SPC ECO - For all time (2009)

SPC ECO es un trío altamente recomendable, que hace poco descubrimos por uno de nuestros amigos (gracias, Iván Ll.). Este grupo, cuyo nombre es la abreviación de Space Echo, fue formado en 2007 por Dean García en bajo, guitarra y secuencias (ex-miembro de Curve, de quienes tenemos pendiente hacer un post), a quien se sumaron la vocalista Rose Berlin y el también guitarrista Joey Levenson.

En 2008, lanzaron su primer single, "You're alright", a través del sello Club AC30, teniendo como lado-B a la canción "Another day", con un sonido influenciado por el Shoegaze y el Dream Pop, que ha sido catalogado por algunos críticos musicales como "Nu Gaze Tripadelica" (¿?), en donde destacan las sólidas paredes sónicas creadas por las guitarras que sirven como marco ideal a la etérea voz de Berlin. Para finales del 2009, el trío, que cuenta con el apoyo en vivo de Harry K. Garcia (guitarra), Debbie Smith (guitarra) y Steve Monti (batería), presentó su álbum debut bajo el nombre de "3-D", publicado por Noiseplus Music y producido por el propio Dean Garcia, en el que resalta notoriamente la canción "For all time", que fue la que más nos llamó la atención en este trabajo, por lo que la compartimos con ustedes en esta ocasión.

Para Mayo de 2010, SPC ECO publicaría un EP titulado "Silver Clouds" con Eco Lab Recording, conformado por 5 tracks en donde, además del tema que da titulo al EP se encuentran otras como "Like it is", "Spotlight" y "Maybe I'll see ya", además de la ya mencionada "For all time". Siempre en 2010, esta vez en el mes de Setiembre, el trío publicó otro EP llamado "Out Of The Sky", nuevamente con el sello Eco Lab Recording, también conformado por 5 canciones: "All my love", "Waiting for the day", "All that you need", "What you see" y "White light". Más adelante, en Diciembre, publicaron otro sencillo con Eco Lab Recording, esta vez del tema "Silent night".

La más reciente publicación de Garcia, Berlin y Levenson ha sido otro EP llamado "Big Fat World" (Eco Lab Recording, 2011), en donde se encuentran las canciones "Gone", "Silo too high", "Big fat world", "Forever now", "Here I am" y "Feels like flying", siempre con esa onda ambiental y ruidista, aunque en esta oportunidad se notan también ciertos rasgos algo más industriales en su propuesta sonora.

SPIN DOCTORS - Jimmy Olsen's blues (1991)

Alternative Rock, Pop y Funk es lo que combina tan bien esta otra excelente banda que posteamos hoy, después de celebrar nuestro aniversario durante el fin de semana. Fundada en Nueva York en 1988, este grupo nos cautivó con su primer disco, y por eso se merecen un lugar en el blog: Spin Doctors.

Chris Barron (voz), Mark White (bajo), Eric Schenkman (guitarra) y Aaron Comess (batería) conformaron la alineación original de Spin Doctors, que en 1991 publicó "Pocket Full Of Kriptonite", el álbum que los presentó en sociedad, producido por Frank Aversa, Peter Denenberg y Frankie La Rocka, editado por Epic Records y del que vendieron más de 5 millones de copias, por lo que se hicieron merecedores a un Quíntuple Disco de Platino en su país. "Little miss can't be wrong", "Two princes", "What time is it?", "How could you want him (when you know you could have me?)" y la genial "Jimmy Olsen's blues" (cuyo vídeo pueden disfrutar más abajo) fueron los temas más populares del disco, que se ubicó como #1 del Billboard's Heatseekers, y en el #2 de los charts en Noruega y el Reino Unido.

Su segunda producción fue "Turn It Upside Down" (Epic Records, 1994), con la producción de Peter Denenberg y Frankie La Rocka, que fue #3 del UK Albums Chart, con canciones recordadas como "Cleopatra's cat" y "You let your heart go too fast", con otro Disco de Platino para la banda. Ese año, Eric Schenkman dejó su lugar como guitarrista, siendo reemplazado por Anthony Krizan, con quien los Spin Doctors lanzaron en 1996 su tercer disco, "You've Got To Believe In Something", a través de Epic, con Peter Denenberg y Danny Kortchmar en la producción y con la incorporación adicional del tecladista Ivan Neville. Tras este disco, Anthony Krizan fue nuevamente reemplazado por Eran Tabib en la guitarra. Para 1998, el grupo cambiaría de compañía discográfica, pasando a las filas de Uptown/Universal.

El cuarto disco de Spin Doctors fue "Here Comes The Bride", publicado en 1999. Los cambios en la formación de la banda continuarían, con la salida del bajista Mark White ese año, dejando su lugar a Carl Carter. Durante la gira de promoción de este disco, el vocalista Chris Barron sufrió una repentina parálisis en las cuerdas vocales, que prácticamente le impedía hablar. Por ello, la banda se mantuvo inactiva hasta Setiembre de 2001. Su más reciente disco, de nuevo con los 4 miembros originales, ha sido "Nice Talking To Me", lanzado en 2005 por el sello Ruffnation Music, bajo la producción de Matt Wallace, que tuvo como singles a "Can't kick the habit", "Margarita" y "Nice talking to me".

Los Spin Doctors siguen activos hasta hoy, y este año celebran el 20vo. Aniversario del lanzamiento de su disco debut con una gira que abarca el Reino Unido y los Estados Unidos, sin noticias aún de un probable nuevo trabajo discográfico.

POST ESPECIAL #13 - Depeche Mode

Estamos de Aniversario. Hoy cumplimos nuestro primer año compartiendo buena música con todos ustedes. Para celebrarlo, al igual que como hicimos ayer, les traemos hoy otro post especial con la otra banda que inauguró nuestro blog aquel 29 de Mayo de 2010. Un grupo del que también somos seguidores desde inicios los 80's, y a los que tuvimos el placer de ver en vivo (por fin!) en 2009 durante la gira de promoción de su más reciente disco, "Sounds Of The Universe". Provenientes de Basildon, Inglaterra, este grupo es uno de los pilares del Synth-Pop mundial, que tuvo sus antecedentes directos en dos proyectos musicales llamados No Romance in China y Composition of Sound. Aquí les presentamos una selección (muy difícil de resumir, por cierto) de algunos de nuestros temas favoritos de Depeche Mode:

1) SPEAK & SPELL - New life (1981)

Fue la primera canción que escuchamos de ellos, hace ya 20 años, incluído en su disco debut, "Speak & Spell", publicado por Mute Records en el Reino Unido y por Sire Records en los Estados Unidos y Canadá, con la producción de Daniel Miller (músico conocido por su proyecto The Normal y fundador de Mute Records). Éste fue el único álbum en donde participó Vince Clarke, quien escribió la mayoría de las canciones del disco, dándole a Depeche Mode sus primeros éxitos como "Photographic", "Boys says go!", "Just can't get enough" y "New life", alejándose del grupo en Noviembre de ese año para formar posteriormente Yazoo (junto a Alison Moyet) y Erasure (junto a Andy Bell). Los otros 3 miembros fundadores de la banda, Dave Gahan (voz), Andrew Fletcher (teclados) y Martin Gore (teclados/guitarra/voz/coros), mantienen vivo a Depeche Mode hasta el día de hoy.

2) CONSTRUCTION TIME AGAIN - Everything counts (1983)

"Construction Time Again" (Mute/Sire Records), fue el tercer disco de Depeche Mode, y el primero con la participación de Alan Wilder, quien ingresó como reemplazo de Vince Clarke para convertirse desde entonces en pieza fundamental de la banda. "Everything counts" escaló hasta el lugar #6 del UK Singles Chart, y hasta el #17 del Dance Tracks Chart de Billboard, siendo una de los mejores tracks del disco, con una onda más industrial que incorporó sonidos de maquinarias como parte de su instrumentación. El vídeo del tema, que pueden ver a continuación, fue dirigido por Clive Richardson y filmado en Berlín Occidental. Gran tema, sin lugar a dudas.

3) MUSIC FOR THE MASSES - Strangelove (1987)

Proveniente de su sexto disco de estudio, producido por David Bascombe (en donde también destacan temas como "Never let me down again", "Behind the wheel" y "Nothing"), "Strangelove" es para nosotros una de las mejores composiciones de toda la trayectoria de Depeche Mode. Una canción estupenda por donde se le mire, que hemos disfrutado miles de veces. El vídeo fue realizado por un constante colaborador del grupo, el genial director y fotógrafo holandés Anton Corbijn. Esta canción fue #1 del US Dance Tracks Chart de Billboard, #16 del UK Singles Charts, y #2 en los rankings de Alemania y Sudáfrica.

4) VIOLATOR - Enjoy the silence (1990)

Noveno de su discografía, "Violator", publicado en 1990 por Mute/Sire Records con Mark "Flood" Ellis como productor, es nuestro disco preferido de Depeche Mode, por varios cuerpos de ventaja. Una verdadera obra maestra, que consiguió por sus ventas Triple Disco de Platino en los Estados Unidos y Disco de Oro en el Reino Unido, en donde se encuentra "Enjoy the silence", tremenda canción que fue el segundo single del álbum, y que ganó el BRIT Award como Mejor Single Británico en 1991. Un himno del Synth-Pop coronado por un impresionante vídeoclip, dirigido también por Anton Corbijn, en donde Dave Gahan aparece como un rey que, según palabras del propio director, "tiene todo en la vida, y que sólo busca un lugar silencioso para sentarse". Este concepto estuvo basado en la conocida novela infantil "Le Petit Prince" ("El Principito"), escrita por Antoine de Saint-Exupéry en 1943.

5) ULTRA - Useless (1997)

"Useless" fue el cuarto y último sencillo del álbum "Ultra", producido pot Tim Simenon y publicado por Depeche Mode en 1997, siendo el primero tras el alejamiento de Alan Wilder en 1995. El mencionado disco debutó al tope del UK Albums Chart y en el #5 del Billboard 200, teniendo otros temas memorables como "Barrel of a gun", "Home" (otra joya de DM) y "It's no good". El vídeo fue también dirigido por Anton Corbijn (quien hizo además el de "It's no good", en el que el director interpreta al presentador de la banda), en donde se aprecia a Gahan (quien por aquella época se recuperaba de una seria adicción a las drogas que casi lo matan un par de veces), Gore y Fletcher en una onda más oscura.

