NACHA POP - Vístete (1987)

Esta vez hablaremos de Nacha Pop, otra de las bandas que formaron parte, en la España de finales de los 70's e inicios de los 80's, del importante movimiento contracultural que se conoció como la "Movida Madrileña", escena que congregó en lo musical a agrupaciones como Kaka de Luxe, Radio Futura, La Mode, El Aviador y sus Obreros Especializados, Gabinete Caligari, Flash Strato, Alaska y los Pegamoides, Alaska y Dinarama, etc.

Nacha Pop se formó en 1978, tras la disolución de un grupo previo llamado Uhu Helicopter, y tomando el nombre de una estación de radio italiana. Sus integrantes iniciales fueron Antonio Vega (voz/guitarra), su primo Ignacio "Nacho" García Vega (voz/guitarra), Carlos Brooking (bajo) y Ñete (batería). El grupo capturó rápidamente la atención en su país, al punto que al año siguiente fueron invitados a telonear a Siouxsie and the Banshees en el Teatro Barceló de Madrid, para publicar en 1980 su disco debut homónimo, producido por Teddy Bautista para los sellos Hispavox y EMI, en donde sobresalen los temas "Chica de ayer", "Antes de que salga el sol" y "Miedo al terror". Su segundo álbum llegaría dos años después, titulado "Buena Disposición", producido por ellos mismos, incluyendo canciones como "Alta tensión" o "Reflejo de tí".

Para 1983, los Nacha Pop firman con el sello DRO, editando "Más Números, Otras Letras" en 1983 y el Maxi-Single "Una Décima de Segundo" en 1984. Su relación con DRO duraría muy poco, ya que en 1985 pasaron a las filas de Polydor, con quienes publican "Dibujos Animados", su cuarto disco, que además fue el último con Ñete en la batería, quien sería sustituído por Sergio Castillo. Su último trabajo en estudio sería "El Momento" (Polydor, 1987), producido por Carlos Narea, en donde se halla el inolvidable tema "Vístete", con uno de los vídeos más divertidos que recordamos de aquellas épocas, que pueden recordar más abajo.

Debido a un fuerte desgaste en la relación interpersonal entre los primos Antonio y Nacho, la historia de Nacha Pop llegó a su fin en Octubre de 1988, tras realizar dos conciertos de despedida en la Sala Jácara de Madrid, que quedaron registrados en el disco en vivo "Nacha Pop: 80-88", que fue el disco más vendido de su carrera. Fue recién en Mayo de 2007 que Nacha Pop, o mejor dicho, Antonio Vega y Nacho García Vega (junto a varios músicos invitados) vuelven para hacer una gira en España, que dió origen al disco en vivo "Tour 80-08: Reiniciando". Antonio Vega falleció en Mayo de 2009 debido a un cáncer de pulmón, y en Abril de 2010, los restantes miembros originales de Nacha Pop (Nacho García Vega, Carlos Brooking y Ñete) se unieron para hacerle un concierto-homenaje en el Palacio de los Deportes de Madrid.

CURVE - Faît accompli (1992)

Para comenzar bien la semana, que mejor que escuchar y recordar a esta gran banda de Alternative Rock, antecedente directo del sonido que años después heredaron otros grupos como Garbage: Curve.

Esta buenísima banda británica estuvo conformada por la cantante y compositora Toni Halliday y por el bajista, guitarrista y programador Dean García, quienes se conocieron a través de Dave Stewart de Eurythmics, debido a que García había colaborado con aquella agrupación entre 1983 y 1984. Fue entonces, a mediados de los 80's, que García y Halliday comenzaron a trabajar juntos, formando entonces un proyecto llamado State of Play, que no duró mucho tiempo. Tras separarse por varios años, ambos se reencontraron a inicios de los 90's para formar Curve, editando en 1991 varios EPs: "Blindfold", "Frozen" y "Cherry", con el sello Anxious Records, de propiedad de Dave Stewart.

En Marzo de 1992, Curve publicaría con Anxious Records su disco debut, el recordado "Doppelgänger", que fue producido junto a Mark Ellis (aka Flood), uno de nuestros productores favoritos, responsable también de otros discos memorables de New Order, Depeche Mode, Nitzer Ebb, U2, The Smashing Pumpkins, Placebo, The Charlatans, The Jesus and Mary Chain y un larguísimo etcétera. Para la grabación del "Doppelgänger", Halliday y García contaron con el apoyo de músicos como Debbie Smith, Alex Mitchell y Alan Moulder en guitarras, así como el de Steve Monti en batería. Este disco fue #11 del UK Albums Chart ese año, gracias a excelentes canciones que combinaban la fuerza del Alternative Rock con capas de guitarras con un sonido Shoegaze, corononadas por la voz de la carismática Toni Halliday.

Como dijimos en un principio, el legado sonoro de Curve fue heredado por otros artistas como Garbage (que recién se formó en 1994). Tristemente, tras haber editado 5 discos en total, Curve se desarmó en 2005, cuando Halliday decidió continuar en solitario, habiendo creado en 2008 un proyecto bajo el nombre de Chatelaine. Por su parte, Dean García ha formado parte de múltiples proyectos, entre los que resaltan KGC (junto a Sascha Konietzko y Lucia Cifarelli de KMFDM), y SPC ECO (banda que ya reseñamos en un post anterior). Disfruten a continuación de esta gran canción, "Faît accompli".

SIMPLY RED - Stars (1991)

Hace un par de meses teníamos pendiente hacer un post de esta extraordinaria banda británica de Soul, Jazz, New Wave y Rhtyhm & Blues, que lamentablemente puso fin a su carrera en 2010, siempre liderada por su gran vocalista Mick Hucknall: Simply Red.

El nacimiento de esta banda se gestó en uno de los conciertos más trascendentes en la historia de Inglaterra. El 4 de Junio de 1976, en el Lesser Free Trade Hall de la ciudad de Manchester, los Sex Pistols realizaron un concierto, al que asisitieron, entre otros, Mick Hucknall, y varios futuros miembros de otras bandas que más adelante marcarían historia en el Rock británico y mundial: The Fall, Joy Division, The Smiths, New Order, y Buzzcocks. Este concierto ha sido mencionado en varios documentales y películas, entre los cuáles están "24 Party People" (película dirigida en 2002 por Michael Winterbottom, que narra la historia del ya mítico sello Factory Records y de la célebre discoteca The Hacienda), y "Control" (película sobre la historia de Joy Division, dirigida en 2007 por Anton Corbijn). Al año siguiente, Hucknall formaría una banda de Punk llamada The Frantic Elevators, que duraría hasta 1984.

A comienzos de 1985, tras el desmembramiento de The Frantic Elevators, Mick Hucknall y el manager Elliot Rashman decidieron armar otra banda, a la que denominaron Red (debido al color de pelo de Hucknall). Antes de una presentación en vivo, el cantante le dijo al dueño del local que el nombre de la banda era "Red, simply red" ("Rojo, simplemente rojo"). Debido a la confusión, el dueño del local puso en los afiches el nombre de "Simply Red", y sin darse cuenta, re-bautizó a la banda, que decidió mantener esa denominación. La formación original de Simply Red estuvo formada, además de Hucknall en la voz, por David Fryman (guitarra), Ton Bowers (bajo), Fritz McIntyre (teclados), Tim Kellett (vientos) y Chris Joyce (batería).

La canción que posteamos hoy, "Stars", dió nombre al cuarto disco de Simply Red, publicado en Setiembre de 1991 por East/West Records, con la producción de Stewart Levine, alcanzo la cima del UK Albums Chart y del Austrian Albums Chart, obteniendo 7 Discos de Platino en el Reino Unido (siendo el único álbum que logró las mayores ventas durante dos años seguidos en ese país), y Discos de Oro en los Estados Unidos, Canadá y Alemania, gracias a canciones de altísima calidad como "Something got me started", "For your babies" o "Your mirror". "Stars" fue #8 en el UK Singles Chart y en el US Billboard Hot Adult Contemporary Tracks Chart, en el que se puede apreciar la enorme calidad instrumental de la banda, y la impecable voz del pelirrojo Mick Hucknall.

PHANTOGRAM - When I'm small (2009)

Compartimos con ustedes otro grato descubrimiento reciente para nosotros: Phantogram.

Combinando bases rítmicas que remiten al Trip-Hop, con un tratamiento vocal que sugiere atmósferas del Dream Pop, este dúo se formó oficialmente en el año 2007, en Greenwich, Nueva York. Sus integrantes, amigos desde la secundaria, son Sarah Barthel (voz/teclados) y Josh Carter (guitarra), quienes tomaron en un principio el nombre de Charlie Everywhere, firmando un contrato para el sello independiente neoyorkino Sub-Bombin Records. Previamente, Josh Carter había formado parte de otra banda llamada Grand Habit, de corte más experimental, en donde también se incluía su hermano mayor John.

