fue terminado.
Reconocido a nivel mundial como cantante/músico español, a pesar de haber nacido en Caracas, Venezuela, en Febrero de 1965, Mikel Erentxun ganó fama en el ambiente musical gracias a su participación (entre 1984 y 2001) en la prestigiosa banda vasca Duncan Dhu, junto a Diego Vasallo y Juan Ramón Viles.
Sin embargo, aún como parte de aquella banda, Erentxun comenzó en paralelo con una carrera solista, que tuvo su primer fruto en 1992, con el disco "Naufragios", producido por Colin Farley y editado por Warner Music, en el que destacaron canciones como "A un minuto de tí" y "Esta luz nunca se apagará", un cover en español del clásico "There is a light that never goes out", de los ingleses The Smiths.
Su segundo trabajo en solitario sería "El Abrazo Del Erizo" (Warner Music, 1995), nuevamente con Colin Farley en la producción musical. En este disco, Erentxun contó con la colaboración de su gran amigo, el también cantante español Miguel Bosé, con quien compuso e interpretó a dúo la canción "Levanto el vuelo", así como de su hermana Leire, en el tema "Ahora sé que estás".
Otras composiciones destacables en "El Abrazo Del Erizo" son "De espaldas a mí" y "Suelta las riendas de mi corazón", canción en la que se nota cierto aire similar a su trabajo con Duncan Dhu, siempre influenciado por el Pop británico. Este álbum fue grabado íntegramente en Londres, Inglaterra, llegando a vender más de 80,000 copias solamente en la Península Ibérica. Mikel Erentxun sigue hoy en actividad, con varios trabajos discográficos más, tanto en estudio como en vivo, habiendo expandido su legión de seguidores a lo largo de toda Latinoamérica.
Nos complace presentarles en esta ocasión a otra interesante agrupación de Lima, Perú, cultora de un peculiar y muy interesante estilo musical que combina el Folk Rock y el Indie: Humanimals.
Adele Fournet (voz/teclado), Sebastián Apolinario (bajo), Felipe Wurst (guitarra/voz) y Bruno Sánchez (batería/percusión), son las cuatro aristas que conforman este combo "experiMENTAL", como ellos mismos se definen, que al escucharlo nos ha sorprendido gratamente por la frescura de su propuesta.
Como la gran mayoría de grupos nuevos, los Humanimals han sabido promocionar su trabajo gracias a páginas como Soundcloud y Facebook, manteniendo constantemente informados a sus seguidores, que han ido incrementándose de manera exponencial, de sus actividades y presentaciones. Para quienes hemos tenido la oportunidad de verlos en vivo, la experiencia ha sido enormemente gratificante, gracias al carisma y simpatía de su vocalista Adele Fournet, bien complementada por una sólida base instrumental ejecutada por Apolinario, Wurst y Sánchez.
El pasado 29 de Junio, Humanimals realizó un concierto de despedida en su país, debido a que han decidido mudarse a Nueva York para buscar nuevas oportunidades para mostrar y promocionar su trabajo. Les deseamos la mejor de las suertes, y estamos seguros de que su talento les seguirá dando dividendos en el futuro cercano. A continuación, los dejamos con esta versión en vivo de su tema "Like you like", registrado este año en el Café La Máquina del distrito limeño de Miraflores, gracias a la encomiable iniciativa del colectivo Barrio Beat, que también les recomendamos seguir si quieren estar al tanto de las novedades en la creciente escena musical independiente peruana. Que lo disfruten!
Volvemos a recordar hoy a la banda galesa de los hermanos Jay y Michael Aston, Gene Loves Jezebel, de quienes ya hemos posteado anteriormente una reseña y el vídeo del tema "The motion of love".