6) PLAYING THE ANGEL - Precious (2005)

"Playing The Angel" es el penúltimo disco editado por DM en 2005, siempre con Mute y Sire Records, que fue producido por Ben Hiller, en donde se haya esta buena canción, que fue el primer single del álbum. Este vídeo, del cuál la banda presentó un avance previo a sus fans, que no contenía aún las escenas de animación finales, fue dirigido por Uwe Flade. El tema encabezó los charts de Dinamarca, Hungría, Italia, España y Suecia, siendo #4 en su país y llegando solamente al puesto #71 del US Billboard Hot 100. Cabe mencionar también que esta canción fue versionada por Tangerine Dream en 2010, como parte de su disco "Under Cover - Chapter One".

NUESTRO 1ER. AÑO DE VIDA!

Casi como jugando, comenzamos este blog hace ya un año. Como dijimos entonces, la intención de esta publicación ha sido siempre la de compartir con todos ustedes canciones que siempre nos han gustado, por motivos diversos, y que nos han acompañado por diversos momentos de la vida. Nos alegra mucho haber comprobado desde entonces que no somos los únicos, y queremos agradecerles a todos su apoyo en todo este tiempo.

Queremos aprovechar también esta ocasión para agradecer a aquellos amigos que nos incentivaron y apoyaron a iniciar esta aventura: Jose G., Jason F., Iván Ll., Lucho C. y Mario G. De verdad, les agradecemos desde el corazón su amistad y apoyo invalorable a este blog, que es también de ellos. (Si nos olvidamos involuntariamente de alguien en este agradecimiento, les pedimos las disculpas del caso, y por favor, siéntanse incluídos en él.)

A nuestros nuevos amigos que nos han honrado con más de 30,000 visitas a lo largo de este año, desde todas partes del mundo, nuestras gracias también. Nos encantaría mantener con ustedes una comunicación más personalizada, así que los invitamos a comentar en el blog y darnos al menos su nombre, para que podamos conocerlos y hablar con ustedes de forma más directa de esta pasión que compartimos, que es la música.

De parte de quien hace este blog, infinitas gracias a todos. Prometemos seguir compartiendo buena música hasta que el cuerpo aguante, para que EL VIAJE SÓNICO celebre muchos años más.

Un fuerte abrazo para todos!

POST ESPECIAL #12 - Morrissey

Mañana estaremos cumpliendo nuestro primer año en el ciberespacio, así que queremos celebrarlo como se debe, con un par de post especiales este fin de semana, dedicados a quienes fueron los encargados de engalanar la primera publicación del blog. Hoy compartimos con ustedes varias de nuestras canciones preferidas de este gran artista a quien admiramos por su trabajo musical, desde sus épocas al frente de los legendarios The Smiths: Steven Patrick Morrissey, conocido por todos simplemente como Morrissey o Mozz, como es llamado cariñosamente por sus miles de fans en todo el mundo. Sería muy largo enumerar todas las canciones de Morrissey que nos gustan, así que después de pensarlo mucho, hemos hecho esta pequeña selección, que seguramente ampliaremos en una publicación futura, porque realmente nos queda corta. Dicho esto, repasemos algunas de las mejores canciones de la brillante discografía como solista de este gran cantante y compositor, que indudablemente forman parte del soundtrack de nuestro viaje sónico:

1) VIVA HATE - Everyday is like Sunday (1988)

Después de "Suedehead", ésta es una de nuestras canciones favoritas de este disco, el primero de Morrissey como solista, tras la disolución de The Smiths en 1987. Un tema que refleja todo el talento creativo del gran Moz, con una letra que es un poema por sí mismo, coronado por un excelente vídeo que contiene escenas de la película "Carry On Abroad", dirigida en 1972 por Gerald Thomas, las cuáles se intercalan con otras escenas filmadas especialmente para el vídeo, en las cuales aparece Lucette Henderson como la protagonista, de quien hemos estado prendados desde la primera vez que vimos este vídeo, que tuvo como locación principal al poblado costero de Southend-on-Sea, ubicado cerca de Essex, Inglaterra. Hemos disfrutado este vídeo muchas veces, y lo seguiremos haciendo por miles de veces más.

2) YOUR ARSENAL - You're the one for me, Fatty (1992)

"Your Arsenal" fue el tercer álbum en solitario de Morrissey, publicado en 1992 por el sello HMV bajo la producción de Mick Ronson. "You're the one for me, Fatty" fue su segundo single, y la letra de la canción, que aparentemente sería un declaración de amor a una mujer "rellenita", estaba dedicada en tono sarcástico a Chas Smash, cantante de Madness y amigo de Mozz, quien lo ha reconocido posteriormente. Este tema llegó a escalar hasta la ubicación #19 del UK Singles Chart, siendo "We hate it when our friends become successful" y "Tomorrow" otros temas destacados en esta producción.

3) VAUXHALL AND I - The more you ignore me, the closer I get (1994)

Otra de nuestras preferidas de siempre. Esta canción, que llegó al #8 del UK Singles Chart y al #1 del Modern Rock Tracks Chart de Billboard en los Estados Unidos, es otra obra maestra, en la que se pone de manifiesto toda la capacidad literaria del Morrissey. Sin ser la típica canción de desesperanza por el amor no correspondido, este tema enfoca el carácter combativo de su autor, reflejado en el título de la canción ("Mientras más me ignores, más cerca estaré"), y en líneas memorables como "...take the easy way and give in..." ("...hazlo fácil y ríndete..."). Por si fuera poco, la melodía vocal y el fraseo de Mozz en esta canción siempre nos han parecido de una gran calidad.

4) YOU ARE THE QUARRY - First of the gang to die (2004)

Incluído en su séptimo disco de estudio, producido por Jerry Finn, este temaza fue #6 en el UK Singles Chart, con una letra enfocada en la delincuencia callejera y en el inevitable y trágico destino al que usualmente lleva esta conducta. Un manifiesto directo sobre el punto de vista de Morrissey sobre la decadencia moral de la sociedad, aspecto recurrente en muchas composiciones de este artista, quien además en su vida privada es vegetariano (recuerden su conocida frase "Meat is murder"). Esta versión en vivo de "First of the gang to die" proviene del DVD "Who Put The M In Manchester?", grabado el 22 de Mayo de 2004 en el Manchester Evening News Arena, con una introducción en donde Mozz canta una parte de la letra de "My way", canción compuesta por Paul Anka en 1969, e inmortalizada por otro gran cantante, Frank Sinatra.

5) YEARS OF REFUSAL - I'm throwing my arms around Paris (2009)

"Rodeo con mis brazos a París porque nadie quiere mi amor, nadie necesita mi amor...", es lo que dice parte de la letra de este tema, perteneciente al más reciente disco de Mozz, publicado en 2009. Una temática recurrente en sus letras, la de la soledad enfocada no desde el punto de vista del sufrimiento, sino más bien desde una perspectiva objetiva, racional y en cierta forma optimista, que no cae en lamentos derrotistas, y que sale siempre bien parada a pesar de todo. Ese es Morrissey, y por eso nos gusta tanto. Este tema fue compuesto junto a su guitarrista "Boz" Boorer, quien es también su director musical. Según algunas publicaciones, este sería el último disco que editaría este cantante. Esperamos que esto no sea cierto, y que podamos seguir disfrutando por muchos años más de sus canciones, como lo hemos hecho desde 1987.

MOTORAMA - One moment (2011)

Nos vamos preparando para celebrar este fin de semana nuestro primer año de vida. Hoy hablaremos de otra buena banda proveniente de Rusia, como ya lo hicimos antes con Manicure y The Tapeaters. Esta vez, dedicamos nuestro post del viernes a Motorama, grupo de Post-Punk con marcadas influencias de Joy Division, formado en 2006 en la ciudad de Rostov-On-Don. Sus integrantes son Vladislav Parshin (voz/guitarra), Maksim Polivanov (guitarra/teclados), Airin Marchenko (bajo) y Alexander Norets (teclados).

En 2008, los Motorama editaron de forma independiente su primer EP, titulado "Horse", conformado por 5 temas: "Echoes", "Horse", "Anchor", "Normandy" y "Wife", que pronto comenzó a llamar la atención de los seguidores del Post-Punk y del Indie Rock a nivel internacional, aunque previamente ya habían presentado un single del tema "Strangest innocence", que estuvo acompañado de una versión en vivo de la canción "Somersault", como lado-B. Un año después, en 2009, publicaron un segundo EP, "Bear", bajo la producción de Martin Iden, en donde además del tema que da título al EP se incluyeron los tracks "Lantern", "Seagulls", "Pine" y "Budapest". Desde Octubre de ese año, Motorama contó con un nuevo integrante en su alineación, el baterista Roman Belenkiy

En Diciembre de ese mismo año, los rusos presentaron un single llamado "Ghost", siempre de manera independiente. Gracias sobre todo a Internet, la banda comenzó a ganar popularidad y a hacerse más conocida en Europa y América Latina. Su esperado álbum debut fue lanzado en 2010 con el nombre de "Alps", en donde se siente una madurez en el sonido del grupo, sin dejar de lado la notoria influencia de Ian Curtis y compañía, lo que no es necesariamente un demérito. En este disco sobresalen varias canciones, entre las que recomendamos "Warm eyelids", "Northern seaside", "Wind in the hair" y "Ship".

El más reciente single presentado por Motorama este 2011 ha sido "One moment", canción cuyo vídeo acompaña este post, tema que fue publicado también en los Estados Unidos a través del sello Holiday Records, siendo la primera vez que el grupo logra editar material en ese país. En este tema vuelve a destacar la voz de Vladislav Parshin, bien secundado por una sólida base rítmica y buenos arreglos de guitarras, que le dan un aura de melancolía muy propia del género musical que practican, influenciado probablemente por los largos y fríos inviernos de la lejana Rusia.

