KANA'Q - Huaylas Nro.1 (2012)

Hoy nos complace presentarles a Kana'q, una agrupación nueva que combina magistralmente el Jazz y Funk con influencias del folklore peruano.  Nacida en 2011 por iniciativa del pianista Moisés Anglas, Kana'q (palabra en lenguaje quechua que significa "el que quema o hace fogata") esta agrupación está también conformada por Sergio López (bajo), Markho Hugo (saxofón) y Carlos Cam (batería).

Esta banda, que poco a poco busca hacerse de un espacio en la escena musical de su país, se encuentra actualmente en el proceso de finalizar lo que será su primera producción musical, de la que les traemos hoy un pequeño adelanto, que demuestra la enorme calidad instrumental de sus integrantes, que dan vida a las composiciones de Anglas, reconocido pianista y docente de música en el Perú.

Creemos firmemente que propuestas como ésta, sobre todo viniendo de países tan ricos culturalmente como el Perú, merecen ser difundidas, y es por eso que hemos decidido dedicarles el post de hoy martes.  Estamos seguros de que, si saben apreciar la buena música, se dejarán atrapar por el ritmo de Kana'q, a quienes les auguramos un gran éxito en el futuro.

Los dejamos pues a continuación con este gran cuarteto y su tema "Huaylas Nro.1".  Que lo disfruten tanto como nosotros.  Saludos a todos! 

JAZZANOVA - Let it go (2012)

Axel Reinemer (secuencias), Stefan Leisering (congas), Paul Kleber (bajo), Sebastian Studnitzky (piano/teclados), Arne Jansen (guitarra), Sebastian Borkowski (saxofón/flauta), Stefan Ulrich (trombón) y Carl-Michael Grabinger (batería), son los integrantes de Jazzanova, un colectivo musical de Berlín, Alemania, al que pertenecen también los DJs y productores Alexander Barck, Class Brieler, Jürgen von Knoblauch y Roskow Kretschmann, quienes en 1995 formaron esta agrupación que mezcla el Jazz, Latin Jazz, Soul, Funk, Chill Out y Electrónica de una forma muy moderna e interesante.

En sus inicios, este grupo se caracterizó por realizar remixes para una larga lista de artistas cultores del Nu-Jazz y del Chill Out de diferentes partes del mundo, que los hicieron conocidos.  En 1997, el núcleo central de Jazzanova (conformado por Barck, Brieler, von Knoblauch, Kretschmann, Leisering y Reinemer) se animó a fundar su propio sello musical independiente, llamado Sonar Kollektiv, con el cuál han editado varios de sus trabajos y los de muchos otros artistas.

La discografía oficial de Jazzanova se inició en 2002, con el lanzamiento del disco "In Between", compuesto por 17 temas entre los que les recomendamos "Hanazono", "Soon", "E-Ovation", "Keep falling" y "Sub-Atlantic".  Su segunda producción discográfica propia llegaría recién en 2008, bajo el nombre de "Of All The Things", bajo el sello Verve Records, en que contaron con varios cantantes invitados como Phonte, Paul Randolph, Ben Westbeech, Jose James, Leon Ware, Joe Dukie, Pedro Martins y Bembé Segue.

Hoy compartimos con ustedes una versión en vivo de la canción "Let it go", perteneciente al más reciente disco de los alemanes, "Funkhaus Studio Sessions" (Sonar Kollektiv, 2012), que fue grabado en los GDR Rundfunk Orchestra Studios de Berlín.  En este trabajo, Jazzanova volvió a invitar a Paul Randolph a participar como vocalista invitado, para coronar el impecable trabajo instrumental del grupo.

THE COMMODORES - Lady (You bring me up) (1981)

Nos podemos más nostálgicos que de costumbre hoy en el blog, para recordar con uno de sus grandes temas a esta importante banda de Funk, R&B, Disco y Soul creada en 1968 en Tuskegee, Alabama, e integrada por James Ingram (voz), Lionel Richie (voz/saxofón/piano/batería), Ronald LaPread (bajo/trompeta), Thomas McClary (guitarra), Milan Williams (guitarra/trombón/teclados) y William King (trompeta/guitarra/sintetizadores, llamada The Commodores.