"Desire (Come and get it)" fue lanzado inicialmente en 1985 como un single, por los sellos Situation Two (Reino Unido) y Relativity Records (Estados Unidos), acompañado de otras dos canciones: "Flame" y "The inmigrant". Un año más tarde, este tema compuesto por Jay Aston, que escaló hasta el puesto #4 del UK Indie Chart, formó parte del disco "Discover" (Beggar's Banquet/Geffen Records), el tercero de la discografía de Gene Loves Jezebel, después de "Promise" (1983) e "Inmigrant" (1985).
Otras composiciones que merecen ser escuchadas en el álbum "Discover", que llegó al lugar #32 del UK Albums Chart, son "Heartache", "Wait and see", "Brand new moon" y "Beyond doubt", que mantenían las influencias del Glam Rock y Gothic Rock que caracterizaban al sonido de esta banda, que poco después de este lanzamiento incorporó a su alineación al antiguo baterista de Thompson Twins y Spear of Destiny, Chris Bell, quien reemplazó a James Chater.
Como dijimos en nuestro anterior post sobre ellos, en el presente la banda se encuentra dividida en 2 mitades, cada una de ellas encabezada por uno de los distanciados hermanos Aston, bajo los nombres de Jay Aston's Gene Loves Jezebel y Michael Aston's Gene Loves Jezebel. En fin, cosas entre hermanos.
En nuestra modesta opinión, The Smashing Pumpkins fue una de las mejores bandas estadounidenses de Alternative Rock surgidas en el último cuarto del siglo anterior. Formados en 1988 en Chicago, Illinois, el grupo tuvo un receso en su historia (entre los años 2000 y 2005), tras el cual retomaron su actividad musical, siempre encabezados por su cantante y guitarrista William "Billy" Corgan.
En sus inicios, la formación de la banda se completaba con D'arcy Elizabeth Wretzky (bajo/coros), James Yoshinobu Iha (guitarra/coros) y James "Jimmy" Chamberlin (batería/percusión). Antes de fundar el grupo, Billy Corgan había integrado otro grupo de Gothic Rock llamado The Marked. El primer disco de The Smashing Pumpkins fue "Gish" (1991), publicado por Caroline Records bajo la producción de Bryan "Butch" Vig (responsable también del celebrado "Nevermind" de Nirvana, y posteriormente baterista fundador de Garbage).
Su segunda entrega discográfica, el recordado "Siamese Dream" (Virgin Records, 1993), fue también co-producido por Butch Vig y Billy Corgan, en el que se incluyen excelentes canciones como "Cherub rock", "Quiet", "Today", "Disarm" o "Rocket". Su status de grupo de primer nivel se consolidó con "Mellon Collie And The Infinite Sadness" (Virgin Records, 1995), CD doble que contó con Alan Moulder, Mark "Flood" Ellis y Billy Corgan como productores musicales. Este trabajo, compuesto por 28 canciones, llegó a ser #1 en Australia, Nueva Zelanda, Suecia y los Estados Unidos, con más de 7 millones de copias vendidas ese año.
"Tonight, tonight", "Zero" o "Bullet with butterfly wings" son varios de los surcos sobresalientes de este álbum doble, del que hoy les traemos el vídeoclip de "1979" (dirigido por Jonathan Dayton y Valerie Faris), una excelente canción escrita por Billy Corgan, que lideró el Mainstream Rock Tracks Chart y el Modern Rock Tracks Chart de la revista Billboard, ganando además un MTV Video Music Award como Mejor Vídeo Alternativo. Más adelante seguiremos hablando de esta gran banda, pero mientras tanto, esperamos que disfruten de este buen vídeo, considerado por el propio Corgan como el mejor de todos los realizados por The Smashing Pumpkins hasta la fecha.