En Enero de 2009, Barthel y Carter se mudaron de casa discográfica, pasando a las filas del sello BBE, y decidiendo cambiar de nombre por el de Phantogram (una forma de ilusión óptica, en el que una imagen anamórfica en 2 dimensiones, vista desde un ángulo específico, puede dar la sensación de tridimensionalidad). En Mayo de ese año, el dúo editó su primer EP, que llevó por título "Running From The Cops", en el que se encontraban 2 versiones del tema que da su nombre, más los tracks "Bloody palms", "Voices", y "When I'm small", siendo éste último el tema que nos ha permitido descubrirlos y que nos ha cautivado por varios días. El vídeoclip que acompaña este post fue dirigido por Isaac Ravishankara.

Siempre en 2009, Phantogram publicó su disco debut, "Eyelid Movies", que en un principio fue lanzado por BBE, para ser re-editado en 2010 por Barsuk Records y Ghostly International. Este álbum está compuesto por 11 tracks, 3 de los cuáles provienen de su anterior EP ("When I'm small", "Running from the cops" y "Bloody palms"), a los que se suman 8 nuevas composiciones entre las que destacan "Mouthful of diamonds", "As far as I can see", "Futuristic casket" y "10,000 claps", recibiendo muy buenas críticas de publicaciones como Spin, Allmusic, Pitchfork Media y BBC Music. Desde finales de 2010, se les sumó en sus presentaciones en vivo el baterista Tim Oakley. Seguramente, oiremos más de ellos en el futuro, ya que han comenzado con el pie derecho su recorrido musical. Los invitamos a conocerlos, buen fin de semana para todos!

KAJAGOOGOO - Too shy (1983)

Comienza un nuevo fin de semana. Lo recibimos en el blog recordando otro gran tema de los 80's, a cargo de Kajagoogoo, una de esas bandas que siempre agrada volver a escuchar. Sus orígenes datan de 1979, primero bajo el nombre de Art Nouveau, nombre con el que Nick Beggs (bajo), Steve Askew (guitarra), Stuart Neale (teclados) y Jeremy "Jez" Strode (batería) comenzaron en la localidad de Buzzard, Inglaterra, a hacer música instrumental, editando un único sencillo llamado "The fear machine".

En 1981, Art Nouveau empezó la búsqueda de un vocalista, puesto que cayó en las manos de Christopher Hamill (quien tiempo despúes adoptaría el nombre artístico de Limahl, usando un acrónimo de su apellido). Así, Art Nouveau se convirtió en Kajagoogoo, firmando un contrato con EMI al año siguiente, y atrayendo la atención de Nick Rhodes, tecladista de Duran Duran, quien fue uno de los productores musicales del primer álbum de Kajagoogoo, titulado "White Feathers", que fue publicado en Abril de 1983. Los otros productores de ese trabajo fueron Colin Thurston y Tim Palmer. Este disco contenía 10 temas, la mayoría de ellos escrito por Nick Beggs y Limahl, en el que sobresalieron "Ohh to be ah" (#7 en el Reino Unido), "Hang on now" (#13), y la inolvidable "Too shy", canción que se ubicó en el primer lugar de los charts de Alemania y el Reino Unido, además de estar dentro del Top 5 en países como Austria, Noruega, Suecia y los Estados Unidos.

Esta canción convirtió a Kajagoogoo en un boom mediático, debido a la innegable calidad de sus arreglos, haciendo de ella un himno del New Wave y Pop Rock de la década de los 80's. Sin embargo, el éxito de la banda generó ciertas fricciones al interior del grupo, que terminaron con la salida (o para ser más claros, la expulsión) de Limahl de la formación a mediados de 1983, quien continuaría desde 1984 como solista, historia de la que hablaremos en una próxima publicación. Tras su salida de Kajagoogoo, el rol de cantante sería cubierto por el bajista Nick Beggs, y el grupo continuaría como cuarteto, lanzando dos discos más ("Islands" en 1984 y "Crazy Peoples Right To Speak" en 1985), hasta que "Jez" Strode también se separó del grupo en 1985, que se renombró como Kaja, desintegrándose en 1986.

Pasaron 17 largos años antes de que los 5 miembros originales olvidaran las discrepancias del pasado y aceptaran reunirse en 2003 para realizar una presentación en el programa "Bands Reunited", de la cadena estadounidense VH1. Esta reunión originó que Nick Beggs, Steve Askew y Stuart Neale decidieran grabar un nuevo disco de Kajagoogoo a finales de 2007, llamado "Gone To The Moon" (Spectra Records), que fue producido por Mark Downie. En Febrero de 2008, Limahl y "Jez" Strode decidieron aceptar una invitación de sus antiguos compañeros para reincorporarse a la banda, que en Mayo de 2011 presentó un nuevo sencillo, "Death defying headlines", el primero como quinteto tras 28 años.

DETACHMENTS - Audio video (2010)

Sebastien Marshal O'Malley (voz/guitarra/teclados), Max Moreau (bajo/guitarra), Jake Maun (guitarra) y Peter Dawson (batería), conforman esta otra muy recomendable banda del área de Archway, en Londres, Inglaterra, a la que se puede considerar dentro de géneros como el Post-Punk, New Wave, Synth-Pop y/o Electrónica.

La trayectoria musical de Detachments se inició en 2008, año en el que, tras ser fichados por el sello Thisisnotanexit Records, editaron su primer single, correspondiente al tema "Fear no fear", que fue considerado por Trevor Jackson, crítico musical del diario londinense The Times, como uno de los mejores sencillos de ese año. Fue tal la fascinación que causaron en Jackson, que fue él quien produciría sus dos siguientes singles, ambos publicados en 2009: "The flowers that fell" (considerado por las estaciones NME Radio y BBC Radio 1 entre los mejores temas de Abril de 2009) y "Messages".

Siempre por Thisisnotanexit Records, publicaron también en 2009 otro sencillo, ésta vez de la canción "Circles", producido por James Ford (miembro de Simian Mobile Disco), que tuvo como lado-B a "H.A.L.", que tuvo a Andrew Weatherall como productor. En su página de Facebook, esta banda cita como algunas de sus principales influencias a Cut Copy, Joy Division, Digitalism, The Cure, The Clash y New Order, lo que se nota rápidamente al escuchar sus composiciones, aspecto que no necesariamente es un defecto, cuando el resultado es tan atractivo.

El álbum debut homónimo de Detachments llegó finalmente en 2010. Este disco es un trabajo bastante sólido, conformado por 11 tracks, en que destaca ampliamente la canción "Audio video", cuyo vídeo, que fue dirigido por Hendrik Röhrs y Tobias Hentze, incluímos en este post. En él están también varios de sus singles previos, a los que se sumaron temas como "Holiday romance", "You never knew me" y "Art of viewing". En Agosto de 2010, el columnista Paul Lester, del diario The Manchester Guardian, los nominó como #1 en su lista de las mejores bandas nuevas del año. Un galardón bien merecido por estos londinenses, cuya calidad pueden corroborar por ustedes mismos a continuación, y de los que esperamos oír nuevo material pronto.

SOFT BALLET - Twist of love (1990)

Siempre con la intención de compartir con ustedes buenas bandas, hoy dedicamos el post de este miércoles a la banda de Synth-Pop, Industrial Rock y New Wave japonesa Soft Ballet, fundada en 1986 en el barrio de Shibuya (Tokyo) por Ken Morioka (teclados) y Ryoichi Endo (voz). Inicialmente, este grupo se llamó Volaju, pero tras la adición de Fuji Maki (teclados/guitarra), decidieron modificarlo por el de Soft Ballet, combinando los nombres de dos de las bandas favoritas de sus miembros: Soft Cell y Spandau Ballet.

En 1989 editaron su primer sencillo, "Body to body", con el sello independiente Taiyou Records. Poco después, pasaron a las filas de Alfa Records, publicando ese año su disco debut, llamado "Earth Born", trabajo que los hizo bastante populares en su país, con temas atractivos como "Ko ka ge mi", "Passing mountain", "Black ice" y "Hologram rose", que los llevó a ser conocidos como "los Depeche Mode japoneses". Un año más tarde, en 1990, Soft Ballet publicó su segundo disco, "Document" (Alfa Records), en donde volvieron a sorprender con buenas canciones como "Escape", "Private pride" y "Twist of love", que en este álbum se presentó en una versión acústica. La versión más dance que les mostramos hoy pertenece a "Alter Ego", un disco de remixes lanzado por los japoneses en 1992, que fue su último trabajo editado a través de Alfa Records, ya que ese mismo año cambiaron de sello, pasando a las filas de Victor Entertainment Japan.