Inicialmente, el sexteto se hacía llamar The Mystics, pero decidieron cambiar ese nombre, por lo que William King cogió un diccionario y escogió una palabra al azar, eligiendo "Commodore" ("Comodoro" en español), término utilizado para denominar a un directivo de un club náutico o a un mando de la Armada o de la Marina Mercante.  El primero de sus 19 discos editados, incluyendo sus álbumes en vivo y recopilatorios, fue "Machine Gun", lanzado al mercado en Julio de 1974 por el renombrado sello Motown Records, bajo la producción musical de James Anthony Carmichael.

Tras el alejamiento del cantante James Ingram, quien se enroló para combatir en la guerra de Vietnam, Walter "Clyde" Orange ingresó como nuevo miembro de The Commodores, alternando con Lionel Richie la función de vocalista principal.  El tema que posteamos hoy, "Lady (You bring me up)" formó parte del noveno álbum en estudio del grupo, titulado "In The Pocket" (Motown Records, 1981), que fue el último con la presencia de Richie, quien en 1982 decidió iniciar una carrera como solista, siendo reemplazado entonces por Skyler Jett, y más adelante por J.D. Nicholas.

El disco "In The Pocket" llegó hasta el lugar #13 del Billboard 200 Chart, mientras que la canción que compartimos en este post, co-escrita por Harold Hudson, William King y Shirley Hanna-King, escaló hasta el puesto #5 del Billboard Hot Black Singles Chart y al #8 del Billboard Hot 100, siendo el segundo single del disco, luego de "Oh no", canción compuesta por Lionel Richie, que fue #4 del Billboard Hot 100 Chart.  Finalmente, recordaremos que "Lady (You bring me up)" tuvo como lado-B, al momento de ser lanzado como sencillo, a la canción "Gettin' it", que no formó parte del álbum "In The Pocket". 

RED HOT CHILI PEPPERS - The zephyr song (2002)

El vídeoclip del lunes, del tema "The zephyr song", fue dirigido en 2002 por Jonathan Dayton y Valerie Faris, una dupla bastante conocida en el ambiente rockero, que ha trabajado también con R.E.M., Soundgarden, Extreme, The Smashing Pumpkins, Ramones, Oasis y un largo etcétera.

Esta canción fue el segundo sencillo del octavo álbum de los californianos Red Hot Chili Peppers, "By The Way", producido por el renombrado (aunque hoy en día impredecible) Rick Rubin, que fuera lanzado al mercado el 9 de Julio de 2002 por Warner Bros. Records.  Los otros singles del disco fueron "By the way", "Can't stop", "Dosed" y "Universally speaking", que hicieron que este trabajo fuera un éxito rotundo a nivel mundial, ocupando el lugar #1 en las listas de Estados Unidos, Suecia, Nueva Zelanda, Austria, Finlandia, Suiza, Holanda, Bélgica, Noruega, Dinamarca, Italia, Alemania, Grecia y Australia, gracias a lo cuál los RHCP se hicieron merecedores de 24 Discos de Platino y 5 de Oro.

El line-up responsable de este disco es el mejor y más prolífico que han tenido los Red Hot Chili Peppers en sus ya 29 años de trayectoria: Anthony Kiedis (voz), Michael "Flea" Balzary (bajo/coros), John Frusciante (guitarra/piano/teclados/coros) y Chad Smith (batería).  Cabe mencionar que Frusciante dejó a los RHCP en 2009, siendo reemplazado desde entonces por su amigo Josh Klinghoffer.

Los más recientes trabajos publicados por esta muy buena banda han sido el disco "I'm With You" (en 2011), así como los EPs "2011 Live" y "Rock & Roll Hall Of Fame Covers" (ambos en 2012), siempre con Warner Bros. Records.  Aún no hay noticias de una posible nueva publicación discográfica de Red Hot Chili Peppers.  Que tengan una buena semana. 

MUNDO LIVRE S/A - Meu esquema (2000)

El Manguebeat es un movimiento contracultural surgido en la década de los 90's en la ciudad de Recife, capital del estado de Pernambuco, en Brasil. Una de sus principales manifestaciones se dió en la música, en donde este estilo combinó ritmos oriundos de la zona, como el Maracatu, con Rock, Funk, Hip-Hop y Electrónica. Entre sus mejores exponentes se encuentran artistas como Chico Science & Nação Zumbi, Jorge Cabeleira, Mestre Ambrósio y el grupo que reseñamos hoy, Mundo Livre S/A.