Seguramente escucharemos más de ellos en el futuro, ya que hasta ahora, nos han convencido rotundamente. Esperamos que a ustedes también.

JOHN WILLIAMS - Star Wars main theme (1977)

El día de ayer, se celebraron 34 años del estreno de una de las películas que, para los que estamos ya en nuestros treintas, cambió nuestras vidas desde entonces cuando, aún siendo niños, fuimos con nuestros padres al cine en 1977 para ver "Star Wars", quedando cautivados con aquella gran película surgida de la mente de su director, George Lucas. Cómo olvidar la emoción sentida al ver y escuchar en la pantalla grande, aquella historia de ciencia ficción convertida hoy en un ícono mundial de la cultura popular. Así que para rendir homenaje a esta magna fecha, dedicamos el post de hoy al tema principal de esa primera película de la saga, cuya música fue compuesta por un verdadero maestro: John Williams.

John Towner Williams, compositor, director de orquesta y pianista, nació en Queens, Nueva York, en 1932, siendo hijo de un percusionista de Jazz llamado John Williams Sr., que fue miembro del Raymond Scott Quartet. En 1955, Williams ingresó a la prestigiosa Julliard School para estudiar piano, para mudarse años después a la ciudad de Los Angeles, en donde comenzó una meteórica carrera como compositor de bandas sonoras para películas, ganando su primer Academy Award (conocido popularmente como Oscar) por el score de "Fiddler On The Roof", dirigida por Norman Jewison, en 1971. En 1975, Williams volvería a hacerse acreedor al Oscar, esta vez a Mejor Partitura Dramática Original por el film "Jaws", del director Steven Spielberg.

Ya en 1977, Williams sería contactado por George Lucas para componer la música de "Star Wars" (película que fue rebautizada después como "Star Wars Episode IV: A New Hope"). El tema principal de aquella película, también conocido como "Luke's theme", por su asociación con el personaje de Luke Skywalker, interpretado por el actor Mark Hamill, es ya un clásico conocido en todo el mundo. Nuevamente, y ya convertido en uno de los más importantes compositores de música para películas, John Williams ganó el Oscar a Mejor Partitura Original por esta película, además de obtener el BAFTA Award, el Grammy Award y el Golden Globe Award.

John Williams ha sido responsable también de componer la música para otras películas de gran recordación para los amantes del cine como: "Close Encounters Of The Third Kind" (1977), "Superman" (1978), "The Empire Strikes Back" (1980), "Raiders Of The Lost Ark" (1981), "E.T. - The Extra Terrestrial" (1982), "Return Of The Jedi" (1983), "Indiana Jones And The Temple Of Doom" (1984), "JFK" (1991), "Schindler's List" (1993), "Saving Private Ryan" (1998), "Harry Potter And The Sorcerer's Stone" (2001), "Memoirs Of A Geisha" (2005) y "Munich" (2005), sólo por citar algunas.

Disfruten de esta hermosa composición, en esta versión ejecutada por la Vienna Philarmonic Orchestra bajo la conducción de Franz Welser-Möst, en el evento llamado Sommernachtskonzert, realizado en 2010 en Schönbrunn, Austria. May the Force be with you! (Que la Fuerza los acompañe!).

ATHLETE - Half light (2005)

Siempre con la intención de compartir bandas interesantes, hoy nos enfocamos en Athlete, agrupación de Indie Rock y Alternative Rock fundada en el año 2000 en Londres, Inglaterra, conformada por Joel Pott (voz/guitarra), Carey Willetts (bajo/coros), Tim Wanstall (teclados/coros) y Stephen Roberts (batería), a quienes conocimos hace un tiempo gracias a esta buena canción.

Los cuatro miembros del grupo se conocían desde su adolescencia, y tras decidir formar Athlete empezaron a trabajar en composiciones propias, las mismas que dieron origen a su primer disco en 2003, el mismo que llevó por nombre "Vehicles & Animals", que fue producido por Victor Van Vugt y Bird & Bush, siendo publicado a través de Parlophone Records. Este álbum, que consiguió en su país un Disco de Platino, tuvo 4 sencillos: "You got the style", "Beautiful", "El Salvador" y "Westside", que se ubicaron respectivamente en las posiciones #37, #41, #31 y #42 del UK Singles Chart, por lo que fue nominado al Mercury Music Prize, galardón otorgado por la British Phonographic Industry como una alternativa a los BRIT Awards.

Su segundo álbum, "Tourist" (Parlophone, 2005), también obtuvo un Disco de Platino por sus ventas, encabezando además el UK Albums Chart, colocando a su primer single, "Wires", en la posición #4 del Singles Chart. Como ya dijimos anteriormente, nosotros conocimos a este grupo por el segundo sencillo de este disco, "Half light", tema que escaló a la posición #16 en el Reino Unido, con ese sonido tan característico de muchas bandas de aquella década, que nos hace recordar a los escoceses Snow Patrol o a los estadounidenses Death Cab for Cutie. La fama de Athlete se mantuvo intacta con "Beyond The Neighbourhood", su tercera placa discográfica, editada en 2007 siempre con Parlophone Records, y producido por la propia banda, siendo #5 del UK Albums Chart, y promocionando como sencillos a los tracks "Hurricane", "Tokyo" y "The outsiders".

Su último trabajo hasta la fecha ha sido "Black Swan", lanzado en 2009 por Fiction Records, con Tom Rothrock en la producción, que se ubicó en el lugar #18 de los rankings británicos, que tuvo como tema de promoción a "Superhuman touch". En Setiembre de 2010, EMI Records presentó un compilatorio de Athlete, llamado "Singles 01-10". Según han anunciado los integrantes de la banda, Athlete se encuentra en estos momentos en una pausa temporal, en la que varios de sus miembros están trabajando en proyectos solistas. Sin embargo, se espera que más adelante se vuelvan a concentrar en el trabajo grupal para publicar nuevo material.

ZAPATO 3 - Cuchillo (1995)

Dedicamos el post del martes a esta banda de Rock oriunda de Caracas, Venezuela, que conocimos en los 90's por un programa de la cadena MTV Latinoamérica, y que nos llamó la atención porque no conocíamos hasta entonces del rock venezolano. Desde entonces, hemos escuchado varios de sus trabajos: Zapato 3.

La trayectoria de Zapato 3 se desarrolló entre 1980 y 2000. Su formación original estuvo conformada por Pedro Romero (guitarra), Fernando Batoni (bajo), Javier Avellaneda (guitarra) y Ernesto Rodríguez (batería), quien sería reemplazado en 1981 por José Félix Avellaneda, con una clara tendencia musical hacia el Punk Rock. Luego de probar por algún tiempo a Ingrid Dreissing como vocalista, Javier Avellaneda decide tomar ese rol en la banda. Para 1988, Zapato 3 queda conformado como un trío, integrado por Javier Avellaneda (voz), Fernando Batoni (bajo) y Álvaro Segura (guitarra), usando una batería electrónica como base rítmica. En esta etapa el estilo de la banda se empieza a orientar más hacia el Post-Punk, lo que termina de consolidarse con la salida de Javier Avellaneda, quien deja su lugar a Carlos Segura como nuevo cantante.

Su disco debut, en donde se incorporó Diego Márquez en la batería, fue "Amor, Furia y Languidez" (Grabaciones Clandestinas, 1989), que los hace populares en su país, llegando a compartir escenario en 1990 con los argentinos Soda Stereo, en el Poliedro de Caracas. "Bésame y Suicídate" (Universal Music/Sonográfica, 1991) fue su segundo trabajo, en donde destacan los temas "Pantaletas negras", "Uñas asesinas" y "No puedo despegar". Su carrera continuaría con "Separación" (Sonográfica/Universal Music, 1994), disco en el que Diego Márquez fue sustituído en la batería por Rafael Cadavieco, con el ingreso de Jaime Verdaguer en los teclados.

El reconocimiento internacional para Zapato 3 llegaría con su cuarto álbum, "Cápsula Para Volar", editado por Universal Music en 1995, en donde sobresalen varios temas que sonaron más allá de las fronteras de Venezuela: "Alucinado", "Vampiro" y "Cuchillo", canción que acompaña este post, y que es una de nuestras preferidos del grupo. Nuevamente, Zapato 3 sufrió cambios en su alineación tras la gira de promoción del "Cápsula Para Volar". César Domínguez se convierte en su nuevo baterista, ocupando el lugar de Rafael Cadavieco. Así, editaron en 1999 el que sería su último disco, "Ecos Punzantes Del Ayer", a través del sello Max Music, conformado por 11 temas entre los que podemos mencionar a "El amante", "Tocarte tocarte", "Veneno" y "Cabaret avispa". En el año 2000, los miembros del grupo decidieron separarse, poniendo punto final a esta banda considera como un ícono del Rock en su país, aunque existen rumores de un posible retorno de Zapato 3 a los escenarios.

CABARET VOLTAIRE - Sensoria (1984)

Esta es otra de las bandas que consideramos de escucha obligatoria. Verdaderos pioneros de lo que hoy es la escena electrónica, además de ser uno de los abanderados del movimiento musical surgido de la ciudad de Sheffield, Inglaterra, que tiene entre sus miembros a otros actos destacados como The Human League, ABC o Heaven 17. Estamos hablando de Cabaret Voltaire.

Stephen Mallinder (voz/bajo/sintetizadores), Richard H. Kirk (guitarra/sintetizadores/cintas) y Chris Watson (sintetizadores/cintas) fueron los fundadores de esta agrupación allá por 1973. Su nombre proviene de un local del mismo nombre ubicado en Zurich, Suiza, que es considerado como uno de los primeros centros del movimiento artístico conocido como Dadaísmo. Muchos críticos y especialistas en música electrónica consideran a los Cabaret Voltaire como una de las bandas que creó las bases de los géneros musicales que años después se bautizarían como Synth-Pop, Industrial Music o Electronic Body Music (EBM). Su influencia es innegable en muchos artistas posteriores como, por ejemplo, Trent Reznor (líder de Nine Inch Nails), quien los ha citado en varias entrevistas como una de sus bandas favoritas.