Conocida por los apelativos de "The First Lady of Song", "The Queen of Jazz" o "Lady Ella", Ella Jane Fitzgerald fue una de las voces más importantes en la historia del Jazz. Nacida un 25 de Abril de 1917 en Newport News, Virginia, durante sus niñez soñaba con ser bailarina, hasta que empezó a oír en su casa discos de Louis Armstrong y Bing Crosby, quedando hipnotizada por aquella música. Tras la muerte de su madre (Temperance "Tempie" Fitzgerald) en 1932, cuando ambas vivían ya en New York con el entonces novio de Tempie (Joseph Da Silva), la vida de Ella comenzó a tener varios capítulos oscuros: primero dejó la escuela, luego fue violada por su padrastro, más tarde trabajó para algunos mafiosos, siendo capturada por la policía y enviada en un principio al Colored Orphan Asylum en el barrio neoyorkino del Bronx, siendo trasladada posteriormente al reformatorio New York Training School for Girls, del cuál se escapó, viviendo en la calle por un tiempo.
El 17 de Noviembre de 1934, Ella Fitzgerald tuvo un curioso debut en los escenarios: se presentó a un concurso de nuevos talentos en el Apollo Theater de Harlem, New York, con la idea de salir a a bailar, pero luego de ver a otras concursantes, llamadas The Edwards Sisters, y sentirse intimidada por la calidad del baile de ellas, decidió a último momento no bailar y cantar un par de canciones, interpretando los temas "Judy" y "The object of my affection", de una de sus artistas preferidas, Connee Boswell, miembro de The Boswell Sisters. Gracias a su impecable presentación, Fitzgerald ganó el concurso, recibiendo un premio pecuniario de 25 dólares. Fue así que comenzó su brillante carrera como cantante, que la llevaría a convertirse en toda una leyenda en el mundo del Jazz, ganando 14 Grammy Awards, además de otros innumerables galardones, que incluyen una estatua de bronce ubicada en el barrio de Yonkers, realizado por el artista Vinnie Bagwell.
Hoy queremos recordar a esta gran cantante con su magistral interpretación de "Summertime", una aria compuesta por el pianista estadounidense George Gershwin y su hermano Ira, para la ópera "Porgy & Bess" (1935). Ella Fitzgerald grabó este tema en 1957, junto al también legendario trompetista Louis "Satchmo" Armstrong, en un álbum que fue producido por Norman Granz y en el que también colaboraron Paul Smith (piano) y Alvin Stoller (batería), siendo una de las versiones más famosas de este conocido Jazz Standard.
La versión en vivo que pueden apreciar a continuación corresponde a una presentación de Ella Fitzgerald realizada en Berlín, Alemania, en 1968, junto a The Tee Carson Trio, encabezado por el pianista Donald Tecumseh "Tee" Carson, quien también acompañó por mucho tiempo a la orquesta de William "Count" Basie, otros nombres notables de la historia del Jazz. Finalmente, recordaremos que "La Reina del Jazz" falleció a los 79 años de edad, el 15 de Junio de 1996, en la lujosa zona de Beverly Hills, California.
Teniendo como lugar de origen a la ciudad de Hanna, Canadá, Nickelback se formó en 1995 bajo el nombre inicial de Village Idiots, estando integrada entonces por Chad Kroeger (voz/guitarra), Mike Kroeger (bajo), Ryan Peake (guitarra/coros) y Brandon Kroeger (batería). El cambio de nombre, por el de Nickelback, surgió debido a que Mike Kroeger trabajaba en un local de la cadena de cafeterías Starbucks, en la que usualmente entregaba monedas canadienses de 5 centavos (llamadas comúnmente "nickels") como cambio a los clientes, diciéndoles la frase "Here's your nickel back" ("Aquí tiene su nickel").
En Febrero de 1996, el cuarteto publicó su primer EP de manera independiente, llamado "Hesher", cuyo presupuesto fue costeado con un préstamo de 4000 dólares canadienses que el padrastro de Chad Kroeger prestó al grupo. Dos meses más tarde, bajo la producción de Larry Anschell, Nickelback lanzó "Curb", su disco debut. Al año siguiente, Brandon Kroeger dejó al grupo, siendo reemplazado sucesivamente por Mitch Guindon y Ryan Vikedal. A lo largo de los años, esta agrupación se ha convertido en uno de los mayores referentes del Alternative Rock de su país, habiendo editado 6 álbumes más en estudio, todos con el sello Roadrunner Records: "The State" (1998), "Silver Side Up" (2001), "The Long Road" (2003), "All The Right Reasons" (2005), "Dark Horse" (2008) y "Here And Now" (2011).