Esta agrupación se fundó en 1984, en el barrio de Candeiras, en Recife. Sus miembros fundadores fueron Fred Zero Quatro (voz/guitarra/cavaquinho), Areia (bajo), Léo D. (teclados), Otto Pereira de Cordeiro (percusión) y Xef Tony (batería). Fue recién diez años después de su creación que Mundo Livre S/A (nombre surgido de discursos del ex-presidente estadounidense Ronald Reagan) editó su primer disco, "Samba Esquema Noise", a través del sello Banguela Records, producido por Charles Gavin y Carlos Eduardo Miranda.

En 1996, ya con Tom Rocha en reemplazo de Otto Pereira como percusionista, los pernambucanos presentaron su segundo álbum "Guentando A Ôia" (Excelente Discos), que fue seguido por "Carnaval Na Obra" (Abril Music, 1998), "Por Pouco" (Abril Music, 2000), "O Outro Mundo De Manuela Rosário" (Candeeiro Records, 2004) y "Novas Lendas Da Etnia Toshi Babaa" (Coqueiro Verde Records, 2011).

Hoy compartimos con ustedes el tema "Meu esquema", perteneciente al disco "Por Pouco", y que posteriormente fue incluído también en el disco "Putumayo Presents: Brazilian Lounge", editado en 2006 por el conocido sello de World Music y Chill Out, así como en el recopilatorio "Combat Samba - E Se A Gente Sequestrasse O Trem Das 11?", lanzado por Mundo Livre S/A en 2008. Esta canción solo confirma que los brasileños tienen un sentido privilegiado del ritmo y la melodía, que siempre se refleja en las diferentes expresiones musicales de ese país, de las que este grupo es un muy buen ejemplo. Para más información sobre ellos, visiten su página web oficial.

MARISA MONTE - Cérebro Eletrônico (1995)

Marisa de Azevedo Monte es una artista nacida en Rio de Janeiro, Brazil, el 1ro. de Julio de 1967, siendo en la actualmente una de las mejores representantes de la música carioca. En su adolescencia, ingreso a la Escola Nacional de Música con la intención de estudiar canto lírico, para a los 19 años emigrar a Roma para intentar hacer una carrera en el circuito de la Ópera. Tras volver años después a su país natal, se reencontró con la Música Popular Brasilera (MPB) y el Rock Brasilero de entonces, influencia que la terminaría marcando de por vida.

La música de Marisa Monte refleja pues todo ese crisol de géneros que la artista ha cultivado a lo largo de su vida: Lírica, Jazz, Bossa Nova, Funk, Samba, Blues y Rock. Ello se manifiesta magistralmente en los 9 álbumes que esta excepcional cantante ha editado hasta ahora: "MM" (1988), "Mais" (1991), "Verde Anil Amrelo Cor De Rosa E Carvão" (1994), "Rose And Charcoal" (1994), "Barulinho Bom - Uma Viagem Musical" (1995), "Memórias, Crônicas E Declarações De Amor" (2000), "Infinito Particular" (2006), "Universo Ao Meu Redor" (2006) y "O Que Vocé Quer Saber De Verdade" (2011), que en conjunto han llegado a vender más de 10 millones de copias a nivel mundial.

Hoy les presentamos el tema "Cérebro eletrônico", un cover de la canción originalmente grabada por el también soberbio Gilberto Gil, uno de los máximos íconos de la MPB y del movimiento musical brasilero de los 60's conocido como Tropicália, en el disco del mismo nombre publicado en 1969 por Universal Music (y que pueden escuchar aquí).

Marisa Monte adaptó esta canción con toques de Jazz, Funk, Pop Rock y Bossa Nova en 1995, como parte de su disco doble "Barulinho Bom - Uma Viagem Musical", que fue producido por Monte, Carlinhos Brown y Arto Lindsay para la filial brasilera de EMI Music. Este trabajo incluye el el disco 1 versiones en vivo, mientras que el disco 2 presenta únicamente versiones grabadas en estudio, entre las que también les recomendamos oír "Magamalabares", "Chuva no brejo" y "Tempos modernos". Los invitamos ha disfrutar de esta delicia de canción.