En 1994, su tecladista Ken Morioka lanzó un disco como solista, llamado "Questions", en paralelo a su trabajo con Soft Ballet, mientras que Maki Fuji también empezó con un proyecto musical alterno, Schaft. Durante una presentación en vivo en el NHK Hall, realizado an Abril de 1995, Soft Ballet anunció su separación, aunque curiosamente siguieron editando material nuevo, siendo su más reciente álbum "Menopause" (2003), noveno de su discografía. Entre 1995 y 2002, sus integrantes se enfocaron en sus proyectos personales, y actualmente la banda se encuentra en estado de inactividad.

LOWE - Berlin night express (2008)

"La nueva esperanza del Pop Sueco". Así es como han catalogado en su país a este buenísimo trío de Synth-Pop con algunos aires de Post-Punk, oriundo de Stockholm, que fue fundado por Leo Josefsson (voz/guitarra), Rickard Gunnarsson (bajo/coros) y Mehdi Bagherzadeh (teclados). Los inicios de esta agrupación datan de 2002, cuando Gunnarsson y Josefsson, integrantes hasta 2001 de otra banda sueca llamada Statemachine, decidieron iniciar un nuevo proyecto musical, para lo cuál sumaron a Bagherzadeh, al cuál llamaron Lowe, combinando las palabras "love" ("amor") y "low" ("bajo").

Su álbum debut fue "Tenant", editado en 2004 por su propio sello discográfico, Megahype Records, en donde destacaron nítidamente los temas "The vanishing", "Ahead of our time" y "Hear me out". Al año siguiente, Lowe consiguió 3 nominaciones a los Scandinavian Alternative Music Awards, en las categorías de Mejor Canción, Mejor Disco y Mejor Banda Nueva del Año, ganando éste último. También en 2005, el trío publicó "Tenant Limited Edition", una edición especial del primer disco, colaborando además con un cover de "That smiling face" en un disco tributo a los alemanes Camouflage, llamado "Strange Thoughts", lanzado por Synthphony Records. En 2007, siempre por Megahype Records, presentaron "Tenant Remixed", un CD doble con 21 remezclas de sus temas, realizados por otros artistas.

Su segunda producción oficial en estudio llegó en 2008, bajo el título de "Kino International", que fue co-producido por Lowe y Tobias Ersson, compuesto por 10 canciones, entre las cuáles se encuentran "A 1000 miles", "Free fall", "Shadows rising", y nuestra favorita, "Berlin night express", que posteamos hoy. A comienzos de 2009, Mehdi Bagherzadeh se separó de Lowe, lo que provocó que los 2 miembros restantes del grupo continuaran como un dúo en la gira de promoción del "Kino International", en donde colaboró Tobias Ersson como tecladista, quien se convertiría en miembro permanente de Lowe ese mismo año.

Se espera que, en lo queda del 2011, Lowe publique su nuevo disco, que llevará por nombre "Evolver", del cuál ya se han adelantado varios tracks: "Mirage", "Alpha bravo", "Alone in the dark", "Adorable" y "Live to love". Estaremos atentos a ese lanzamiento. Mientras tanto, los invitamos a ver el vídeo de "Berlin night express", que fue dirigido por Le Monde de Leo.

EELS - Novocaine for the soul (1996)

Hoy nos enfocamos en Eels, banda que desde 1995, año de su fundación en la ciudad de Los Angeles, California, ha girado siempre en torno a su creador, el cantante y compositor Mark Oliver Everett, quien previamente había editado tres álbumes en solitario ("Bad Dude In Love" en 1985, "A Man Called E" en 1992, y "Broken Toy Shop" en 1993) bajo el seudónimo de E. Al decidirse a formar Eels, Everett contó en un principio con el aporte de Tommy Walter en el bajo y de Jonathan "Butch" Norton en la batería. Durante los siguientes años, han sido muchos los músicos que han pasado por la banda que, como ya dijimos antes, mantiene hasta hoy a Everett como cabeza central. Inclusive, su más reciente producción (la #11 de la discografía de Eels), llamada "Tomorrow Morning" y publicada en Agosto de 2010 por el sello Vagrant Records, menciona en los créditos la aparición de nuevo en solitario de su fundador, quien además se ha encargado de la producción musical.

La canción que nos permitió conocer a esta interesante banda, "Novocaine for the soul", formó parte del primer disco de Eels como trío, titulado "Beautiful Freak", que fue editado en Agosto de 1996 por DreamWorks Records, y que contó como productores con Jon Brion, Mark Goldberg, Mike Simpson y el propio Mark Oliver Everett. Este trabajo fluctúa alrededor de varios géneros musicales: Alternative Rock, Indie Rock, Folk e inclusive Country Music, y fue el que hizo conocida a la banda, al punto que varios de sus temas han sido incluídos en años posteriores en sendos soundtracks de películas, como por ejemplo: "My beloved monster", usada en 2001 en la película animada "Shrek", y "Beautiful freak", que apareció en las bandas sonoras de "Monsters, Inc." (2001) y "Hellboy II: The Golden Army" (2008).

El vídeo de "Novocaine for the soul" fue dirigido por el afamado Mark Romanek, quien ha declarado haberse inspirado en la clásica película "Mary Poppins" (dirigida por Robert Stevenson en 1964) para el concepto del mismo, en el que Everett, Norton y Walter aparecen flotando en un callejón, en tomas realizadas en blanco y negro. Este tema, en donde aparece al inicio un fragmento de la canción "Let the four wind blows", grabada por el pianista y cantante estadounidense de R&B Antoine "Fats" Domino en 1961, llegó a la posición #10 del UK Singles Chart, además de liderar el Modern Rock Tracks Chart de Billboard en los Estados Unidos y el RPM Alternative 30 en Canadá.

KATIE MELUA - Just like heaven (2005)

Antes que nada, queremos desear un Feliz Día del Padre a todos aquellos que celebran hoy esa fiesta en diferentes partes del mundo. Dedicado a ellos, y para cerrar con broche de oro esta semana en la que hemos revisado varios de nuestros covers favoritos (y que honestamente, nos ha quedado bastante corta), les traemos hoy esta versión de uno de nuestros temas predilectos de The Cure, otra de nuestras bandas de cabecera, de la que próximamente estaremos haciendo un post especial.

Katie Melua es una cantante, compositora, multi-instrumentista y actriz nacida en 1984 (bajo el nombre original de Ketevan Melua) en Kutaisi, Georgia, país que fue parte de la antigua Unión Soviética, aunque en Agosto de 2005 se nacionalizó británica. Su carrera musical se inició en 2003, habiendo editado hasta la fecha 4 álbumes de estudio, el último de ellos el año pasado. Melua es una ejecutante de guitarra, piano y violín, además de tener una melodiosa voz. Su estilo musical se ha desarrollado mayoritamente en géneros como el Jazz, Blues y Folk Rock.

En 2005, Katie Melua hizo esta excepcional versión de "Just like heaven", uno de los temas emblemáticos de The Cure, grabado por ellos en 1987 como parte del disco "Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me". La artista le imprimió a esta versión su personalidad musical, lo que dió como resultado este hermoso cover, uno de los mejores que hemos oído del grupo encabezado por Robert Smith, que fue incluído en el tercer álbum de la cantante, "Piece By Piece" (Dramático Records, 2005), que fue producido por Mike Batt. Este cover también fue incluído en la banda musical de la comedia romántica del mismo nombre, dirigida en 2005 por Mark Waters.

Katie Melua ha ganado a lo largo de su trayectoria 2 Echo Awards (en 2005 y 2007), y un Goldene Kamera Award (en 2007), habiendo sido la artista femenina más vendida en el Reino Unido en 2004 y 2005. Por si fuera poco, apareció actuando en uno de los segmentos (titulado "Don't") del film de terror "Grindhouse", dirigido por los reconocidos Robert Rodríguez y Quentin Tarantino en 2007.

DEPECHE MODE - Route 66 (1987)

El 28 de Diciembre de 1987, la banda británica Depeche Mode editó su single #20, perteneciente a la canción "Behind the wheel", incluída 3 meses antes en su celebrado álbum "Music For The Masses", sexto de su discografía en estudio. El lado-B de dicho sencillo fue su versión de "Route 66", uno de los 2 únicos covers que el grupo ha grabado a lo largo de su trayectoria (el otro es "Dirt", tema grabado originalmente por The Stooges en 1970, como parte del disco "Fun House", que fue incluído por Depeche Mode en 2001 como lado-B de "I feel loved", tema del álbum "Exciter"). Cabe mencionar que este grupo ha interpretado varios otros covers en vivo, pero ninguno de ellos ha sido grabado.

La versión original de "Route 66", un standard de Jazz y R&B (Rhythm & Blues), pertenece al artista estadounidense Robert "Bobby" Troup, quien compuso este tema en 1946, bajo el nombre completo de "(Get your kicks on) Route 66", en homenaje a una importante carretera que atraviesa los Estados Unidos. Dicha canción fue grabada por primera vez, ese mismo, año por Nat King Cole, quien hizo la hizo popular. Desde entonces, han sido muchos los artistas que han versionado la canción en diferentes géneros musicales, entre los cuáles podemos mencionar a Chuck Berry, Natalie Cole (hija de Nat King Cole), Perry Como, The Cramps, Bob Dylan, Jerry Lee Lewis, The Manhattan Transfer, John Mayer, Pappo (guitarrista y cantante argentino que hizo su versión en español), Tom Petty and the Heartbreakers, The Replacements, The Rolling Stones y The Brian Setzer Orchestra.