Desde 2005, Daniel Aldair (ex-miembro de 3 Doors Down) ha ocupado la posición de baterista de Nickelback, encargándose además de los coros. El palmarés de los canadienses incluye 2 American Music Awards, 6 Billboard Music Awards, 12 Juno Awards, 7 MuchMusic Video Awards, 1 MTV Video Music Award, 1 World Music Award, 1 Record of the Year Award y 1 People's Choice Award.
"Photograph", canción que posteamos hoy, pertenece al álbum "All The Right Reasons", co-producido por el grupo junto a Joey Moi, y ya con Daniel Aldair en la formación. Este disco fue #1 en los rankings de Estados Unidos, Nueva Zelanda, Canadá y el Reino Unido, con más de 11 millones de copias vendidas a nivel mundial, mientras que el tema consiguió lo propio al liderar el Canadian Singles Chart, el UK Rock Chart y El US Hot Mainstream Rock Tracks Chart de la Billboard. El vídeoclip, dirigido por Nigel Dick, fue filmado en la ciudad natal del grupo, recorriendo lugares que forman parte de la historia previa de los miembros del grupo, como su escuela secundaria, llamada Hanna High School.
Desde 1967 hasta hoy, el bajista, guitarrista y cantante inglés Michael Crawford Rutherford, conocido en el ambiente musical como Mike Rutherford, ha formado parte de Genesis, una de las bandas más emblemáticas del Progressive Rock. Sin embargo, en esta oportunidad queremos enfocarnos en otro de los proyectos de Rutherford, llamado Mike + The Mechanics. Este "supergrupo" fue fundado por Rutherford en 1985 en Londres, Inglaterra, junto a los cantantes Paul Carrack y Paul Young, el tecladista Adrian Lee y el baterista Peter Van Hooke. Un año más tarde, la formación se completó con la incorporación de Ashley Mulford, quien compartió los roles de bajista y guitarrista con Rutherford.
El primer álbum homónimo de Mike + The Mechanics se editó en Octubre de 1985, por los sellos Atlantic/WEA, siendo el primero de los 7 publicados por el grupo hasta la fecha. Este trabajo fue producido por Christopher Neil (quien además colaboró grabando algunos coros), llegando hasta la posición #9 del German Albums Chart, #10 del Canadian Albums Chart y #26 del Billboard 200 Chart, gracias a muy buenos temas como "Silent running (On a dangerous ground)", interpretado por Paul Carrack, y "Taken in", con Paul Young como vocalista principal.
Otra de las canciones memorables de este disco es "All I need is a miracle", tema compuesto por Mike Rutherford y Christopher Neil, también cantado por Paul Young (quien falleció el 5 de Julio de 2000 debido a un ataque cardíaco). Esta canción encabezó el IRMA Singles Chart de Irlanda, mientras que en los Estados Unidos llegó hasta el #5 Hot 100 Singles Chart de Billboard. El vídeo de "All I need is a miracle" fue concebido como la continuación del clip del primer single, "Silent running (On a dangerous ground)", y cuenta con las actuaciones de los actores británicos Roy Kinnear (como el Tour Manager de la banda) y de Vittorio Spinetti (como el dueño del local donde están tocando).
Cabe mencionar que este grupo tuvo una pausa entre los años 2004 y 2010. Mike Rutheford sigue al frente de Mike + The Mechanics en la actualidad (en paralelo a su trabajo con Genesis), acompañado por una nueva formación integrada por Andrew Roachford (voz/teclados), Tim Howar (voz), Anthony Drennan (guitarra/bajo), Like Juby (teclados/bajo/saxofón/coros) y Gary Wallis (batería).