SCREAMING HEADLESS TORSOS - Vinnie (1995)

David "Fuze" Fiuczynski (guitarra), Dean Bowman (voz), Fima Ephron (bajo), Daniel Sadownick (percusión) y Jojo Mayer (batería), conformaron en 1989 la alineación original de esta excelente agrupación de Jazz y Funk con un toque latino, oriunda de la ciudad de Nueva York, que nos complace reseñar hoy en el blog, con un nombre que parece más el de una banda de Death o Doom Metal: Screaming Headless Torsos.

"Vinnie" es la canción que abría el álbum debut homónimo de SHT, "1995", que fue editado ese año por Discovery Records, co-producido junto a Bill Toles y Robert "Bassy Bob" Brockmann. Cabe mencionar que este disco fue re-editado en 2001 (con 2 temas extras inéditos) por FuzeLicious Morsels Records, sello de propiedad de David Fiuczynski, en el que también destacan temas como "Cult of the internal sun", "Kermes macabre", "Chernobyl firebirds", "Blue in green" y "Smile in a wave" (ambos covers de composiciones del gran Miles David).

Las demás producciones editadas por SHT, todas editadas por FuzeLicious Morsels, han sido el disco en vivo "Live!!!" (2001), en donde el baterista Jojo Mayer fue reemplazado por Gene Lake, y del cuál también se lanzó un DVD; "2005" (2005), con Freedom Bremner como cantante invitado; y el recopilatorio "Choice Cuts" (2006).

La alineación actual de la banda está integrada por "Fuze" Fiuczynski (guitarra), Freedom Bremner (voz), David Ginyard (bajo) y Louis Cato (batería). Disfruten del virtuosismo de estos grandes músicos, puesto de manifiesto en esta extraordinaria canción.

GABRIEL O PENSADOR - Cachimbo da paz (1997)

Gabriel O Pensador (Gabriel El Pensador) es el nombre artístico de Gabriel Contino, uno de los mejores representantes del Hip Hop y Rap brasilero, nacido el 4 de Marzo de 1974 en Rio de Janeiro. Mientras aún era un estudiante de Comunicación Social en la Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro, compuso su primer hit en 1992, llamado "Tô feliz (Matei o presidente)", cuya polémica letra estaba dedicada al entonces presidente de Brasil, Fernando Collor de Mello. Gracias a la atención que captó con dicha canción, Gabriel O Pensador fue contratado por el sello Sony Music, con quien publicó en 1993 su primer disco, llamado sencillamente "Gabriel O Pensador", que fue un éxito en ventas en su país (Triple Disco de Platino) y en Portugal (Disco de Oro).

Sus álbumes posteriores en estudio, todos editados por Sony Music, y siempre con letras enfocadas en temas sociales y políticos, fueron "Ainda É Só O Começo" (1995), "Quebra-Cabeça" (1997), "Nádegas A Declarar" (1999), "Seja Você Mesmo (Mas Não Seja Sempre o Mesmo)" (2001), "Cavaleiro Andante" (2005), además del disco en vivo "MTV Ao Vivo" (2003) y los recopilatorios "Gabriel O Pensador: As Melhores" (1999), "Tás A Ver: O Melhor De Gabriel O Pensador" (2003) y "Como Um Vício" (2008).

El tema "Cachimbo da paz" ("Pipa de la paz"), fue el tercer single del disco "Quebra-Cabeça", que fue #1 en el ranking ABPD (Associação Brasileira dos Produtores de Discos) y en el Brasil Hot 100 Chart, con más de medio millón de copias vendidas solo en ese país. En dicha canción, cuya temática se centra en el tráfico de drogas), Gabriel O Pensador contó con la colaboración del cantante Lulu Santos. Los otros sencillos de ese trabajo fueron "2345meia78", "Dança do desempregado" y "Festa da música".

Finalmente, diremos que Gabriel O Pensador es hijo de la reconocida periodista brasilera Belisa Ribeiro, y está casado desde 2008 con la también cantante y actriz Ana Lima, con quien tiene 2 hijos, llamados Tom (en honor de Antônio Carlos "Tom" Jobim, ícono musical brasilero, fundador de la Bossa Nova) y Davi.