Volviendo al cover de Depeche Mode, terminaremos diciendo que esta canción fue interpretada principalmente por Martin Gore, mientras que Dave Gahan, vocalista de la banda, participa en los coros. Más adelante, al ejecutarla en sus presentaciones en vivo, ha sido cantada íntegramente por Gahan. En el disco compilatorio "Remixes 81-04", publicado por los británicos en 2004, a través de los sellos Mute Records (Reino Unido) y Reprise Records (Norteamérica), se incluyó un remix del mismo, bajo el nombre de "Route 66 (Beatmasters Mix)".
Nunca se hizo un vídeoclip de este cover. Por ello, las imágenes que verán a continuación, corresponden a una edición realizada por un fan de Depeche Mode.

THE SOUP DRAGONS - I'm free (1990)

The Soup Dragons fue una banda escocesa vigente entre 1985 y 1995, de la que ya hablamos en un post anterior. Hoy los volvemos a mencionar para nuestro repaso de las versiones o covers que más nos gustan, ya que en 1990 presentaron, como parte de su segundo álbum "Lovegod", publicado por el sello Big Life Records y producido por Sean Dickson y George Shilling, su re-interpretación del tema "I'm free".

Esta canción pertenece originalmente a The Rolling Stones (pueden oírla aquí), y fue escrita por Mick Jagger y Keith Richards en 1965. Dicho tema fue incluído en la edición británica del disco "Out Of Our Heads" (Decca Records/London Records, 1965), que curiosamente fue el tercer disco publicado por esta célebre banda en el Reino Unido, mientras que en los Estados Unidos fue su cuarta producción editada, después de "England's Newest Hit Makers" (1964), "12x5" (1964) y "The Rolling Stones, Now!" (1965). En ese país, "I'm free" fue publicada recién en el siguiente disco, llamado "December's Children (And Everybody's)", a través de London Records, también en 1965.

Volviendo a la versión de The Soup Dragons, diremos que ésta llegó a ocupar las posiciones #5 y #2 del UK Singles Chart y del Modern Rock Tracks Chart de Billboard, respectivamente. Con un estilo bastante más moderno, electrónico y bailable que el original, el acertado cover de los escoceses contó con la participación del músico y cantante de Reggae jamaiquino Delroy "Junior" Reid (miembro también de las bandas Voice of Progress y Black Uhuru), quien realizó un fraseo rapeado en onda Dancehall en la canción.

Los invitamos a continuación a recordar esta interesante versión de The Soup Dragons, propicia para iniciar bien el fin de semana.

SIOUXSIE AND THE BANSHEES - The passenger (1987)

"The passenger" fue una canción escrita en 1977 por Iggy Pop y Ricky Gardiner, incluído en el disco "Lust For Life", publicado por el ex-vocalista de The Stooges ese año, que fue su segundo álbum como solista, producido junto a David Bowie y Colin Thurston.

Una de las versiones más destacadas de esta canción, fue la realizada en 1987 por la banda de Post-Punk y Gothic Rock liderada por la cantante Susan Janet Ballion (aka Siouxsie Sioux), Siouxsie and the Banshees. Este cover, que fue #41 del UK Singles Chart, pertenece a su octavo disco de estudio, titulado "Through The Looking Glass", publicado en el Reino Unido por Polydor Records, y en los Estados Unidos por Geffen/Warner Bros, que contó con Mike Hedges en la producción. Este álbum se caracterizó por incluir 10 covers de variados artistas como Sparks ("This town ain't big enough for the both of us"), Kraftwerk ("Hall of mirrors"), The Doors (You're lost little girl") y Roxy Music ("Sea breezes"), entre otros.

Por aquellos tiempos, Siouxsie Sioux estaba acompañada en la banda por Steve Severin (bajo/teclados), John Valentine Carruthers (guitarra/teclados), Martin McCarrick (cello/teclados) y Peter "Budgie" Clarke (batería). El disco llegó a la posición #15 del UK Albums Chart, obteniendo un Disco de Plata en ese país, mientras que solo escaló al lugar #188 de Billboard 200 en los Estados Unidos.

Además de los Banshees, varios otros artistas y bandas han realizado covers de "The passenger", como por ejemplo: Deborah Harry (cantante de Blondie, 1985), Michael Hutchence (vocalista de INXS, 1995), Die Toten Hosen (1996) y R.E.M. (1998). Sin embargo, siempre nos ha gustado más la de Siouxsie y compañía, que es casi tan buena como la versión original de Iggy Pop.

APOCALYPTICA - Enter sandman (1996)

En el post de ayer mencionamos que hay algunos covers que recontextualizan canciones al interpretarlas en maneras bastante diferentes a la versión original. Hoy posteamos un buen ejemplo de ello. ¿Se imaginan a cuatro estudiantes de Música Clásica haciendo covers de Metallica, Pantera o Sepultura, tan solo con cellos? Aunque a primera impresión suena imposible, eso es lo que hacen los miembros de esta alucinante banda de Helsinki, Finlandia, que se hacen llamar Apocalyptica.

Este grupo fue formado en 1993 por un cuarteto de estudiantes de la Sibelius Academy, una Escuela de Música con nivel de Universidad ubicada en Finlandia, con sedes en las ciudades de Helsinki y Kuopio. Eicca Toppinen, Paavo Lötjönen, Max Lilja y Antero Manninen fueron sus miembros fundadores, todos ejecutantes de cello, y seguidores del Heavy Metal, género bastante popular en la región nórdica de Escandinavia. Fue así que en 1996, tras realizar sus propios arreglos para poder interpretar covers de Metallica con sus instrumentos, Apocalyptica editó su excelente disco debut, con los sellos Mercury y Universal, que llevó por nombre "(Apocalyptica) Plays Metallica By Four Cellos", un trabajo impecable y muy novedoso en todo sentido, que transformó varias canciones de la banda liderada por James Hetfield en exquisitas versiones puramente instrumentales que mantenían la misma energía de las originales.

"Master of puppets", "The unforgiven", "Sad but true", "Whenever I may roam" y "Harvester of sorrow" fueron algunos de los temas incluídos en este trabajo, en el que también se encuentra su propuesta del clásico "Enter sandman", tema grabado por Metallica para su disco homónimo de 1991, popularmente conocido como "The Black Album". Este primer trabajo de Apocalyptica los hizo conocidos a nivel mundial, habiendo publicado hasta la fecha 6 discos más, en los que han ido incorporando temas propios, además de otros covers de bandas como los brasileros de Sepultura, y los estadounidenses de Pantera y Faith No More.

La versión que presentamos en este post pertenece al primer DVD en vivo de Apocalyptica, "Live", que fue grabado en Munich, Alemania, el 24 de Octubre de 2001, en donde los finlandeses interpretaron temas de sus 3 primeros álbumes de estudio. Una propuesta que sorprende gratamente por lo novedosa e inusual, muy bien lograda por cierto. En la actualidad, Eicca Toppinen y Paavo Lötjönen siguen al frente del grupo, al que se han incorporado Perttu Kivilaakso y Mikko Sirén (quien además de tocar el cello se encarga de la batería en algunos temas). Además, Apocalyptica suele contar con algunos cantantes invitados en sus presentaciones en vivo desde 2008.

RADIOHEAD - The headmaster ritual (2007)

Seguimos con nuestra semana dedicada a grandes covers. Hoy tenemos a una gran banda, Radiohead, homenajeando a otra gran banda, The Smiths.

El 9 de Noviembre de 2007, para celebrar el lanzamiento de su séptimo disco en estudio, "In Rainbows", producido por el renombrado Nigel Godrich, la banda Radiohead, fundada en 1985 bajo el nombre de On A Friday en Abingdon, Inglaterra, conformada por Thom Yorke (voz/guitarra/piano), Jonny Greenwood (guitarra/teclados), Ed O'Brien (guitarra/coros), Colin Greenwood (bajo/sintetizadores) y Phil Selway (batería/percusión), decidió hacer un webcast, al que denominaron "Thumbs Down", a través de su página web (www.radiohead.tv). En dicha transmisión en vivo por Internet, los miembros de la banda se dedicaron a tocar canciones que usualmente no interpretan en sus presentaciones en vivo. El propio Thom Yorke le dijo al inicio a sus fans que seguían el webcast, en son de broma: "...no esperen ninguna alta calidad, porque no la hay...".