La amplia discografía de Cabaret Voltaire incluye 17 álbumes de estudio, 4 discos en vivo, 28 singles y muchas participaciones en compilatorios. Cabe mencionar que Chris Watson dejó la agrupación en 1981, para formar un nuevo proyecto musical llamado The Hafler Trio. Mallinder y Kirk, los miembros restantes, continuaron al frente del grupo hasta 1994, año en que la historia de Cabaret Voltaire llegó a su fin. Sin embargo, ambos tuvieron también proyectos en paralelo: Kirk participó en la mitad de los 80's en Electronic Eye and Sandoz, mientras que Mallinder hizo lo propio con Sassi & Loco y Kuling-Bros, aparte de ser dueño de un sello llamado Offworld Sounds. Richard H. Kirk decidió retomar el nombre de Cabaret Voltaire a fines de la década del 2000, editando 2 discos en colaboración con los integrantes de las bandas Kora (Nueva Zelanda) y The Tivoli (Inglaterra). Esos discos fueron bautizados como "Kora! Kora! Kora! (Cabaret Voltaire Versions)" (2009) y "National Service Rewind (The Tivoli vs Cabaret Voltaire) (2010).

"Sensoria", tema que posteamos hoy, pertenece al disco "Micro-Phonies", sexto disco de Cabaret Voltaire editado en 1984 por Some Bizarre/Virgin Records, producido junto al renombrado Mark Ellis (aka Flood). En este disco, ya sin Watson, Mallinder y Kirk contaron con el aporte de Roger Quail (batería), Mark Tattersall (percusión) y Eric Random (tablas). El vídeo de "Sensoria" fue dirigido por Peter Care, habiendo sido elegido como Mejor Vídeo del Año por el prestigioso diario estadounidense Los Angeles Times en 1985, además de ser incorporado a la muestra permamente del New York Museum of Modern Art (conocido popularmente como MoMA).

MAZZY STAR - Fade into you (1993)

Hoy tenemos dos cosas que celebrar: (1): Que ayer llegamos a nuestras primeras 30,000 visitas en el blog, y (2): Que el mundo no se acabó! (jejeje). Así que podemos seguir disfrutando de buena música por mucho tiempo más. Hoy lo hacemos con esta buenísima banda de Alternative Rock, Dream Pop y Shoegaze: Mazzy Star.

Los orígenes de Mazzy Star están directamente relacionados a otra agrupación llamada Opal, fundada en 1983 por el guitarrista David Roback, la bajista Kendra Smith y el baterista Keith Mitchell, a quienes se sumaría más adelante la joven cantante Hope Sandoval, estadounidense de raíces mexicanas, que por entonces tenía un dúo llamado Going Home, junto a Sylvia Gómez. Tras la disolución de Opal en 1989, Roback y Sandoval decidieron continuar trabajando juntos, fundando en la localidad de Santa Monica, California, un nuevo proyecto bajo el nombre de Mazzy Star.

La discografía del grupo se inicia en 1990 con "She Hangs Brightly", producido por el propio David Roback, disco que fue publicado por Capitol Records, y en el que colaboraron también William Glenn (aka William Cooper) en los teclados y violín, y Keith Mitchell en la batería. Desde aquí fue que empezó a destacar la voz de Hope Sandoval, capaz de transmitir una languidez que ayuda a redondear el carácter melancólico de varios de los temas del grupo, entre los que destacan "Halah", "Blue flower" y "Ghost highway".

Su segunda producción, "So Tonight I Might See" (Capitol Records, 1993) fue su trabajo más destacado, que llegó al lugar #36 del US Albums Chart de Billboard, ubicándose como #68 en los rankings del Reino Unidos, con un Disco de Platino por sus ventas. Aquí se encuentra la canción "Fade into you", que fue la única composición de Mazzy Star que llegó al Billboard Hot 100, en el puesto #44. Otros temas recomendables de este disco son "Mary of Silence", "Unreflected" y "Into dust". El tercer disco de esta dupla es "Among My Swan" (Capitol Records, 1996), en donde sobresalen los tracks "Flowers in december" y "Take everything", en el que participaron Aaron Sherer (batería) y William Reid (guitarra), uno de los líderes de The Jesus and Mary Chain, banda con la que había colaborado previamente Hope Sandoval, interpretando a dúo con Jim Reid el tema "Sometimes always", incluído en su álbum "Stoned & Dethroned" de 1994. Sandoval volvería a colaborar con The Jesus and Mary Chain en su disco "Munky" de 1998, en el que cantó el tema "Perfume".

A pesar de no haber anunciado oficialmente su separación, Mazzy Star desapareció de la escena musical por 3 años, tras la gira de promoción de su último disco. En ese lapso, Hope Sandoval fundó otro proyecto llamado Hope Sandoval & the Warm Inventions, junto a Colm Ó Cíosóig, baterista de My Bloody Valentine, editando 2 discos entre 2001 y 2009, colaborando también con otros artistas como Air, Death In Vegas, Massive Attack y The Chemical Brothers. Además, la cantante editó en 2001 un disco como solista, llamado "Bavarian Fruit". Supuestamente, Mazzy Star sigue vigente, aunque no se han tenido noticias recientes sobre ellos.

R.E.M. - It's the end of the world as we know it (and I feel fine) (1987)

21 de Mayo de 2011. Harold Camping, un ingeniero civil estadounidense, jubilado y de 89 años, ha predicho que hoy será el día del juicio final, que llegará con un terremoto global devastador. Jajaja!. Bueno, como nosotros no creemos en tonterías como ésta, y tenemos mejores cosas de las que precuparnos, hemos decidido postear hoy sábado una canción con un título acorde a esta noticia.

"It's the end of the world as we know it (and I feel fine)", título que se puede traducir a nuestro idioma como "Es el fin del mundo como lo conocemos (y yo me siento bien)", es una excelente canción que oímos desde hace mucho, a cargo de un grupo que ya lleva un poco más de 30 años regalándonos grandes discos y grandes canciones: R.E.M. Esta agrupación, oriunda de la ciudad de Athens, Georgia, cuyo nombre se refiere a las siglas del término médico Rapid Eye Movement (que es la fase del sueño más intensa, en la que los ojos se mueven rápidamente), fue fundada en 1980 por Michael Stipe (voz), Peter Buck (guitarra/mandolina), Mike Mills (bajo) y Bill Berry (batería), quien anunció su alejamiento oficial del grupo en 1997. Según han contado ellos mismos, antes de elegir el nombre que los haría famosos en todo el mundo, tuvieron otros nombres como "Twisted Kites", "Cans of Piss" y "Negro Wives" entre las opciones para bautizar a la banda.

El primer single editado por R.E.M. fue "Radio Free Europe" (1981), con el sello Hib-Tone Records. Dos años despúes, publicarían su disco debut, titulado "Murmur", con I.R.S. Records y con Don Dixon y Mitch Easter como productores. Hasta hoy, son en total 15 los álbumes de estudio que ha editado esta importante banda, que después de "Murmur" han sido, en orden cronológico: "Reckoning" (1984), "Fables Of The Reconstruction" (1985), "Lifes Rich Pageant" (1986), "Document" (1987), "Green" (1988), "Out Of Time" (1991), "Automatic For The People" (1992), "Monster " (1994), "New Adventures In Hi-Fi" (1996), "Up" (1998), "Reveal" (2001), "Around The Sun" (2004), "Accelerate" (2008) y "Collapse Into Now" (2011). Los éxitos de la banda son muy numerosos, y prometemos hacer un especial de R.E.M. más adelante para recordar varios de ellos (si el mundo todavía existe para entonces).

Volviendo al tema que origina nuestro post de hoy, diremos que pertenece al disco "Document" de 1987, producido por la banda junto a Scott Litt, que fuera editado por I.R.S. Records, con un Disco de Platino por sus ventas. "It's the end of the world as we know it (and I feel fine)", que extrañamente solo escaló hasta la ubicación #19 del Mainstream Rock Tracks Chart de la revista Billboard, ha sido versionada en muchas ocasiones por diversos artistas, además de ser utilizada en varias series de televisión estadounidenses y en los soundtracks de algunas películas como "Independence Day", "Chicken Little", "Flashback", "Tommy Boy" y "Dream A Little Dream".

SUPERGRASS - Alright (1995)

Gareth "Gaz" Coombes (voz/guitarra), su hermano Rob (teclados), Mick Quinn (bajo/coros) y Danny Goffey (batería/coros), fueron los miembros de esta buena banda Alternative Rock y Brit-Pop, creada en Oxford, Inglaterra. Dos de ellos, Gaz Coombes y Danny Goffey, habían sido anteriormente integrantes de un grupo de Shoegaze llamado The Jennifers, hasta que formaron este cuarteto en 1993, cuyo nombre original fue Theodore Supergrass, que luego simplicaron por el de Supergrass.

Su primer disco, "I Should Coco", fue editado por Parlophone Records en 1995, llegando al tope del UK Albums Chart, con más de un millón de copias vendidas, por lo que recibieron un Disco de Platino. Nuestra canción preferida del disco, "Alright", cuyo vídeo pueden ver en este post, fue premiada con el Ivor Novello Award (distinción otorgada por la British Academy of Songwriters, Composers and Authors - BASCA) como Mejor Canción Contemporánea ese año, además de ser también #1 del Modern Rock Tracks Chart de Billboard. Dos años más tarde, publicaron "In It For The Money" (Parlophone, 1997), su segundo álbum producido por John Cornfield, que tuvo como singles a "Going out", "Richard III", "Sun hits the sky" y "Late in the day", con otro Disco de Platino, y la posición #2 del UK Albums Chart.

La trayectoria discográfica de Supergrass continuaría con "Supergrass" (Parlophone, 1999), de nuevo con Cornfield en la producción, en donde destacaron las canciones "Pumping on your stereo" y "Moving". Le seguiría "Life On Other Planets", editado en 2002 y producido por Tony Hoffer, en donde les recomendamos escuchar los temas "Grace" y "Seen the light". Curiosamente, esta fue la primera producción del grupo en donde se reconoció oficialmente a Rob Coombes como miembro de la banda, a pesar de haber colaborado con ellos desde su primer disco.