RED HOT CHILI PEPPERS - Soul to squeeze (1993)

Algunas veces, un músico puede llegar a tener un momento de inspiración de tal magnitud, que origina resultados de nivel supremo. En el caso de "Soul to squeeze", canción de los Red Hot Chili Peppers, la línea melódica del bajo interpretada por Michael Balzary (mejor conocido por el sobrenombre de "Flea"), constituye para nosotros uno de esos momentos. De una belleza sobrecogedora, sostiene por sí sola a la canción, logrando transmitir un aire de melancolía que es difícil de traducir en palabras.

Red Hot Chili Peppers se formó en Los Angeles, California, en 1983. Sus miembros originales fueron Anthony Kiedis (voz), Flea (bajo), Hillel Slovak (guitarra) y Jack Irons (batería). Poco después, estos 2 últimos fueron reemplazados brevemente por Jack Sherman y Cliff Martínez, respectivamente. Fue recién en 1989, que los RHCP consiguieron ensamblar la que, para nuestra modesta opinión, ha sido su mejor alineación, con el ingreso de John Frusciante en guitarra y Chad Smith en batería, quien se mantiene hasta ahora como complemento perfecto para Flea, mientras que Frusciante, quien ha sido reemplazado sucesivamente por Arik Marshall, Jesse Tobías y Dave Navarro (entre 1992 y 1998), retomó su posición en la banda ese año para finalmente dejar su lugar en 2010 a Josh Klinghoffer.

Volviendo a "Soul to squeeze", diremos que esta canción fue inicialmente grabada mientras el grupo trabajaba en su quinto disco, "Blood Sugar Sex Magic" (Warner Bros. Records, 1991), que fue producido por Rick Rubin, aunque al final no fue incluída en dicho álbum. Recién fue lanzada como un single en 1993, el mismo año en que formó parte del soundtrack de la película "Coneheads", dirigida por Steve Barron, y en donde también aparecieron temas de Soft Cell, Paul Simon, R.E.M. y Morten Harket (vocalista de A-ha), entre otros artistas.

Este tema llegó al tope del Modern Rock Tracks Chart de Billboard, y su vídeoclip fue dirigido por Kevin Kerslake. Como dato curioso, mencionaremos que en dicho vídeo se ve mayormente a Chad Smith, Anthony Kiedis y Flea. Aunque John Frusciante fue quién grabó las guitarras de esta canción, no aparece mucho de forma intencional en el vídeo, debido a que, como ya mencionamos antes, se había alejado de RHCP un año antes.

AFRIKA BAMBAATAA & THE SOULSONIC FORCE - Planet Rock (1982)

Afrika Bambaataa es un DJ estadounidense nacido en el barrio del Bronx en Nueva York en la década de los 50's, considerado como un ícono musical por su aporte al desarrollo de lo que hoy se conoce como Hip-Hop, siendo uno de los 3 DJs que crearon el Break-beat (junto con Kool DJ Herc y Grand Wizard Theodore), además de ser un referente muy importante de géneros como la Electrónica, el Disco, el Rap y el Funk. Por todos estos aportes, se le conoce por los apelativos de "The Godfather of Hip-Hop" ("El Padrino del Hip-Hop"), "Amen Ra of Hip-Hop Culture" ("Amen Ra de la Cultura Hip-Hop") o "Father of the Electro Funk Sound" ("Padre del Sonido Electro Funk").

Inclusive, varios investigadores le dan a este artista el crédito de dar nombre al género musical conocido hoy en día como Hip-Hop, cultura que agrupa 4 elementos primordiales: el Rapping (arte de "rapear"), el Scratching/DJing (arte de hacer sonidos al arrastrar rápidamente la aguja sobre discos de vinilo), el Breakdancing o B-boying (arte de bailar haciendo complicadas piruetas) y el Graffiti (arte gráfico de intervención urbana). Sería en 1982 que Afrika Bambaataa creó un grupo de músicos de Rap al que denominó The Soulsonic Force, que estuvo integrado por Mr. Biggs, Pow Wow y Emcee G.L.O.B.E.