Entre los temas que tocaron en aquella oportunidad, sobresalieron dos covers: el primero fue "Ceremony", canción grabada por Joy Division en 1981 (que pueden oír en su versión original aquí), e interpretada posteriormente también por New Order, mientras que el segundo fue "The headmaster ritual", tema original de The Smiths, incluído por dicho grupo en su segundo disco de estudio llamado "Meat Is Murder", publicado en 1985. Antes de iniciar a tocarla, se puede escuchar a Yorke diciendo: "...ésta es una canción de cuando éramos jóvenes, pero nosotros no la escribimos...".

La versión interpretada por Radiohead es bastante fiel a la original, pero siempre es interesante ver y escuchar que grandes artistas rindan tributo a quienes influenciaron sus carreras musicales. Sin lugar a dudas, The Smiths es una de las bandas británicas más importantes de la historia, que ha sido una referencia innegable en la carrera de muchos otros músicos, y ésta es la mejor prueba.

Nos queda pendiente un post específico sobre Radiohead, que haremos pronto. Mientras tanto, disfruten de su buenísima versión del clásico de Morrissey y compañía.

LOVE AND ROCKETS - Ball of confusion (That's what the world is today) (1985)

Durante toda esta semana, vamos a enfocarnos exclusivamente en covers, palabra con la que se denomina a aquellas versiones que algunos artistas ejecutan sobre temas compuestos previamente por otros, algunas veces respetando el estilo del original, y otras veces cambiando radicalmente de género e incluso de arreglos, con resultados bastante disparejos. En nuestro caso, vamos a presentar aquellos que nos gustan y nos parece que vale la pena conocer.

Daniel Ash (voz/guitarra/saxofón), David J. Haskins (bajo/coros) y su hermano Kevin Haskins (batería), ex-miembros de Bauhaus (1979-1983), decidieron en 1985 continuar tocando juntos creando Love and Rockets, agrupación de Post-Punk y Alternative/Gothic Rock. Anteriormente, y siempre tras la separación de Bauhaus, en donde también participó el bajista Peter Murphy (quien empezó una carrera como solista en 1983), Ash y Kevin Haskins integraron junto a Glenn Campling otro proyecto llamado Tones on Tail, que existió hasta 1984. El nombre de Love and Rockets fue tomado de la serie de comics del mismo nombre creada por los hermanos Jaime y Gilbert Hernández en Setiembre de 1982.

El disco debut de este trío británico fue "Seventh Dream Of Teenage Heaven" (Beggar's Banquet, 1985), que fue producido por John A. Rivers. En varias de las ediciones publicadas de este álbum, se incluyó el cover que posteamos hoy, cuya versión original (que pueden oír aquí) pertenece a The Temptations, grupo estadounidense de Soul, Funk y R&B que grabó la canción en 1970, bajo el nombre completo de "Ball of confusion (That's what the world is today)". La versión de Ash y los hermanos Haskins se convirtió entonces en uno de los temas más sobresalientes del disco, llevando la sonoridad de la canción al estilo musical que ellos practicaban, bastante más oscuro y movido que en la versión original.

Cabe mencionar que esta canción ha sido versionada por otros artistas, entre los que se encuentran Tina Turner (1982), Duran Duran (1995), Anthrax (1999), The Neville Brothers (2004) y Tesla (2007). A nosotros nos gusta mucho esta versión de los Love and Rockets, y nos agradaría saber qué les parece a ustedes, por lo que los invitamos a compartir sus opiniones con nosotros. Buena semana para todos!

SNATAM KAUR - Ek ong kaar (2003)

Hoy en el blog nos salimos un poco de nuestro estilo habitual, para adentrarnos en un contexto más espiritual, que también puede llevarnos, de una forma muy distinta, a un profundo e interesante viaje sónico. Esto prueba, una vez más, que la música es igual de poderosa y trascendente sin importar el género, idioma o país del que provenga.

Hace año y medio, por motivos de trabajo, tuvimos la oportunidad de conocer a una pareja de Sikhs (término con el que se denomina a los seguidores del Gurú Nanak, fundador del Sikhismo, ancestral religión oriunda de la India), quienes además son practicantes e instructores de Yoga Kundalini, disciplina física, mental y espiritual que busca desarrollar y aprovechar la energía interna. Gracias a ellos, conocimos a esta extraordinaria cantante y compositora estadounidense nacida en 1972 en Trinidad, Colorado, también seguidora del Sikhismo y una de las más importantes exponentes a nivel mundial de la Música Devocional India, World Music o New Age Music (como prefieran llamarla), que transmite con su voz una paz interna acorde a sus creencias: Snatam Kaur.

Como muchos seguidores del Sikhismo en los Estados Unidos, Snatam Kaur es seguidora de las enseñanzas de Yogi Bhajan, líder espiritual que introdujo esa religión y filosofía de vida en ese país. Esta cantante, casada con Sopurkh Singh y madre de una niña llamada Jap Preet Kaur, radicada actualmente en la ciudad de Española, Nuevo México, firmó en el año 2000 con el sello discográfico Spirit Voyage Records, con quienes ha editado 9 discos de música ideal para practicar la meditación y elevar el espíritu.

La canción que queremos compartir con ustedes hoy, "Ek ong kaar" ("El Creador es uno"), pertenece al segundo álbum de esta artista, "Shanti", editado en 2003, que está basado principalmente en cánticos y mantras (escritos por el Gurú Nanak, quien vivió entre los años 1469 y 1538), que están acompañados por instrumentos tradicionales de la India como Tabla, Sitar, Bansuri y Tampura, combinados con instrumentos occidentales como Guitarra, Piano y Sintetizadores. Esta mixtura instrumental, coronada por la relajante voz de Snatam Kaur, hace que escuchar esta canción, incluso sin comprender el significado de la letra, nos sumerja en un estado de paz y relajación muy profunda, que les recomendamos experimentar.

Así que pónganse cómodos, y déjense llevar por esta extraordinaria cantante, no se van a arrepentir.

SINÉAD O'CONNOR - Mandinka (1987)

Sinéad Marie Bernadette O'Connor es otra excelente (y a veces bastante controvertida) cantautora nacida el 8 de Diciembre de 1966 en Glenageary, Irlanda. Su primera experiencia con la música fue a los 15 años, cuando grabó el tema "Take my hand" con la banda In Tua Nua. Más adelante, en 1984, Sinéad conoció a Columb Farrelly, con quien fundó el grupo Ton Ton Macoute, y en 1986 trabajó junto a The Edge, guitarrista de sus compatriotas de U2, interpretando el tema "Heroine", que formó parte del soundtrack de la película "Captive", dirigida ese año por Paul Mayesberg.

La canción "Mandinka", que acompaña este post, fue uno de los temas más destacados del disco debut de O'Connor como solista, titulado "The Lion And The Cobra", que co-produjo la propia cantante junto a Kevin Moloney para los sellos Ensign/Chrysalis en 1987, estando además embarazada de 7 meses, fruto de su relación por entonces con el baterista de sesión John Reynolds, quien participó en la grabación del disco, el cual llegó a vender más de 2 millones y medio de copias, consiguiendo sendos Discos de Oro en los Estados Unidos y el Reino Unido.

En total, han sido ya 8 los álbumes editados por esta artista desde 1987, recordada también por otros buenos temas como "Nothing compares 2U", "The Emperor's new clothes", "Fire on Babylon" o "My lagan love". Uno de los sucesos más controvertidos de su carrera ocurrió en Octubre de 1992, durante una presentación en vivo en el popular programa estadounidense "Saturday Night Live", en donde Sinéad O'Connor interpretó una versión a capella de "War", tema original de Bob Marley. Al finalizar la canción, la artista mostró una foto del entonces Papa Juan Pablo II, la misma que rompió en pedazos frente a cámaras, hecho que lógicamente generó una fortísima reacción y protesta a nivel mundial. O'Connor justificó su actitud al declararse en contra del abuso sexual infantil dentro de la Iglesia Católica.

Para este año, se ha anunciado el lanzamiento del noveno álbum en estudio de la cantautora (hoy madre de 4 hijos), que llevaría por título "Home". Hace unos años, Sinéad O'Connor reconoció en una entrevista sufrir de desorden bipolar, habiendo intentado suicidarse (felizmente sin éxito) el 8 de Diciembre de 1999, durante su cumpleaños número 33.

THE MEN - Church of logic, sin and love (1992)

"One Hit Wonders". Este término es aplicado a aquellos artistas y/o bandas que sólo logran tener un éxito musical a lo largo de su carrera. A veces, esta etiqueta se aplica injustamente, pero en el caso de esta banda de Alternative Rock de Santa Monica, California, creemos que es válida: The Men.