Los dos últimos discos de Supergrass fueron "Road To Rouen" (2005) y "Diamond Hoo Ha" (2008), también editados por Parlophone Records, que no tuvieron la misma aceptación de sus primeros trabajos. Cabe mencionar que en su último disco participó también como segundo guitarrista el menor de los hermanos Coombes, Charly. La banda decidió separarse en Abril de 2010, haciendo su última presentación oficial en vivo en Junio de ese año en París, Francia. Al momento de su disolución, la banda había estado trabajando en lo que sería su séptimo disco de estudio, que nunca llegó a editarse, y que iba a llevar como nombre tentativo "Release The Drones". A lo largo de su carrera, Supergrass recibió también 1 NME Award, 1 Q Award, 3 BRIT Awards, y 1 UK Music Video Award.

Los dejamos a continuación con el vídeo del tema "Alright", dirigido en 1995 por Dominic Harvey y Nick Goffey, quienes son conocidos bajo el nombre artístico de Dom and Nic, habiendo trabajado también con otros artistas como The Chemical Brothers, David Bowie, Oasis, The Smashing Pumpkins, The Wallflowers, Robbie Williams y Faithless. Que lo disfruten.

ÍNDIGO - Días de radio (2003)

Honestamente, hoy nos ha costado mucho escribir el post del día, ya que ayer recibimos la triste noticia del repentino fallecimiento de un amigo. Pero como dice el refrán: "El show debe continuar...". Así que queremos dedicar esta reseña a Pitty, a quien vamos a extrañar, deseando que esté ya en un lugar mejor y que su familia tenga la fuerza suficiente para sobrellevar esta terrible pérdida. A ellos, nuestras más sinceras condolencias. Descansa en paz amigo, ya nos volveremos a encontrar del otro lado...

Índigo, la banda que reseñamos hoy, fue una de las mejores agrupaciones de Pop Rock surgidas en el Perú a fines de los 90's. Sus inicios datan de 1998, cuando en la ciudad de Lima, Iván Fajardo (voz/guitarra), Darko Saric (guitarra), Rubén "Beto" Verástegui (bajo) y Ricardo Montero (batería), decidieron empezar a tocar juntos. Desde un principio, se notaba en su sonido una marcada influencia del Brit-Pop, del Modern Rock y del New Wave. Así, comenzaron a componer algunas canciones con la colaboración del Ingeniero de Sonido Roberto Montero, hermano mayor de Ricardo. Tras grabar un Demo EP de 4 canciones, Índigo comenzó a hacer presentaciones en vivo en diferentes locales de su ciudad natal, empezando a atraer la atención del público. Poco después, irían atrayendo también a varios Jefes de Programación y DJs de varias radios locales, así como a periodistas de diversos diarios y medios escritos peruanos.

Ya en el año 2000, mientras ingresaron al estudio para trabajar en los temas de su disco debut, una de las canciones de su EP, "Voces lejanas", fue incluída por el director de cine Felipe Degregori en la película "Ciudad de M" (basada en la novela "Al Final de la Calle", escrita por Óscar Malca), que fue premiada por el Consejo Nacional de Cinematografía (CONACINE), cuyo soundtrack, editado ese año por la filial peruana de Sony Music, agrupaba a las mejores bandas de la escena rockera local de entonces, como La Liga del Sueño, Dolores Delirio, G3, Madre Matilda, La Sarita, Electro-Z y Radio Criminal. "Voces lejanas", tema cuya autoría pertenece a Jason Fashe (letra) y Darko Saric (música), se convierte en un éxito radial, liderando los rankings de Radio América y Radio Miraflores.

Fue a inicios del 2001 que Índigo publicó bajo su propio sello, Cyan Music, su esperado disco debut homónimo, compuesto por 11 canciones de excelente factura técnica e instrumental, entre las que destacan temas como "Alas humanas", "Espiral", "Cielo gris", "Respirando luces", "El final" y "Sólo juegas", además de la ya mencionada "Voces lejanas". La presentación oficial del disco se realizó en el ya desaparecido Hard Rock Café de Lima. "Soledad", segundo sencillo del disco, llegó a cruzar las fronteras de su país, encabezando el ranking de la emisora WMSC de Nueva Jersey, Estados Unidos. Debido a este auspicioso debut, el cuarteto es considerado como Banda Revelación del 2001, tras lo cuál firmaron un contrato con el sello Sony Music Perú, que re-edita su disco.

Durante el resto de 2001 y todo el 2002, Índigo se dedicó a recorrer su país haciendo presentaciones en vivo, además de participar en varios de los festivales más importantes realizados en Lima. Ya en 2003, Fajardo, Saric, Verátegui y Montero comenzaron a componer nuevos temas para su segunda producción discográfica, entre los cuáles estaban "Piedad" y "Días de radio" (que incluímos en este post). Sin embargo, dicha producción nunca llegó a editarse, debido a que la banda decidió disolverse lamentablemente en 2004. Tras la separación, Iván Fajardo continuó su trayecto musical al frente de su nueva banda, Era, para en 2011 iniciar una carrera en solitario. Darko Saric emigró a los Estados Unidos, en donde formó otra agrupación en la ciudad de Nueva York (donde reside hasta hoy) llamada In Flight Radio. Por su parte, Ricardo Montero se unió a La Negra, banda de Blues y Soul, mientras que Beto Verástegui emigró también a Paraguay, volviendo al Perú años despúes. Algunos rumores sobre una posible reagrupación de Índigo circularon durante el 2009, sin que esto se haya concretado hasta el día de hoy.

WEEZER - Island in the sun (2001)

"Island in the sun" es una excelente canción de 2001, incluída en el segundo disco de una trilogía editada por esta banda de Alternative Rock de Los Angeles, California, cuya característica es que los tres discos llevan por título el nombre del grupo, por lo que los fans han rebautizado estos álbumes por el color de sus portadas: "The Blue Album", "The Green Album" y "The Red Album". Hoy los invitamos a conocer un poco más sobre ellos: Weezer.

La historia de Weezer se inicia en 1992, cuando Rivers Cuomo (voz, guitarra), Jason Cropper (guitarra/coros), Matt Sharp (bajo/coros) y Patrick Wilson (batería) deciden fundar la banda. Tras firmar con Geffen Records en 1993, el grupo empezó a grabar su disco debut bajo la producción de Rik Ocasek (vocalista y guitarrista de The Cars). Aquel disco, el primero de su trilogía homónima, fue llamado "Weezer", aunque como ya dijimos, se conoce mejor como "The Blue Album". Fue publicado por DGC Records (subsidiaria de Universal Music Group, de propiedad de David Geffen). La canción más recordada de este disco es "Buddy Holly", con un memorable vídeo dirigido por Spike Jonze, en homenaje a la serie de televisión "Happy Days", que los hizo populares a nivel mundial. "Pinkerton" (DGC, 1996) fue su segundo álbum, ya con Brian Bell en reemplazo del guitarrista Jason Cropper, cuyos singles fueron "El scorcho", "The good life" y "Pink triangle". Entre 1997 y 2000, Weezer se tomó una pausa, para permitir que varios de sus integrantes se enfocaran en sus proyectos paralelos.

En el año 2001, Weezer editaría "Weezer (The Green Album)", publicado por Geffen Records, y nuevamente producido por Rik Ocasek, en donde se encuentra "Island in the sun", tema del que se hicieron dos vídeos. El primero de ellos, dirigido por Marcos Siega, tiene como guión una boda mexicana (pueden verlo aquí). La segunda versión (que incluímos en este post) fue dirigida por Spike Jonze, en la que sólo 3 de los miembros de la banda (Cuomo, Wilson y Bell) aparecen interactuando con diversos animales salvajes, debido a que Mikey Welsh, bajista que había reemplazado a Matt Sharp desde 1998, acababa de dejar al grupo. Sus próximos dos discos, "Maladroit" (2002) y "Make Believe" (2005), también serían editados por Geffen Records, siendo respectivamente #3 y #2 del US Albums Charts de Billboard, en los que recomendamos los temas "Dope nose", "Keep fishin'", "Beverly Hills" y "Perfect situation". Estos dos últimos encabezaron el Modern Rock Tracks Chart de Billboard.

"Weezer (The Red Album)", fue su sexto álbum de estudio, producido por Rick Rubin y Garret "Jacknife" Lee, editado en 2008 por DGC/Interscope Records. El disco llegó al puesto #4 del US Albums Chart, gracias a canciones como "Pork and beans" y "The greatest man that ever lived (Variations on a shaker hymn)", con un nuevo bajista, Scott Schriner. Su próximo trabajo fue "Raditude" (DGC/Interscope, 2009), cuyo sencillo de promoción fue "(If you're wondering if I want you to) I want you to". El más reciente disco editado por Weezer ha sido "Hurley", editado por el sello Epitaph en 2010, mismo año en que lanzaron un disco compilatorio (con algunos temas inéditos) que fue bautizado con el curioso nombre de "Death To False Metal". Según ha declarado el propio Rivers Cuomo, Weezer se encuentra actualmente trabajando en un nueva producción discográfica.

LEVEL 42 - Lessons in love (1987)

Como solemos decir en este blog, hay canciones que, aunque pasen los años, siempre nos siguen causando las mismas sensaciones, como es el caso de esta buenísima canción, interpretada por esta banda fundada en Isle of Wight, Inglaterra, en 1979, compuesta en sus comienzos por el talentoso Mark King (voz/bajo), Mike Lindup (teclados/coros), Waliou "Wally" Badarou (teclados) y los hermanos Phil (batería) y Rowland "Boon" Gould (guitarra): Level 42.

El sonido de Level 42 siempre se ha caracterizado por combinar influencias de géneros como el Funk, Jazz, Pop Rock y New Wave. Curiosamente, antes de que la banda se estableciera como tal, contó con la colaboración del también guitarrista argentino/inglés (y por entonces desconocido) Dominic Miller, quien más adelante se convertiría en un renombrado músico de sesión, además de trabajar hasta hoy junto a Sting. Tras elegir el nombre de Level 42, el entonces quinteto grabó un single para el sello Elite Records, llamado "Love meeting love", en el que destaca el trabajo vocal de King y Lindup (quien hizo de los falsettos su marca registrada en la banda). Tras firmar con Polydor Records, el grupo editaría en 1981 su álbum debut autotitulado, con Mike Vernon como productor, que tuvo como sencillos a los temas "Love games", "Turn it on" y "Starchild". Su segundo disco fue "Strategy, The Early Tapes" (Polydor Records, 1982), producido por Andy Sojka, que fue la reedición de sus primeras grabaciones para Elite Records, en donde sobresalen "Love meeting love" y "(Flying on the) Wings of love".