Ese mismo año, Afrika Bambaataa & the Soulsonic Force lanzaron el single "Planet Rock", considerado un hito musical, que marcó una pauta sonora para lo que posteriormente serían el Hip-Hop, Dance, Techno y House. Esta canción fue producida por Arthur Baker, en el que también colaboraron las cantantes Marvella Murray, Yvette Murray, Melissa Johnson y Sandra Wheeler, y en ella se usaron elementos de otros temas como "Trans-Europe Express" y "Numbers" (de los alemanes Kraftwerk), y "Riot in Lagos" (de los japoneses Yellow Magic Orchestra), tanto en la melodía como en la base rítmica. Bambaataa también ha mencionado como influencias importantes en este trabajo a George Clinton y Gary Numan.

Otro dato interesante es que en esta composición se utilizaron instrumentos musicales electrónicos considerados hoy como clásicos, como la caja de ritmos TR-808 (Roland), el sampler CMI Series II de 8-bits (Fairlight), los sintetizadores Micromoog (Moog) y Prophet 5 (Sequential Circuits), y el procesador PCM41 (Lexicon). Cabe mencionar también que en 2001, el productor y artista Paul Oakenfold hizo un excelente remix de esta canción, el mismo que fue incluído en el soundtrack de la película "Swordfish", dirigida por Dominic Sena.

CHIC - Le freak (1978)

Chic es uno de los referentes más destacados del Disco, Soul, Rhythm & Blues y Funk de la segunda mitad de la década de los 70's. Por ello, los recordamos hoy en el blog con este buenísimo tema.

Los orígenes de Chic tiene su antecedente directo en un grupo de Rock de la ciudad de Nueva York llamado The Boys (después llamado The Big Apple Band), que tuvo entre sus miembros al guitarrista Nile Rodgers y al bajista Bernard Edwards. Recién en 1997 ambos decidieron fundar una nueva agrupación, para lo cuál convocaron al baterista Tony Thompson, al tecladista Raymond Jones, y a la cantante Norma Jean Wright, a la que denominaron Chic. Fue así que, con la ayuda del entonces joven Ingeniero de Grabación Bob Clearmountain (convertido hoy en día en toda una autoridad en materia de grabación y mezcla), grabaron un demo tape que incluyó las canciones "Dance, dance, dance (Yowsah, yowsah, yowsah)" y "Everybody dance", con el que obtuvieron un contrato con la compañía discográfica multinacional Atlantic Records.

Ese mismo año, Chic lanzó su primer disco homónimo, que fue producido por la dupla Rodgers/Edwards, en el que también participaron (además de Norma Jean Wright) los cantantes Luther Vandross, David Lasley, Robin Clark, Alfa Anderson y Diva Gray. Los dos temas incluídos en su primer demo, y re-grabados para el disco (que obtuvo un Disco de Oro por sus ventas), alcanzaron la cima del US Club Play Chart de la revista Billboard. Un año más tarde, en 1978, el grupo publicó "C'est Chic" su segundo disco, en donde Norma Jean Wright dejó su lugar a Luci Martin. A esta producción pertenece la canción "Le freak", que se convirtió en un suceso musical en los Estados Unidos, liderando el Hot 100 Chart, el Hot Dance Club Play Chart y el R&B Songs Chart de Billboard, además de ubicarse entre los Top 5 en los rankings de Holanda, Italia, Nueva Zelanda y Suiza.

La discografía de Chic se completa con los álbumes "Risqué" (1979), "Real People" (1980), "Take It Off" (1981), "Tongue In Chic" (1982), "Believer" (1983) y "Chic-Ism" (1992). La banda se separó en 1983, tras lo cuál Rodgers y Edwards continuaron su carrera como músicos de sesión y productores musicales, habiendo trabajado con artistas como Sister Sledge, Diana Ross, Carly Simon, Deborah Harry, David Bowie, Duran Duran, Robert Palmer y Madonna. A inicios de los 90's, Chic se reunió, y en 1996, Nile Rodgers fue premiado como Productor Top Mundial por la revista Billboard. Lamentablemente, Bernard Edwards falleció de neumonía ese año, mientras que Tony Thompson siguió el mismo camino, víctima de cáncer al riñón en 2003. Actualmente, Nile Rodgers sigue al frente de Chic, a pesar de estar recuperándose de una operación a la que fuera sometido tras ser diagnosticado también con cáncer en Octubre de 2010.