Esta agrupación, de la que no es fácil hallar mucha información, estuvo conformada por Jef Scott (voz/guitarra), David Botkin (batería/coros), y dos damas, Lore Wilhelm (guitarra/coros) y Nancy Hathorn (bajo), a pesar de su nombre, que se traduce literalmente como "Los Hombres". Su vocalista Jef Scott había tenido durante los 80's otra banda llamada The Jef Scott Group, para a inicios de los 90's formar The Men. Tras firmar para el sello Polygram Records, el grupo editó en 1992 un disco homónimo, conformado por 12 canciones, entre las cuales se encontraban "Blue town", "Easy target", "She's all mine", "I built my house this way" y "King of Central Park", que llegó al lugar #22 del Heatseekers Chart de la reconocida revista Billboard.

Sin embargo, ninguno de esos temas alcanzaría la fama de "Church of logic, sin and love", que escaló hasta la ubicación #8 del Maintream Rock Tracks Chart de la Billboard ese año, además de tener una amplia rotación en la cadena MTV, lo que dió cierta exposición al grupo, sobre todo entre los jóvenes universitarios de aquellos años. Esa atención duró muy poco, haciendo que The Men decidiera tirar la toalla y desintegrarse poco tiempo después. Lore Wilhelm y David Botkin seguirían tocando juntos posteriormente, como integrantes del grupo Jimi's Kids. No hay que confundir a estos californianos con la banda sueca del mismo nombre, surgida a mediados de la década del 2000 en la ciudad de Estocolmo.

Recordemos pues esta buena canción que, a pesar de todo, seguramente traerá gratos recuerdos a muchos de ustedes, como a nosotros. Saludos a todos.

ROLOVO - Maca machine (2011)

Uno de nuestros objetivos en el blog, aparte de compartir con ustedes gratos recuerdos del pasado, es promover bandas y artistas nuevos que nos parecen destacables. Hoy queremos presentarles esta grata y prometedora aparición en la cada vez más sólida escena electrónica peruana: Rolovo.

El cerebro tras este proyecto es el DJ y productor Rolo Roncallo, cuya trayectoria en la música no es nueva. En la década de los 80's, Roncallo integró como vocalista y tecladista un grupo de Post-Punk llamado Extraña Misión. Desde entonces, su atracción por los teclados y sintetizadores se hizo cada vez más fuerte, lo que lo llevó a desarrollar de forma autodidacta su conocimiento sobre la teoría musical. En el aspecto laboral, su trabajo dentro del mundo de la publicidad también lo ha mantenido siempre inmerso dentro de una dinámica constante de creatividad. Ya en el nuevo siglo, Roncallo fundó otro ensamble musical, esta vez de corte más electrónico, denominado Eléctrica de Lima, en donde contó con la participación en vivo de Hochi Orrillo, Carla Raggio y Carlo "NGR" Corvacho. Con ellos, publicó por aquellos años un disco de forma independiente titulado "Todo No Es Puro Materia", en el que se manifestaban de alguna forma, sus influencias musicales más marcadas, entre las que se encuentran Kraftwerk, Depeche Mode y Heaven 17.

En 2010, Roncallo empezó a componer un conjunto de canciones que diferían un poco del concepto de Eléctrica de Lima, por lo que el artista ha decidido retornar a la escena actual peruana bajo el seudónimo de Rolovo, que según él mismo menciona en su página de Facebook, se puede interpretar como Rolo Virtual Orchestra o como un híbrido entre su nombre y la marca de su laptop (Lenovo), herramienta en donde se forjaron la mayoría de los tracks que conforman el disco que acaba de editar el pasado mes de Abril, "Souvenir Musiq", en donde se fusionan el House, el Techno y el Big Beat, junto a samples de temas antiguos del folklore peruano, de géneros aparentemente disímiles como la Cumbia o la Marinera Norteña, que Rolovo descontextualiza para fusionarlos e integrarlos muy bien a pegajosas bases electrónicas.

Uno de los temas que más nos ha llamado la atención del "Souvenir Musiq", producido por el propio Rolo Roncallo, que ha sido mezclado en el estudio Audiokoncept (Lima, Perú) y masterizado en Setai Studios (Miami, Florida), de propiedad del reconocido artista Lenny Kravitz, es "Maca machine", track concebido directamente para las pistas de baile, en el que Rolovo nos lleva por un vertiginoso viaje, en el que además podemos escuchar su voz procesada con un vocoder. Esperamos que disfruten de este tema tanto como nosotros, y que apoyen a este artista, que ojalá siga brindándonos buena música por mucho tiempo más.

GARY NUMAN - Cars (1979)

Considerado como uno de los pioneros de la Música Electrónica, Gary Anthony James Webb, conocido internacionalmente como Gary Numan, nació el 8 de Marzo de 1958 en Hammersmith, Inglaterra. Entre 1976 y 1979, este genial artista encabezó el proyecto Tubeway Army, otro de los grandes hitos en la historia del género electrónico. En aquella agrupación, Webb usaba el seudónimo de Valerian, para más adelante cambiar su apellido por el de Numan, que según sus biográfos, tomó de un anuncio de las páginas amarillas, en donde figuraba un gasfitero alemán de nombre A. Neumann.

En 1979, mismo año en el que editó el álbum "Replicas" con los Tubeway Army, Numan publicó en el mes de Setiembre su memorable disco debut como solista, que llevó el título de "The Pleasure Principle", a través de los sellos Beggars Banquet (Reino Unido) y Atco (Estados Unidos). Este trabajo es considerado como uno de los pilares fundamentales en el desarrollo de la entonces incipiente escena de la Música Electrónica, honor que comparte, entre otros, con los alemanes Kraftwerk. "The Pleasure Principle" llegó a encabezar el UK Albums Chart, con un Disco de Oro por sus ventas en el Reino Unido, mientras que en los Estados Unidos solo llegó al puesto #16.

Uno de los temas más sobresalientes de este disco es "Cars", que fue #1 del UK Singles Chart y del Canadian RPM National Singles Chart, además de alcanzar la posición #9 en el Billboard Hot 100. En esta canción, en la que Numan, además de cantar, ejecutó los teclados (principalmente un Minimoog y un Polymoog), contó con el aporte de sus ex-compañeros en Tubeway Army, Paul Gardiner (bajo), Chris Payne (teclados) y Cedric Sharpley (batería, pandereta). Al ser lanzado como sencillo en el Reino Unidos, "Cars" tuvo como lado-B a la canción "Asylum" (que no formó parte de la edición original de "The Pleasure Principle"), mientras que el lado-B en los Estados Unidos fue el tema "Metal".

A nivel personal, Gary Numan se considera ateo, habiendo tenido 3 hijos (Raven, Persia y Echo) con su esposa Gemma O'Neill, quien fue miembro de su club de fans. El artista publicó en 1997 un libro autobiográfico junto a Steve Mallins, que se llamó "Praying For Aliens", en donde confesó sufrir desde adolescente del Síndrome de Asperger (un trastorno mental y de comportamiento considerado como una forma de Autismo), que le ocasionaba problemas de interacción con otras personas, lo que en gran parte ayudó a generar esa imagen fría y casi robótica de este artista, que se puede apreciar en el vídeo de "Cars", en donde, como dato curioso, aparece Billy Currie, miembro de las bandas Ultravox y Visage, quien no había participado en la grabación de este tema.

10,000 MANIACS - These are days (1992)

10,000 Maniacs es una banda fundada en 1981 en la localidad estadounidense de Jamestown, Nueva York, bajo el nombre inicial de Still Life. Vigente hasta la fecha, la agrupación ha sufrido muchos cambios en su formación durante todos estos años. Aún cuando usaban el nombre de Still Life, estuvo conformada por Teri Newhouse (voz), Dennis Drew (teclados), Steve Gustafson (bajo), Robert Buck (guitarra) y Chet Cardinale (batería), a quienes se unieron más adelante el también guitarrista John Lombardo y la entonces adolescente Natalie Merchant, quien tras el alejamiento de Teri Newhouse, a mediados de Julio de 1981, tomó en definitiva el puesto de vocalista del grupo, que cambiaría primero de nombre por el de Burn Victims, para en Setiembre del mismo año, presentarse ya como 10,000 Maniacs, nombre influenciado por una película de terror de Clase B llamada "Two Thousand Maniacs!", dirigida por Herschell Gordon Lewis en 1964.

La canción que compartimos con ustedes hoy, "These are days", pertenece al quinto álbum en estudio de esta banda, titulado "Our Time In Eden", editado por Elektra Records en 1992, y el último en estudio con Natalie Merchant como cantante, quien desde 1993, tras grabar un disco en formato acústico en vivo con la banda, para la serie MTV Unplugged (que por cierto, no deben dejar de escuchar), decidió separarse de 10,000 Maniacs para continuar su carrera como solista, trayectoria que ya hemos reseñado en el blog (y que pueden leer aquí). Cabe mencionar que su sucesora en la función de vocalista en los 10,000 Maniacs fue Mary Ramsey, seguida en 2002 por Oskar Saville, aunque actualmente es Maria Sebastian quien ejerce ese cargo.