Le seguirían los álbumes "The Pursuit Of Accidents" (1982), "Standing In The Light" (1983) y "True Colours" (1984), todos siempre con Polydor. En 1985 editaron "World Machine", su sexto álbum de estudio, que fue #3 del UK Albums Chart, que contiene otra de nuestras preferidas de Level 42: "Something about you", que fue respectivamente #6 y #7 en los rankings del Reino Unido y los Estados Unidos. La canción que posteamos hoy, "Lessons in love", pertenece al disco "Running In The Family" (Polydor, 1987), que estuvo entre los Top 5 de Austria, Dinamarca, Alemania, Holanda, Suecia, Suiza y el Reino Unido. Ese mismo año, los hermanos Phil y Boon Gould dejaron la banda, siendo reemplazados por Gary Husband y Alan Murphy.

El último trabajo de Level 42 con Polydor Records fue "Staring At The Sun", publicado en 1988. En 1989, el guitarrista Alan Murphy falleció víctima de neumonía, además de padecer de SIDA. Los dos siguientes discos del grupo fueron editados por RCA Records: "Guaranteed" (1991), con Allan Hodsworth como guitarrista invitado, y "Forever Now" (1994) con Danny Blume en la misma función. También en 1994 se anunció la disolución oficial de Level 42, tras lo cuál Mark King continuó como solista. Tras adquirir los derechos del uso del nombre de la banda, King resucitó a Level 42 con la misma formación que lo acompañaba como solista: Nathan King en guitarra, Lyndon Connah en teclados, Sean Freeman en saxofón y Gary Husband en batería. Tras 12 años desde su última producción discográfica, el grupo lanzó en 2006 el disco "Retroglide" a través de los sellos W14 y Universal Music Group, en donde también participaron Boon Gould y Mike Lindup.

ALASKA Y DINARAMA - Isis (1984)

Madrid, España, 1982. Se disuelve Alaska y los Pegamoides, banda integrada por la mexicana Olvido Gara Jova (conocida por su nombre artístico, Alaska), y los españoles Ana Isabel Fernández (aka Ana Curra), Ignacio "Nacho" Canut, Eduardo Benavente y Toti Árboles. Poco después, Canut se úne a Carlos Berlanga (quien también había sido miembro de los Pegamoides entre 1979 y 1980), en un proyecto musical al que llaman Dinarama. Alaska se incorporaría al poco tiempo, por lo que el trío queda rebautizado inicialmente como Dinarama + Alaska, para después modificar su nombre por el de Alaska y Dinarama.

Su primer álbum fue "Canciones Profanas", editado por el sello Hispavox en 1983, cuyos singles promocionales fueron "Crisis", "Perlas ensangrentadas", "Deja de bailar" y "Rey del glam". Al año siguiente, Alaska y Dinarama publicó su segundo disco, "Deseo Carnal", de nuevo con Hispavox, que alcanza el #1 en los rankings españoles, gracias a excelentes canciones como "Ni tú ni nadie" o "¿Cómo pudiste hacerme esto a mí?", hoy considerados himnos de la llamada Movida Madrileña. A nosotros nos gusta mucho en este disco "Isis", que no fue un tema muy popular, pero que siempre ha estado entre nuestros preferidos del grupo. En este post pueden ver un vídeo de este tema, extraído de la presentación de la banda en el programa La Bola de Cristal, emitido por Televisión Española (TVE).

La trayectoria de Alaska y Dinarama continuó con "No Es Pecado" (Hispavox, 1986), en donde se encuentra otro de sus éxitos más recordados: "A quién le importa", canción que por su letra ha sido tomada como emblema por la comunidad gay en toda Latinoamérica. Los demás sencillos de este disco fueron "La funcionaria asesina", "Un millón de hormigas" y "Sólo creo lo que veo". Su siguiente producción, "Diez" (Hispavox, 1987), fue un disco compilatorio en donde se incluyeron dos temas inéditos.

El último álbum editado por el grupo fue "Fan Fatal" en 1989, influenciado por géneros musicales como el Acid House y el Hip-Hop. Su primer single fue "Mi novio es un zombie" (cover de Los Vegetales, banda formada en paralelo por Nacho Canut), seguido por "Descongélate" y "Quiero ser santa". En esta época, la relación entre Carlos Berlanga y Nacho Canut se vuelve muy tensa, por lo que el trío decide ponerle punto final al grupo. Tras su separación, Canut y Alaska fundaron otro proyecto llamado Fangoria, mientras que Carlos Berlanga inició una carrera como solista. Pero esa ya es otra historia.

POST ESPECIAL #11 - Gustavo Cerati

Hace exactamente un año, el 15 de Mayo de 2010, tras hacer una presentación en Caracas, Venezuela, como parte de la gira de promoción de su último disco, "Fuerza Natural", el guitarrista, cantante, productor y compositor argentino Gustavo Adrián Cerati Clark (nacido en Buenos Aires el 11 de Agosto de 1959), sufrió un accidente cerebrovascular que lo ha mantenido en estado de coma desde entonces. Hoy en el blog, queremos recordar su trayectoria como solista (que empezó mientras aún encabezaba a Soda Stereo), con estas canciones que nos han acompañado en diferentes etapas de la vida, a las que sumamos nuestros mejores deseos de una pronta mejoría. Fuerza Cerati!

1) AMOR AMARILLO - Te llevo para que me lleves (1993)

Mientras aún formaba parte de Soda Stereo, Gustavo Cerati editó su primer disco como solista en 1993, llamado "Amor Amarillo", que fue co-producido junto a Héctor "Zeta" Bosio. En este disco se incluyó este excelente tema, en el que participó en los coros su entonces esposa, la actriz y modelo chilena Cecilia Amenábar, de la que Cerati se divorciaría en 2002. En este vídeo aparece Amenábar, embarazada entonces de Benito, primer hijo de la pareja (más adelante, tendrían otra hija llamada Lisa).

2) BOCANADA - Puente (1999)

"Bocanada" (BMG International, 1999) fue el segundo álbum solista de Cerati, publicado tras la (primera) separación de Soda Stereo en 1997. Esta canción fue el segundo single del disco, nominada a un Latin Grammy como Mejor Canción de Rock. En este vídeoclip, Cerati conduce un vehículo futurista al cuál suben diferentes personajes, entre los que se puede apreciar a los músicos Flavio Etcheto y Leo García, amigos y colaboradores constantes del músico. El vídeo fue también nominado al Premio Carlos Gardel (el Grammy argentino) como Mejor Vídeoclip.

3) SIEMPRE ES HOY - Artefacto (2002)

En 2002, Cerati editó "Siempre Es Hoy", su tercera placa discográfica solista, a través del sello Sony International. En este disco colaboraron Flavio Etcheto (guitarra/samplers/trompeta/secuencias), Leandro Fresco (teclados/coros), Fernando Nalé (bajo), Javier Zuker (scratches/loops) y Pedro Moscuzza (batería/percusión). En el vídeo se aprecia una versión en vivo de esta canción, durante la gira de promoción del disco. Otras canciones que nos gustan mucho de este trabajo son "Cosas imposibles", "Karaoke", "Casa", "Camuflaje" y "Tu cicatriz en mí".

4) AHÍ VAMOS - La excepción (2006)

Nuevamente a través de Sony International, Gustavo Cerati presentó en 2006 "Ahí vamos", su cuarto disco en solitario, que obtuvo Disco de Platino en Argentina y Disco de Oro en México. El primer single del disco fue "Crimen", que ganó el Latin Grammy a Mejor Canción de Rock. "La excepción", cuyo vídeo pueden ver a continuación, fue el segundo sencillo del álbum, cuya gira de promoción incluyó dos conciertos en el Perú, en la ciudades de Lima (al que pudimos asistir) y Arequipa, realizados en Setiembre de 2009. Les recomendamos también de este álbum otros tracks como "Caravana", "Lago en el cielo", "Jugo de luna" y "Bomba de tiempo".

5) FUERZA NATURAL - Rapto (2009)

"Fuerza Natural" (Sony Music Argentina, 2009) ha sido el quinto y último disco solista de Cerati. Fue producido por el propio artista junto a Héctor Castillo, siendo grabado y mezclado en Unísono, estudio de grabación de Cerati en Buenos Aires, Argentina. Gracias a este disco, volvío a hacerse acreedor a 3 Latin Grammys (Mejor Álbum Rock, Mejor Diseño de Portada y Mejor Canción por "Déjà vu"). Nuestra canción favorita de este disco es "Rapto", cuyo vídeo incluímos más abajo.

ALICE IN CHAINS - No excuses (1994)

Sábado en el blog, con un grupo de Alternative Rock y Grunge del que lamentablemente han fallecido ya dos de sus miembros originales, en ambos casos por sobredosis de drogas: el cantante Layne Staley (en Abril de 2002) y el bajista Michael "Mike" Starr (en Marzo de 2011): Alice in Chains.

En 1986, Layne Staley fundó en Seattle, Washington, tras su salida de Sleeze, una banda de Heavy Metal con el nombre de Alice N' Chains, junto a Nick Pollock (guitarra), Johnny Bacolas (bajo) y James Bergstrom (batería). Luego, tras conocer al guitarrista Jerry Cantrell, Layne pasó a formar parte de Diamond Lie (el grupo de Cantrell) que completaban Mike Starr (bajo) y Sean Kinney (batería). Diamond Lie sería la base de lo que en 1987 se convertiría oficialmente en Alice in Chains, que en 1988 grabó un demo llamado "The Treehouse Tapes", que motivó que la banda fuera firmada por el sello Columbia Records al año siguiente. "We Die Young" (1990) sería el profético nombre del primer EP del cuarteto, producido por Dave Jerden, que incluía además a los temas "It ain't like that" y "Killing yourself". En Agosto del mismo año, Alice in Chains publicaría su disco debut, "Facelift", con el mismo productor y el mismo sello, en donde resalta la canción "Man in the box", que llegó al puesto #18 del Mainstream Rock Tracks Chart de Billboard y fue nominado a un Grammy Award como Mejor Performance Hard Rock.