MARVIN GAYE - Let's get it on (1973)

Como ya hemos dicho varias veces antes, hay artistas que trascienden las barreras del tiempo, de los géneros musicales y de su propia existencia. Marvin Pentz Gay Jr., cantautor y músico norteamericano nacido el 2 de Abril de 1939 en Washington, D.C., y fallecido el 1ro. de Abril de 1984 en Los Angeles, California, conocido a nivel mundial por el nombre artístico de Marvin Gaye, es un perfecto ejemplo de dicha trascendencia.

Desde niño, Gaye tocaba piano y batería, integrando un grupo llamado The Marquees durante su juventud, banda que a fines de los 50's se convirtió en The New Moonglows. Luego de grabar (como baterista) para la banda The Spinners, siendo descubierto poco después como cantante y pianista por Berry Gordy, quien lo fichó para el sello Tamla Records. Según se dice, por aquella época el artista decidió cambiar su apellido por el de Gaye para marcar diferencia con el apellido de su padre, con quien desde joven tuvo una relación conflictiva. Su primer disco como solista fue "The Soulful Moods Of Marvin Gaye", publicado en Junio de 1961 por el sello Tamla, subsidiario de Motown Records, de propiedad de Berry Gordy.

La larga trayectoria solista de Marvin Gaye comprendería en total 20 álbumes de estudio, 7 discos a dúo (con artistas como Mary Wells, Kim Weston, Diana Ross y Tammi Terrell), 4 grabaciones en vivo, y un gran número de recopilatorios. Sin duda alguna, uno de sus mejores trabajos fue su doceavo disco, "Let's Get It On", publicado en Agosto de 1973 por Tamla Records, co-producido por Gaye y Ed Townsend, considerado por muchos como uno de los hitos del Soul, Funk y R&B, y una referencia inconfundible de lo que luego se conocería como el "Motown Sound" ("Sonido Motown"), que fue #1 del US Billboard Soul Albums Chart y #2 del Billboard Top Albums Chart. El tema que dió nombre al disco es uno de los más recordados de Marvin Gaye, con una letra bastante directa sexualmente, que ayudó a convertir a este artista en todo un ícono sexual de la época. "Let's get it on" lideró el US Pop Singles Chart y el US Black Singles Chart de Billboard ese año, y fue escrito por la dupla Gaye/Townsend.

No podemos dejar de mencionar la brillante versión de este tema interpretada por el actor cómico Jack Black, incluída en una escena de la también brillante e imperdible película "High Fidelity", dirigida en 2000 por Stephen Frears (escena que pueden ver haciendo click aquí). Lamentablemente, en la década de los 80's, Marvin Gaye entró en una intensa adicción a las drogas, que lo llevó a intentar suicidarse en varias oportunidades. Un día antes de cumplir 45 años, tras una fuerte discusión con sus familiares, el cantante falleció de un balazo accidental disparado por su propio padre, a quien Gaye mismo había entregado el arma meses antes. En 1987, fue incluído póstumamente en el Rock and Roll Hall of Fame, y en 1990 se le otorgó una estrella en el Paseo de la Fama en Hollywood. Asimismo, en 2008, la prestigiosa revista Rolling Stone lo nombró como el sexto Mejor Cantante de todos los tiempos, y como el #18 en su lista de los Mejores Artistas de todos los tiempos.

TIRO DE GRACIA - Sueños (2001)

Algo de lo mejor del Hip Hop, Soul, Funk y Rap latinoamericano hoy en el blog desde Santiago, Chile: Tiro de Gracia.

Este grupo, uno de los más representativos del género en su país junto a Los Tetas y La Pozze Latina, se fundó en 1993 por los cantantes o MCs Juan Salazar (aka Juan Sativo o Juan Pincel), Fabián Sánchez (aka Lenwa Dura) y Explícito. En sus comienzos, usaban para sus conciertos pistas instrumentales grabadas por Rafael Pérez (aka DJ Raff), miembro de La Pozze Latina. Fue así que Tiro de Gracia publicó en 1994 sus dos primeras producciones de manera independiente: "Homosapiens" y "Arma Calibrada", en los que colaboró también DJ Barsa, con los que, gracias a canciones como "Cero grosero" o "Directo al corazón", empezaron a destacar en la escena underground chilena. Luego se sumarían al grupo Juan Lagos (aka Zaturno) también en voz, Camilo Cintolesi y Patricio Loaiza (aka Adonai) en los teclados, samplers y programación.