Volviendo a "These are days", diremos que este gran tema, uno de nuestros preferidos del grupo, fue #1 del Modern Rock Tracks Chart de la afamada revista Billboard, alcanzando esa posición en Noviembre de 1992. Para la época en la que se grabó "Our Time In Eden", disco producido por Paul Fox, y que obtuvo un Doble Disco de Platino por sus ventas en los Estados Unidos, los 10,000 Maniacs contaban con Robert Buck en guitarra, Dennis Drew (piano/teclados/acordeón), Steve Gustafson (bajo) y Jerome Augustyniak (batería), acompañando a Merchant.

Como dato curioso, mencionaremos que Mary Ramsey, quien sería sucesora de Merchant como frontwoman de 10,000 Maniacs (entre 1994 y 2001), aparece en los créditos de este disco, en el que participó tocando el violín y la viola.

SIGUE SIGUE SPUTNIK - 21st century boy (1986)

Sigue Sigue Sputnik es otra de esas excelentes bandas del recuerdo, formada en 1982 en Londres, Inglaterra, teniendo como integrantes a Martin Degville (voz), Tony James (guitarra), Ray Mayhew (batería electrónica), Chris Cavanagh (batería electrónica), Jane Fairmond (aka Yana Ya Ya, efectos sonoros) y Neal Whitmore (aka Neal X, guitarra).

Cabe recordar que el principal fundador de esta agrupación fue Tony James, quien anteriormente había sido parte de Generation X (junto a Billy Idol) y de Lords of the New Church. El estilo de esta banda se enmarcaba dentro de varios géneros musicales como el New Wave, Post-Punk y Glam Rock. La canción que posteamos hoy, "21st century boy", pertenece al primer álbum de Sigue Sigue Sputnik, titulado "Flaunt It", que fue publicado en 1986 por EMI Records, y que tuvo como productor al italiano Hansjörg Moroder, mejor conocido como Giorgio Moroder. Este tema llegó a ubicarse en el puesto #20 del UK Singles Chart, y en #96 en los Estados Unidos, siendo el segundo sencillo del disco, después de la también recordada "Love missile F1-11".

Sigue Sigue Sputnik tuvo su primera etapa entre 1982 y 1989, en la que llegaron a editar otro disco llamado "Dress For Excess" en 1988. En 1989 decidieron separarse, luego de lo cuál Tony James se integró a The Sisters of Mercy, mientras que Chris Cavanagh haría lo propio con Big Audio Dynamite II, proyecto musical liderado por el ex-The Clash, Mick Jones. En 1995, James y Neal X reflotaron al grupo con una nueva alineación que incluyó al cantante Christopher Novak, el tecladista John Green y el guitarrista Bob "Derwood" Andrews, editando el disco "Sputnik: The Next Generation" y desintegrándose nuevamente. Desde entonces, este grupo ha reaparecido con diferentes formaciones, editando 3 discos más: "Piratespace" (2001), "Black Elvis vs. The Kings Of Electronic Rock And Roll" (2002) y "Ultra Real" (2003). A partir de 2004, Martin Degville, ya como solista, se ha presentado bajo los nombres de Sputnik2 y SSSE (Sigue Sigue Sputnik Electronic).

La estética de los vídeos del grupo se caracterizaba por el aspecto Glam y Punk de sus miembros, a lo que se sumaba una onda visual de ciencia ficción futurista, con claras referencias a Japón y a películas icónicas del género como "A Clockwork Orange" (dirigida por Stanley Kubrick en 1971) o "Blade Runner" (dirigida por Ridley Scott en 1982). "21st century boy" es un claro ejemplo de ello.

G-3 - Mayoría equivocada (2000)

Usualmente posteamos los domingos canciones en onda tranquila, pero hoy no podemos dejar de expresar lo que sentimos ante las elecciones presidenciales en nuestro país. Por eso, posteamos una canción que ayuda a describir nuestra postura en este día, con una de las bandas más importantes de la escena peruana del Hardcore y Punk de los 80's: G-3.

En 1986, en la ciudad de Lima, Perú, Gonzalo Farfán (voz/guitarra), Gabriel Bellido (bajo) y Guillermo Figueroa (batería), decidieron fundar esta banda, bautizándola con la primera letra en común de sus nombres y el número de sus integrantes: G-3. Poco a poco, empezaron a destacar como una de las bandas más importantes del llamado "Rock Subterráneo Peruano", como se denominó al movimiento conformado por varias bandas underground de ese estilo musical, entre las que se encontraban también Leuzemia, Guerrilla Urbana, Zcuela Crrada, Eructo Maldonado, Eutanasia y Narcosis. En Marzo de 1987, G-3 lanzó su primera producción en formato de cassette, llamada "Un Nuevo Enemigo", en donde sobresalen los temas "Violencia fabricada", "Antisocial" y "Traicionado". Tras realizar múltiples presentaciones en distintos lugares de su país, y de participar en 1988 en el Festival Sudamericano de Trash Metal, realizado en Santiago, Chile, los G-3 editaron en 1990 su segunda producción independiente, "En Llamas", con temas en estudio y versiones en vivo, entre los que vale la pena mencionar a "Morir día a día", "Ahora o nunca" y "Pipeline".

Para 1994, la banda incorporó a dos nuevos miembros: Felipe "Pipe" Villarán en guitarra y Alejandra Pérez-Prieto en los coros. Así, a través del sello independiente peruano Eureka Records, G-3 publica "Psicotropía" en 1995, con un sonido más trabajado, en donde recomendamos oír "Viviré", "Los niños de la guerra", "Revolución" y "Ecos". Este disco los llevó a tocar en Argentina, México y Estados Unidos, siendo elegidos también por la revista Caleta como Mejor Grupo en Vivo. Su siguiente trabajo fue "Pasan Los Días" (1997), que incluyó nuevas versiones de algunos temas de "Un Nuevo Enemigo" y "En Llamas", proclamado ese año como Mejor Disco Nacional por Phantom Magazine.

Finalmente, a mediados de Mayo del 2000, los G-3 editaron su último álbum, "En Casa", a través del sello Mundano Records, fundado por el frontman de la banda, Gonzalo Farfán. Aquí se incluye este cover de "Mayoría equivocada" un tema original de Autopsia, otra banda representativa del Rock Subterráneo en el Perú. Tras anunciar su separación, G-3 realizó su última presentación en vivo el 20 de Mayo de 2000 en el Teatro Ambassador, junto a otras 2 bandas locales, Futuro Incierto y Por Hablar. Posteriormente, Farfán y Bellido continuarían tocando juntos (hasta hoy) en Inyectores, mientras que "Pipe" Villarán haría lo propio con Los Fuckin' Sombreros, y actualmente con su nuevo proyecto musical, LongPlayer.

THE RASMUS - In the shadows (2003)

Lauri Ylönen (voz), Eero Heinonen (bajo), Pauli Rantasalmi (guitarra) y Janne Heiskanen (batería) fueron en 1994 los miembros fundadores de esta agrupación de Alternative Rock nacida en Helsinki, Finlandia, que han sido uno de los actos más renombrados de ese país en las últimas décadas, caracterizado usualmente por ser la sede de buenas bandas de Gothic Rock o Doom Metal. Inicialmente, este grupo se hacía llamar Rasmus, pero en 2001 decidieron incorporar a su nombre el artículo "The" para evitar ser confundidos con un conocido DJ sueco.

Su disco debut, editado en 1996 por Warner Music Finland fue "Peep", co-producido por la banda y Teja Kotilainen. Gracias a su acogida, este disco recibió un Disco de Oro en Finlandia, resaltando en él un cover del tema "Ghostbusters", grabado originalmente por Ray Parker Jr. para la película del mismo nombre de 1984, dirigida por Ivan Reitman. Su siguiente álbum fue "Playboys" (Warner Music Finland, 1997), con Illka Herkman en la producción musical, que tuvo como singles de promoción a "Blue", "Kola", "Playboys" y "Ice". Un año más tarde, aún bajo el nombre de Rasmus, editaron "Hell Of A Tester", siempre con la división finladesa de Warner Music, que también recibió un Disco de Oro en su país, debido en gran parte a la canción "Liquid", que fue nominada a Single del Año en ese país, obteniendo el Finnish Music Video Award en 1999. También en 1998, la posición de baterista cambió de dueño, con el ingreso de Aki Hakala en reemplazo de Janne Heiskanen.

La discografía de esta banda siguió con "Into", el primer álbum como The Rasmus, editado en 2001 por Playground Music. Este trabajo fue el primero en ser editado fuera de Finlandia, haciéndolos además acreedores a 4 premios EMMA (el equivalente finlandés a los Grammys) como Mejor Grupo, Mejor Disco, Mejor Disco de Pop/Rock y Mejor Canción, por el tema "F-F-F-Falling". El reconocimiento internacional para The Rasmus llegó con "Dead Letters" (Playground Music, 2003), álbum producido por Martin Hansen y Mikael Nord, en donde sobresalió la canción que posteamos hoy, "In the shadows", que lideró los rankings de Finlandia, Alemania y Nueva Zelanda, siendo #3 en el UK Singles Chart. Se hicieron 3 versiones distintas en vídeo de este tema: una para Finlandia, otra para Europa y finalmente una para los Estados Unidos, que pueden ver más abajo.