"Sap", fue el segundo EP de Alice in Chains, editado en Febrero de 1992, en el colaboraron Ann Wilson (vocalista de Heart), Mark Arm (cantante y guitarrista de Mudhoney) y Chris Cornell (por entonces líder de Soundgarden), lo que hizo que el grupo empezara a ser relacionado con la escena Grunge, lo que se consolidó con la participación del cuarteto en la película "Singles", dirigida por Cameron Crowe en 1992, en cuyo soundtrack se incluyó el tema "Would?" (que además ganó en 1993 un MTV Video Music Award a Mejor Vídeo de una Película). También en 1992, publicaron su segundo álbum, "Dirt", en donde están otros himnos de la banda como "Rooster" y "Down in a hole", que escaló hasta el #6 del Billboard 200 y recibió un cuádruple Disco de Platino por sus ventas. "Jar Of Flies" (Columbia, 1994) fue su tercer EP, en donde el bajista Mike Starr fue reemplazado por Mike Inez. A este EP, uno de los mejores trabajos del grupo, pertenecen los tracks "Nutshell", y "No excuses", cuyo vídeo incluímos en este post. "No excuses" fue #1 del Mainstream Rock Tracks Chart, y su letra, escrita por Jerry Cantrell, habla sobre su difícil relación personal con Layne Staley.

Alice in Chains publicaría otro disco más de estudio, "Alice in Chains" (Columbia, 1995), en donde está "Heaven beside", otro de los grandes temas de la banda, cantado por Jerry Cantrell, en donde se puede apreciar su excelente voz, lo que se reafirmó en 1996 cuando la banda realizó su memorable presentación para la serie MTV Unplugged, que fue plasmada en un disco que es de escucha obligatoria. A pesar de que la banda nunca anunció de forma oficial su separación, entró en pausa en 1996 tras la muerte de Demri Parrott, pareja de Layne Staley, tiempo en el que Cantrell publicó dos discos como solista ("Booty Depot" en 1998 y "Degradation Trip" en 2002). Como ya mencionamos, Layne Staley murió en 2002. No fue hasta 2005 que los 3 miembros restantes de Alice in Chains (Cantrell, Inez y Kinney) se volverían a juntar en los escenarios, para una serie de conciertos benéficos, hasta que en 2006 decidieron incorporar como nuevo vocalista a William DuVall, con quien han editado en 2009 "Black Gives Way To Blue", el más reciente disco de la banda, producido por Nick Raskulinecz para el sello Virgin Records, que ha tenido como singles a "A looking in view", "Check my brain" y "Your decision".

NAKED EYES - (What) In the name of love (1984)

Tras haberse superado un problema con Blogger, que impidió el acceso de millones de bloggers a sus cuentas de blogspot el día de ayer, y tras haber posteado más temprano el tema que teníamos preparado para ayer, hacemos lo propio con el post de hoy viernes, que viene con otro gran tema de Naked Eyes, un dúo de Synth-Pop y New Wave fundado en 1982 en Bath, Inglaterra, por Pete Byrne (voz) y Rob Fisher (teclados).

Previamente a la creación de Naked Eyes, Byrne y Fisher integraron a fines de los 70's una banda llamada Neon, junto a Neil Taylor, Manny Elias, Curt Smith y Roland Orzabal, que se separó en 1981. Luego de dicha ruptura, Smith y Orzabal formaron Tears for Fears. Tras firmar un contrato con EMI Records, Naked Eyes editó su álbum debut en 1983, llamado "Burning Bridges", que en los Estados Unidos y Canadá llevó el nombre de "Naked Eyes", producido por Tony Mansfield. En este disco se encuentran los primeros éxitos del dúo: "Always something there to remind me", "Promises, promises" y "When the lights go out". Al año siguiente, lanzaron su segunda producción, "Fuel For The Fire", con Arthur Blake y Tony Mansfield en la producción, a través de Parlophone Records y EMI America Records. La canción que origina nuestro post de hoy, "(What) In the name of love", alcanzó la posición #35 del US Dance Tracks Chart de la revista Billboard, aunque no ingresó a los charts en el Reino Unido. El otro sencillo del disco fue "Sacrifice", que tuvo poca atención de los medios y del público. Por ello, la historia de Naked Eyes llegó rápidamente a su fin, cuando Byrne y Fisher decidieron separarse en 1985.

Tras la ruptura, Pete Byrne se mudó a los Estados Unidos y continuó trabajando como músico de sesión, editando además un disco en solitario titulado "The Real Illusion" en 2001, mientras que Rob Fisher se unió en 1987 al cantante Simon Climie para formar otro dúo llamado Climie Fisher, recordado por la canción "Love changes (everything)" (que pueden escuchar aquí), publicado ese año como parte del disco "Everything". Rob Fisher falleció en Agosto de 1999, tras una intervención quirúrgica, cuando sólo tenía 42 años.

En 2005, Pete Byrne decidió reclutar a nuevos miembros para relanzar a Naked Eyes, publicando en 2007 un nuevo álbum con Oglio Records, llamado "Fumbling With The Covers" que, como su nombre lo indica, contenía covers de canciones de Bob Dylan, The Beatles y Elvis Costello, así como nuevas versiones de algunos temas antiguos de su época junto a Fisher. Según ha anunciado Byrne en la página web de Naked Eyes (www.nakedeyesmusic.com), en poco tiempo se estará publicando el más reciente disco de la banda, "Picadilly", del cuál se ha presentado como adelanto el tema "Ready", que tiene claras influencias de The Beatles. Estaremos atentos a la publicación de este trabajo.

BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB - Love burns (2001)

"Love burns" es un muy buen tema del primer disco de esta interesante banda de Alternative Rock fundada en 1998 en San Francisco, California, por Robert Levon Been (voz/bajo), Peter Hayes (voz/guitarra) y Nick Jago (batería), que en un inicio se llamó The Elements, y que hoy reseñamos en el blog: Black Rebel Motorcycle Club.

Su disco debut se llamó "B.R.M.C." (Virgin Records, 2001), con un sonido emparentado también con el Garage Rock, y que por momentos nos hace recordar a The Jesus and Mary Chain, que tuvo como singles a "Red eyes and tears", "Rifles", "Love burns" y "Spread your love", obteniendo en el Reino Unido un Disco de Oro por sus ventas. Cabe decir también que las canciones "Love burns" y "Whatever hapenned to my Rock and Roll" fueron incluídas en el exquisito soundtrack de la película "9 Songs", dirigida en 2004 por Michael Winterbottom. El segundo álbum de los BRMC fue "Take Them On, On Your Own" (Virgin Records, 2003), producido por ellos mismos, que también consiguió Disco de Oro en el Reino Unido, gracias a temas como "Stop", "Generation", "US government" o "We're all in love". En 2004 tras firmar su vínculo contractual con Virgin, el baterista Nick Jago dejó la banda, que en Agosto de 2005 publicó "Howl", su tercer disco de estudio, a través de RCA en los Estados Unidos y The Echo Label en Europa, con Peter Salisbury como nuevo baterista y el aporte en vivo del guitarrista Michael "Spike" Keating.

"Baby 81" (RCA/Island Records, 2007) fue su siguiente trabajo, que debutó en #46 del Billboard 200, teniendo como sencillos a "Weapon of choice" y "Berlin", además de marcar el regreso de Nick Jago a la batería, aunque se alejaría del grupo nuevamente en Junio de 2008, tras lo cuál ocupó esa posición Leah Shapiro. Le seguiría el disco "The Effects Of 333" (Abstract Dragon, 2008) y un CD/DVD en concierto titulado "Black Rebel Motorcycle Club Live", presentado a fines de 2009, con escenas de presentaciones de la banda en Berlín (Alemania), Dublín (Irlanda) y Glasgow (Escocia) durante la gira de promoción del álbum "Baby 81".

El sexto y más reciente álbum de estudio de BRMC es "Beat The Devil's Tattoo", editado en Marzo de 2010 en los Estados Unidos por los sellos Abstract Dragon y Vagrant Records, y por Cooperative Music Group en Europa, con Michael Been como productor, quien además era padre del bajista Robert Levon Been y había sido miembro de The Call. Trágicamente, mientras trabajaba como Ingeniero de Sonido en Vivo de BRMC, Michael Been falleció a la edad de 60 años el 19 de Agosto de 2010 de un ataque cardíaco, tras la presentación del grupo en el Pukkelpop Festival en Hasselt, Bélgica. Los Black Rebel Motorcycle Club siguen en actividad hasta el día de hoy.

WILD CHERRY - Play that funky music (1976)

Hoy estamos con ganas de escuchar algo de buen Funk. Y lo hacemos con este clásico de 1976, "Play that funky music", tema que fue #1 del Billboard Hot 100 y del Hot Soul Singles Chart, a cargo de la banda fundada en 1970 en la localidad de Steubenville,Ohio, por Robert "Rob" Parissi: Wild Cherry.

La formación original del grupo se completaba con Louie Osso (guitarra/coros), Larry Brown (bajo/coros), Larry Mader (teclados/coros) y Ben Difabbio (batería/coros). Con el trancurso del tiermpo, la banda sufriría muchos cambios en sus integrantes. Los primeros éxitos de Wild Cherry, "Get down", "Livin' & lovin'", "Show me your badge" y "Bring back the fire" fueron editados como singles entre 1972 y 1973. Fue recién en Marzo de 1976, a través de Epic Records, que lanzaron su álbum debut homónimo que, como ya dijimos, tuvo como punta de lanza a "Play that funky music", canción escrita por Rob Parissi. En ese entonces, los otros miembros del grupo eran Bryan Bassett en guitarra, Allen Wentz en el bajo y Ron Beitle en la batería, además de contar con una sección de vientos de metal conformada por Chuck Berginc, Jack Brndiar, Joe Eckett y Rick Singer.