En un post anterior, ya habíamos reseñado los inicios de la historia de La Ley, una de las mejores bandas surgidas de Chile en las últimas décadas. Hoy, continuaremos hablando de su trayectoria.
Tras haber editado 3 álbumes en estudio: "Desiertos" (1989), "Doble Opuesto" (1991) y "La Ley" (1993), el grupo fue invitado por primera vez a presentarse en el prestigioso Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, tras lo cuál realizan sus primeras presentaciones en México, país en el cuál tendrían una gran recepción. Lamentablemente, La Ley sufrió un durísimo golpe en la madrugada del 10 de Abril de 1994. Esa noche, tras haber tocado en un concierto a beneficio de la hija de un jugador de fútbol del equipo chileno Club Deportivo Palestino, el guitarrista Andrés Bobe perdió el control de su motocicleta, mientras transitaba por el barrio santiaguino de La Reina, sufriendo un grave golpe en la cabeza, que le produjo la muerte en pocos minutos.
Tras asimilar la tragedia y guardar luto por un tiempo, el resto de los integrantes del grupo, es decir, Luis Alberto "Beto" Cuevas (voz), Luciano Rojas (bajo/teclados) y Mauricio Clavería (batería/secuencias), decidieron continuar con la trayectoria de La Ley, incorporando de manera oficial al guitarrista Pedro Frugone, quien ya había estado colaborando con ellos como invitado mientras Andrés Bobe estaba en vida. Ese mismo año, otro de los miembros fundadores, el tecladista Rodrigo "Coti" Aboitiz, quien se había alejado en 1987, decide reincorporarse a la formación.
Esta alineación dió vida al cuarto álbum en estudio de La Ley, "Invisible", editado por Warner Music en 1995, un disco que terminó de consolidar a la banda en toda Latinoamérica, gracias a sus excelentes canciones plagadas de atmósferas que remitían al New Wave, Post-Punk, e incluso al Gothic Rock de lo 80's. "Cielo market", "Animal", "R+R", "El duelo y "1-800 dual" (estas 2 últimas co-escritas por Andrés Bobe) son algunos de esos buenos temas, pero nosotros nos quedamos con "Día cero", compuesto de Beto Cuevas y Rodrigo Aboitiz, que es un track lleno de sensualidad, en el que Pedro Frugone demostró estar a la altura para cubrir el lugar dejado por Bobe, uno de los mejores guitarristas chilenos de su generación.
"Cementerio Club" fue un tema perteneciente al álbum "Artaud", editado en 1973 por el músico argentino Luis Alberto "El Flaco" Spinetta, aunque muchos atribuyen el disco a la banda Pescado Rabioso, que integró Spinetta entre 1971 y 1973. El nombre de dicha canción fue empleado en 1996 por José Arbulú (voz/bajo), Pedro Solano (voz/guitarra) y Luis Callirgos (batería) cuando decidieron fundar un nuevo proyecto musical en Lima, Perú, del cuál hablaremos en el post de hoy.
Arbulú venía de integrar los grupos Cadena Perpetua y Los Vagabundos, mientras que Solano y Callirgos habían hecho lo propio en Los Pollos. Para su primer demo, editado en formato cassette en 1997, el trío contó con el apoyo de la también cantante peruana Caroline Cruz. Un año más tarde, los Cementerio Club dieron luz verde a su primer disco oficial homónimo en estudio, publicado por Frontera Records, en el que destacaron temas como "Barco viejo", "El río", "Ella va" y "Tal vez mañana". También en 1998, el grupo incorporó a un nuevo miembro, el guitarrista Ricardo Solís.
"Cerca" (Lamparín Producciones, 2000) fue la segunda producción de la banda, bajo la producción del inglés Chris Miley, en el que participaron varios músicos invitados y del que recordamos el tema "Sometimes bonita". Ese mismo año, los Cementerio Club grabaron su primer disco en vivo, titulado "Una Crónica De Noches Desenchufadas Y Demos Solitarios", con versiones registradas en diversas presentaciones. Ya en 2003, llegaría su tercera placa discográfica, siempre con Lamparín Producciones, que se tituló "Vacaciones En Mediocielo", que fue producido por Rafo Arbulú (reconocido Ingeniero de Sonido peruano, hermano de José), y masterizado por Chris Blair en los míticos Abbey Road Studios de Londres, Inglaterra.