Los 2 últimos discos de estudio de The Rasmus, "Hide From The Sun" (2005) y "Black Roses" (2008), han sido #1 en Finlandia, habiendo siendo editados por Playground Music. Del primero de ellos les recomendamos oír los tracks "Shot", "Sail away" y "No fear", mientras que en el segundo destacan "Livin' in a world without you", "Ten black roses" y "You got it wrong". Se espera que en la segunda mitad del 2011, The Rasmus ingrese nuevamente a los estudios de grabaciones para trabajar en su próximo disco, que sería editado por su propio sello discográfico llamado Dynasty Recordings.

LIGHT ASYLUM - Dark allies (2010)

Viernes en el blog. Como para comenzar bien el fin de semana, reseñamos en esta ocasión a Light Asylum, proyecto musical de Brooklyn, Nueva York, que lleva por nombre el seudónimo de su fornida vocalista, Shannon Funchess, quien es bien secundada por Bruno Coviello (aka Brother Bruno) para traernos su atractiva propuesta musical influenciada por el Synth-Pop, Post-Punk y New Wave de los 80's.

Muchos críticos han descrito a Sharon Funchess como "la hija que hubieran tenido Grace Jones e Ian Curtis". Esta descripción no hace más que alabar el estilo de esta peculiar cantante y compositora, cuya trayectoria dentro de la industria musical comprende colaboraciones previas con otras bandas de la escena underground neoyorkina como !!!, Telepathe, Bunny Rabbit And The Cult Of Miracles y TV On The Radio. Dueña de un interesante registro vocal, que origina que se la relacione con la cantante y actriz de origen jamaiquino Grace Jones (nombre artístico de Grace Mendoza), Funchess entra pisando fuerte en la escena musical internacional con este proyecto, que nos ha llamado muchísimo la atención al escucharlo.

El pasado 2010, Light Asylum ha publicado de manera independiente su primer EP, "In Tension", un trabajo que comprende 4 temas: "A certain person", "Knights and weekends", "Skull fuct" y la pegajosa "Dark allies", que acompaña este post, una de sus cartas de presentación más contundentes, ideal para las pistas de baile. Los elogios no se han hecho esperar para este dúo, que luego del mencionado EP han presentado dos singles más, "Shallow tears" y "Angel tongue", que también valen la pena escuchar.

Mientras siguen presentandose en vivo en diferentes locales de su ciudad natal y aumentando exponencialmente su número de seguidores, se espera que para el 2012 Light Asylum presente su disco debut, que seguramente, y como han hecho hasta ahora, dará mucho de qué hablar. Los dejamos a continuación con el vídeo de "Dark allies". Que lo disfruten.

LVNA IN CÆLO - Trapecio (1998)

Lvna in Cælo (o Luna in Caelo) es una interesantísima banda de Post-Punk, nacida en Santiago, Chile, en 1993. Aquel año, la cantante Alejandra Araya se unió al guitarrista Daniel Dávila, para comenzar a trabajar en este proyecto musical, presentándose inicialmente como un dúo, al cuál se unirían en 1994 Philippe Boisier (bajo) y Enrique Stindt (batería). Ya consolidados como una banda, los Lvna in Cælo empezaron a realizar numerosas presentaciones en vivo en la capital chilena, con una propuesta musical con referencias evidentes a The Cure o Siouxsie & the Banshees.

En 1996, este grupo participó con 3 temas ("Lluvia", "Plural" y "Cercos") en el compilatorio "Encuentros Cercanos", publicado por el sello Background, en el que participaron también las bandas chilenas Sien y Shogún. Gracias a la buena acogida que tuvieron sus canciones, los Lvna in Cælo comenzaron a trabajar de forma independiente en su primer disco, de la mano del productor Cristián Heyne. Dicho trabajo llevó por título "Aquellos Desgarradores Gritos Llamados Silencio" (1998), el mismo que fue editado en un principio por Toxic en Chile, para luego ser lanzado también en Europa por el sello italiano Palace of Worms. Poco después de su lanzamiento, el bajista Philippe Boisier dejó su lugar en el grupo a Christian Cosgrove.

Un año más tarde, en 1999, la agrupación comenzó a elaborar su segunda placa discográfica, proceso que quedó interrumpido debido a que Alejandra Araya y Daniel Dávila, quienes para entonces estaban casados, se mudaron a México, específicamente al Distrito Federal, debido a que Araya obtuvo una beca de postgrado. El 28 de Agosto de 1999, Lvna in Cælo realizó un concierto de despedida en el Teatro Novedades. Ya establecidos en el D.F., Araya y Dávila, miembros fundadores de la banda, reclutaron al tecladista Leonardo Martínez y al bajista Pablo Cordero, ambos mexicanos. Fue así que finalmente culminaron su segundo disco, "Miedo A Morir", que se editó en 2000 a través de Luna, sello de propiedad de Cristián Heyne.

Dos años después, la pareja volvió a Chile con un nuevo disco bajo el brazo, "Noche Era, La Luna En El Cielo Brillaba", que fue presentado en un concierto en el que participaron Enrique Stindt y Christian Cosgrove, que también llegó a ser editado en Francia y España a través de Drama Company, países en donde Lvna in Cælo realizó presentaciones en vivo, tras las cuáles, su baterista Enrique Stindt dejó al grupo. Su último disco, publicado de forma independiente en 2006, es "Urdimbre" , ya con la inclusión de Alan Acuña como nuevo bajista. Supuestamente, la banda sigue vigente hasta la fecha, aunque no hay noticias de un nuevo disco. Mientras tanto, disfruten de esta buena canción, "Trapecio", perteneciente a su primera placa discográfica.

THE HOUSEMARTINS - Bow down (1987)

La ciudad de Hull, Inglaterra fue en 1983 la cuna de The Housemartins, notable agrupación que numerosos críticos musicales británicos catalogaron en su época como los competidores más serios de los famosos The Smiths. Este grupo tuvo como miembros fundadores al cantante Paul Heaton y al guitarrista Stan Cullimore, que en un principio se presentaban como un dúo. Ambos grabaron juntos un demo, para más adelante sumar al bajista Ted Key y al baterista Justin Patrick, quien al poco tiempo sería sustituído por Chris Lang.

Otro dato muy interesante sobre The Housemartins es que en 1985, el bajista Ted Key dejó su lugar al por entonces poco conocido Quentin Leo Cook (aka Norman Cook), quien desde 1996 alcanzaría una inmensa fama como DJ y productor bajo el seudónimo de Fatboy Slim, convirtiéndose en uno de los íconos de la Música Electrónica. Volviendo a The Housemartins, cabe recordar que también en 1985 el baterista Chris Lang dejaría al grupo, para ser reemplazado sucesivamente por Hugh Whitaker y Dave Hemingway. En Octubre de 1986, esta agrupación editaría su primer álbum, "London 0 Hull 4", producido por John Williams para el sello Go! Discs. Este disco tuvo como sencillos a los temas "Flag day", "Sheep", "Happy hour" y "Think for a minute", que alcanzaron respectivamente las posiciones #58, #54, #3 y #18 en el UK Singles Chart, obteniendo un Disco de Platino en su país. Dos meses después, lanzaron otro single cantado A capella llamado "Caravan of love", que no se incluyó en ninguno de sus álbumes, pero que fue el tema más exitoso de su carrera, llegando a encabezar el UK Singles Chart.

El segundo disco de The Housemartins fue "The People Who Grinned Themselves To Death" (Go! Discs, 1987), nuevamente con John Williams como productor, teniendo como sencillos de promoción a "Five get over excited", "Me and the farmer" y "Build". A pesar de no haber sido una de las canciones más populares de este trabajo, nuestra favorita siempre ha sido "Bow down", un tema fresco y rítmico que justifica la comparación que se les daba con la banda liderada por Morrissey y Johnny Marr. Para este track, el grupo contó con la participación, como músicos invitados, de Pete Wingfield (piano/teclados), Guy Barker (trompeta) y Sandy Blair (tuba), además del Coro de la St. Winifred School.

En Abril de 1988, este grupo presentaría otro sencillo, esta vez del tema "There is always something there to remind me", que escalaría hasta la posición #35 del UK Singles Chart. No confundirlo con el tema "Always something there to remind me", escrito en 1964 por Burt Bacharach y Hal David, que se hizo conocido por la versión que realizaron los también británicos Naked Eyes en 1983. Lamentablemente, la historia de The Housemartins llegaría a su fin en 1988, tras lo cuál sus integrantes tomaron diversos caminos, siempre relacionados con la música.