En 1977 lanzaron su segunda producción, "Electrified Funk" de nuevo con Epic Records, con la inclusión de Mark Avsec en los teclados. De este disco se desprenden los temas "Baby don't you know", "Hot to trot" y "Hold on". Le seguiría "I Love My Music" (Epic Records, 1978), compuesto por 10 canciones entre las que están "It's the same old thing", "Don't stop, get off", "Fools fall in love" y "1 2 3 Kind of love". Su cuarto disco fue "Only The Wild Survive", editado en 1979, siempre con la misma compañía discográfica. Aquí recomendamos escuchar "Look at her dance", "Keep on playin' that funky music", "Try a piece of my love" o "Starlisght". Este disco sería el último de Wild Cherry, tras su disolución ese mismo año. Desde entonces, su líder fundador Rob Parissi se ha dedicado a trabajar como Productor Musical, dedicado principalmente a la música adulto-contemporánea.

"Play that funky music" es una canción obligatoria en la mayoría de compilatorios editados sobre el Funk, además de haber sido magistralmente interpretada también por el gran James Brown, por George Michael y por el rapero Vanilla Ice, quien fue denunciado en los 90's al no poder los créditos de Rob Parissi al publicar su cover de esta canción, por lo que Parissi recibió medio millón de dólares como compensación. Este tema también está incluído en el popular vídeojuego Guitar Hero 5, lanzado en 2009 por la empresa Activision para las plataformas Playstation 2, Playstation 3, Nintendo Wii y Xbox 360.

VOZ PROPIA - Lentes amarillos (2006)

Voz Propia es una de las bandas más importantes de la escena Post-Punk peruana desde su fundación en 1985 en Lima (aunque en sus comienzos su nombre fue Vox Propia), siendo sus integrantes iniciales Miguel Ángel Vidal (voz/guitarra/teclados), Nilo Velarde (guitarra), Carlos "Boui" Magán (bajo), Carlos Cornejo (teclados) y Ulises Quiroz (batería).

Su primera producción fue "El Ingreso", editado en Enero de 1987 en formato de cassette, una característica de los grupos peruanos de esa época que formaron parte de la llamada Movida Subterránea. A mediados de ese año, los Voz Propia ganaron el Concurso de Rock No Profesional Taller Rock, para luego permitir el ingreso de Raúl "Montaña" Montañéz y Aldo Lucioni en reemplazo de Nilo Velarde y Carlos Cornejo, respectivamente. "No Puedo Irme", su segundo disco, se publicó en Julio de 1988, en donde se encuentran los temas "Te voy a exterminar" y "Hacia las cárceles", considerados como clásicos del grupo. En 1990, bajo la producción de Manuel Villavicencios, lanzaron "El Sueño", mientras que a mediados de 1993 hicieron lo propio con "Hastío", con una onda más electrónica, sin dejar de lado sus raíces Post-Punk.

Tras un período de incertidumbre, en el que la banda estuvo separada, llegaría en 1997 un nuevo trabajo llamado "Los Días Y Las Sombras", otro de sus discos más conocidos, a los que seguirían dos recopilatorios: "Voz Propia: 1987-1992" y "Voz Propia", este último editado por el sello neoyorkino Newsica NYC, el primero del grupo en formato de CD. Su discografía continuó con "Ave De Paso" (2001), ya con la banda como un cuarteto conformado por Vidal, Montañéz, Quiroz y Magán. Para 2003, con el ingreso de Ricardo "Rocco" Lay en batería y Hans Brandes en teclados, Voz Propia editó "Hamlet", su séptimo trabajo en estudio. La banda reeditaría por esta época varios de sus trabajos previos en formato de CD, con varios bonus tracks. En Junio de 2006, presentaron "El Manifiesto", siempre con Miguel Ángel Vidal como eje principal, a quien se sumaron Ramón Escalante (guitarra), Kurt Rothschild (bajo) y Raúl Loza (batería). De este disco posteamos hoy el tema "Lentes amarillos", cuyo vídeo fue dirigido por Ricardo "El Anti" Ayala en 2007. Cabe mencionar que en el vídeo aparece el bajista Carlos "Boui" Magán, junto a Vidal, Escalante y Loza.

Voz Propia fue elegido como Mejor Grupo de Rock del Año en el ranking anual de 2006 realizado por el diario El Comercio, un justo homenaje a la trayectoria de esta importante banda, que en Diciembre de 2008 editó un DVD autotitulado que incluye sus vídeoclips, presentaciones en vivo y 22 temas de su extensa discografía. En Marzo de 2011, acaban de lanzar su más reciente disco, "The Game Is Over", compuesto por 12 temas, entre los que están "Peter Pan", "Es injusto pero está bien", "Mal corazón", "El gran simulador" y "En el tren". La alineación actual de Voz Propia (hasta donde sabemos) está compuesta por Miguel Ángel Vidal (voz/guitarra/teclados), Carlos "Canuto" Tabja (bajo), Ramón Escalante (guitarra) y Raúl Loza (batería).

FAD GADGET - Love parasite (1982)

Francis John "Frank" Tovey fue un músico y cantante inglés nacido en 1956, identificado con la escena electrónica de vanguardia en su país. A lo largo de los años, aparte de editar material bajo su nombre, usó un alias que lo hizo bastante conocido en la escena Synth-Pop y New Wave de los 80's: Fad Gadget.

Fad Gadget lanzó dos sencillos entre 1979 y 1980 ("Back to nature" y "Ricky's hand"), antes de ser uno de los primeros artistas en firmar con el sello Mute Records, fundado en 1978 por el hoy renombrado Daniel Miller (conocido como músico entre 1978 y 1979 por su proyecto The Normal). Fue así que en Setiembre de 1980 se editó el álbum "Fireside Favourites", producido por Tovey junto a Miller, Eric Radcliffe y John Fryer, en donde se encuentran temas como "Pedestrian", "Newsreel", "Arch of the aorta" y "State of the nation".

"Incontinent" (Mute Records, 1981) fue su segundo disco, con el mismo equipo de producción que su antecesor, en donde resaltan "Blind eyes", "Saturday night special", "King of the flies" y "Diminished responsibility". Ya en 1982, y habiéndose convertido recientemente en padre, Fad Gadget publicó una nueva producción discográfica llamada "Under The Flag", siempre con Mute Records, en donde Tovey compartió el rol de productor con John Fryer. Curiosamente, muchos dicen que el título del tema que posteamos hoy, "Love parasite", hace una muy peculiar referencia a su recién nacido hijo Joseph. La mayoría de las letras de este trabajo se enfocan en su preocupación sobre el mundo en el que le tocaría vivir al pequeño. Otras canciones que les recomendamos escuchar de este disco son "Scapegoat" y "Cipher".

Su cuarto álbum como Fad Gadget sería "Gag" (Mute Records, 1984), en donde destaca el track "Collapsing new people", en donde contó con la participación de la banda alemana liderada por Blixa Bargeld, Einstürzende Neubauten. El sonido de este disco combina influencias de la Electrónica y de la Música Industrial, género en donde los Einstürzende Neubauten son considerados como íconos. Luego de este lanzamiento, Frank Tovey decidió retomar su nombre de pila en sus siguientes trabajos, 8 en total. En el año 2001 se editó un doble disco compilatorio de Fad Gadget, titulado simplemente "The Best Of Fad Gadget". Ese año, de nuevo como Fad Gadget, Tovey acompañó como telonero a Depeche Mode en su gira de promoción del disco "Exciter". Lamentablemente, el 3 de Abril de 2002, con sólo 45 años de edad, Frank Tovey falleció víctima de un fulminante paro cardíaco.

TRACY BONHAM - Mother mother (1996)

En muchos países del mundo, incluído el nuestro, se celebra en esta fecha el Día de la Madre. Así que para rendirles un sincero y merecido homenaje, posteamos hoy esta buena canción con un título acorde a la celebración, a cargo de una cantante nacida en Boston, Massachussets en 1967: Tracy Bonham.

La carrera musical de esta artista se inició desde muy pequeña, ya que durante su niñez tomó clases de canto, violín y piano. Más adelante, ya en su etapa de juventud, Bonham obtuvo una beca para continuar sus estudios de violín en la University of Southern California, paraluego seguir estudiando canto en el afamado Berklee College of Music de Boston. Para 1995 editó su primer EP denominado "The Liverpool Sessions" para el sello Cherrydiscs, que fue producido por Josh Hager, en donde ella se encargó de las voces, guitarras y violines, con el aporte de Hager en batería y Drew Parsons en el bajo y órgano. "The Burdens Of Being Upright" (Polygram Records, 1996) sería su álbum debut, con Paul Kolderie y Sean Slade como productores, con una onda de Alternative Rock cercana incluso al Grunge, en donde destacó largamente "Mother mother", tema que posteamos hoy, que fue #1 del Modern Rock Tracks Chart de la Billboard, aparte de ser nominado a 2 MTV Video Music Awards (a Mejor Artista Nuevo y Mejor Vídeo Femenino).

Su siguiente producción discográfica sería "Down Here" (Island Records, 2000) que tuvo como sencillo al tema "Behind every good woman". En 2003, publicó un nuevo EP llamado "Bee", mientras que en 2005 publicó otro EP/DVD con el nombre de "Something Beautiful", además de lanzar sus tercer álbum en estudio, "Blink The Brightest" con Zoe Records, que fue producido por Bonham junto a Greg Collins, Ken Rich y Joey Waronker, con canciones como "Something beautiful", "Take your love out of me" y "I was born without you".

Para 2006, Tracy Bonham publicaría un cuarto EP, "In The City/In The Woods", mientras que su más reciente álbum ha sido "Masts Of Manhatta", editado en Julio de 2010 por Engine Room Recordings (Estados Unidos) y Lojinx (Reino Unido), que fue producido por la propia artista, con canciones como "Devil's got your boyfriend", "Josephine", "Reciprocal feelings" y "Big red heart". Nuevamente, aprovechamos para desear a todas las madres que disfruten su día, y los invitamos a recordar esta buena canción.