Uno de los mejores tracks de este disco fue "Inmortales", cuyo vídeoclip fue dirigido por Percy Céspedez, y que originó que el grupo se diera a conocer fuera de las fronteras de su país, llegando a hacerse merecedor de un MTV Video Music Award Latinoamérica en 2004, como Mejor Artista Nuevo - Región Central. La más reciente producción en estudio de Cementerio Club ha sido "Bailando En El Muladar" (Lamparín Producciones, 2007), del que les recomendamos oír la canción "Stereoman". En 2011, los miembros de la banda se tomaron un respiro, habiéndose reagrupado a inicios de 2012, para retomar el trabajo en conjunto, contando con el aporte de la tecladista Rocío Madueño, quien es hermana menor de otro gran artista peruano, Jorge "Pelo" Madueño.
Tras editar en 1987 su disco debut homónimo, el cantautor estadounidense Richard Noel Marx, nacido el 16 de Setiembre de 1963 en Chicago, Illinois, comenzó a forjar una exitosa carrera como solista en la industria musical. Sin embargo, en años anteriores su trayectoria había incluído ya varias participaciones haciendo coros en producciones de otros artistas de primer nivel como Lionel Richie, Madonna, Whitney Houston o Luther Vandross.
El segundo disco solista de Richard Marx se editó en 1989, por el sello Capitol Records, bajo el nombre de "Repeat Offender". Este trabajo, co-producido por Marx y David Cole, terminó de afianzar la carrera del cantante, llegando a encabezar el Billboard 200 Albums Chart y el Australian ARIA Albums Chart. Fueron 5 los singles de promoción del álbum: "Satisfied", "Right here waiting", "Angelia", "Too late to say goodbye" y "Children of the night". Los dos primeros ocuparon el puesto #1 en los rankings de Billboard, mientras que los otros 3 llegaron a ubicarse dentro del Top 15 dela misma publicación.
Hoy repasamos el tema "Angelia", una excelente balada, que fue #2 del US Adult Contemporary Chart y #4 del Hot 100 Chart de la Billboard, gracias a su elegante sonido, en donde sobresalen las guitarras y ese típico efecto de reverberación en la tarola, tan característico en el Pop Rock la década de los 80's. Junto a Marx (encargado de la voz), participaron en la grabación de esta canción Jim Cliff (bajo), Michael Landau (guitarra), Bruce Gaitsch (guitarra), C.J. Vanston (teclados), Marc Russo (saxofón) y Prairie Prince (batería).
Richard Marx sigue activo en la escena musical hasta el día de hoy, habiendo editado 7 álbumes más en estudio después del "Repeat Offender", siendo el más reciente de ellos el disco "Sundown" (Zanzibar Records, 2008). A inicios del mes pasado, este artista acaba de publicar un nuevo compilatorio (el noveno en su discografía) a través de Frontier Records, llamado "Inside My Head", en el cuál se encuentra el sencillo "Wouldn't let me love you".
Will Daunt (voz/guitarra), Iain Lock (bajo), Dom Millard (teclados), Henry Walton (guitarra) y Guy Henderson (batería) son los 5 integrantes de Zulu Winter, banda de Indie Rock con tintes de Post-Punk formada en 2011 en Londres, Inglaterra, que queremos presentarles hoy en el blog.
Tras presentar en Noviembre del año pasado su primer single, "Never leave", lanzado por el sello independiente británico Double Denim Records, fueron invitados por el discjockey Steve "Lammo" Lamarq a tocar en vivo para la estación BBC Radio 6 Music. Posteriormente, Zulu Winter pasó a formar parte del catálogo de artistas de sello belga Play It Again Sam Recordings, parte de [PIAS] Entertainment Group.
La banda continuó cosechando reconocimiento en su país con el lanzamiento de su segundo sencillo, "We should be swimming", en Febrero de 2012. Dicho tema fue elogiado por varios medios británicos, como la BBC Radio 1, Q Magazine y The Guardian, como una de las revelaciones musicales inglesas de comienzos de este año, por lo que fueron convocados por los ya consagrados Keane para abrir los conciertos de su gira UK Strangeland Tour.
En Marzo de este año, el quinteto londinense presentó "Silver tongue", su tercer single, que nuevamente encabezó las listas en la BBC Radio 1. Su esperado disco debut, "Language", editado por Play It Again Sam el pasado 14 de Mayo. Este álbum contiene 11 canciones, en el que destacan otros tracks como "Key to my heart", "Bitter moon", "You deserve better" o "People that you must remember".
Los dejamos pues con el vídeoclip de "We should be swimming", que fue dirigido por Abby Warrilow y Lewis Gourlay. Para más información sobre el grupo, los invitamos a visitar su página web oficial o su perfil en Facebook.
Después de habernos tomado una necesaria y reparadora semana de vacaciones, regresamos hoy con el blog, con buena música, como siempre!
Formados en 1977 en Río de Janeiro, Brasil, Os Paralamas do Sucesso es un renombrado trío que combina Reggae, Rock, Pop y Ska dentro de su amalgama musical, siendo sus integrantes iniciales: Herbert Lemos de Sousa Vianna (voz/guitarra), Felipe "Bi" de Nóbrega Ribeiro (bajo) y Vital Dias (batería/percusión). En 1982, João Alberto Barone Reis e Silva sustituyó a Dias en la posición de baterista, grabando el disco debut de Paralamas, "Cinema Mudo" (EMI, 1983), en el que la banda dedicó un tema a su antiguo miembro ("Vital e sua moto") y otro a la abuela de Ribeiro ("Vovó Ondina é gente fina"), quien les prestaba un espacio en su casa para los ensayos del grupo.
La discografía de Os Paralamas... continuó durante los 80's con los discos "O Passo Do Lui" (1984), "Selvagem?" (1986), "Bora Bora" (1988) y "Big Bang" (1989), siempre con EMI Records. Ya en la década de los 90's, el trío, consolidado como uno de los actos más importantes de Brasil, editó 4 álbumes más en estudio, además de 2 discos en vivo, siendo uno de ellos el "Vamo Batê Lata" (EMI, 1995), que fue producido por Carlos Savalla, vendiendo más de 900,000 copias en su país natal. Es este trabajo doble, se incluyeron 4 temas en estudio inéditos, siendo uno de ellos el que repasamos hoy, "Uma brasileira", que fue compuesto por Herbert Vianna y Djavan Caetano Viana, otro reconocido artista de Música Popular Brasileira (MPB). Gracias a esta canción, de la que también se hizo una versión en español, el grupo ganó ese año un MTV Video Music Award Brasil.
El 4 de Febrero de 2001, Herbert Vianna sufrió un grave accidente mientras piloteba un avión ultraliviano en la localidad de Andra dos Reis. En ese lamentable episodio, falleció la esposa de Vianna (Lucy), mientras el cantante estuvo en coma por 44 días, tras los cuales despertó con serias secuelas: quedó parapléjico y perdió algunas facultades mentales. Sin embargo, en una muestra de lucha y perseverancia, Herbert Vianna, ya en silla de ruedas, no dejó la música, recuperándose mental y emocionalmente de a pocos, y volviendo a los escenarios un año después del accidente. Hasta el día de hoy, Os Paralamas do Sucesso siguen en actividad, habiendo publicado su último disco en 2009, doceavo de su discografía en estudio, bajo el título de "Brasil Afora", del que se desprendieron los sencillos "A lhe esperar" y "Meu sonho".