Fue recién en 1997, que los Tiro de Gracia editaron el disco "Ser Humano" con el sello EMI Odeon, producido por Cintolesi y Loaiza, en el que sobresalió largamente el tema "El juego verdadero", que los haría conocidos en toda Latinoamérica gracias a su fuerte rotación en la cadena MTV. Su siguiente álbum fue "Decisión" (EMI Odeon, 1999), que obtuvo Disco de Platino en su país, y que sería el último trabajo en el que participó Zaturno, quien en Junio de 2000 dejó a Tiro de Gracia para formar otro grupo llamado Tapia Rabia Jackson. Su tercer disco con EMI fue "Retorno De Misericordia", lanzado en Setiembre de 2001, que incluye "Sueños", uno de las mejores canciones de la discografía del grupo, y que acompaña la publicación de hoy. Ésta es una canción muy groovy, en cuyo vídeoclip podemos apreciar a Juan Pincel y Lenwa Dura, líderes de la banda, interpretando el tema, con unos excelentes arreglos de bajo y vientos, que recrean el inicio de la canción "Aht ut mi hed" (grabada por el estadounidense Shuggie Otis en 1974), siendo el segundo single más exitoso de Tiro de Gracia, que llegó al lugar #6 en los rankings chilenos.

Tras editar los discos "Patrón Del Vicio" (EMI, 2003) e "Impacto Certero" (EMI, 2004), la relación entre Salazar y Sánchez se fue deteriorando, al punto que en 2007, el segundo de ellos anunció su separación del grupo. Tras ello, Juan Pincel decidió continuar con Tiro de Gracia, a pesar de una fuerte disputa con Lenwa Dura, que se hizo pública a través de varios medios periodísticos chilenos. Así, la banda sigue vigente hasta el día de hoy.

SPIN DOCTORS - Jimmy Olsen's blues (1991)

Alternative Rock, Pop y Funk es lo que combina tan bien esta otra excelente banda que posteamos hoy, después de celebrar nuestro aniversario durante el fin de semana. Fundada en Nueva York en 1988, este grupo nos cautivó con su primer disco, y por eso se merecen un lugar en el blog: Spin Doctors.

Chris Barron (voz), Mark White (bajo), Eric Schenkman (guitarra) y Aaron Comess (batería) conformaron la alineación original de Spin Doctors, que en 1991 publicó "Pocket Full Of Kriptonite", el álbum que los presentó en sociedad, producido por Frank Aversa, Peter Denenberg y Frankie La Rocka, editado por Epic Records y del que vendieron más de 5 millones de copias, por lo que se hicieron merecedores a un Quíntuple Disco de Platino en su país. "Little miss can't be wrong", "Two princes", "What time is it?", "How could you want him (when you know you could have me?)" y la genial "Jimmy Olsen's blues" (cuyo vídeo pueden disfrutar más abajo) fueron los temas más populares del disco, que se ubicó como #1 del Billboard's Heatseekers, y en el #2 de los charts en Noruega y el Reino Unido.

Su segunda producción fue "Turn It Upside Down" (Epic Records, 1994), con la producción de Peter Denenberg y Frankie La Rocka, que fue #3 del UK Albums Chart, con canciones recordadas como "Cleopatra's cat" y "You let your heart go too fast", con otro Disco de Platino para la banda. Ese año, Eric Schenkman dejó su lugar como guitarrista, siendo reemplazado por Anthony Krizan, con quien los Spin Doctors lanzaron en 1996 su tercer disco, "You've Got To Believe In Something", a través de Epic, con Peter Denenberg y Danny Kortchmar en la producción y con la incorporación adicional del tecladista Ivan Neville. Tras este disco, Anthony Krizan fue nuevamente reemplazado por Eran Tabib en la guitarra. Para 1998, el grupo cambiaría de compañía discográfica, pasando a las filas de Uptown/Universal.

El cuarto disco de Spin Doctors fue "Here Comes The Bride", publicado en 1999. Los cambios en la formación de la banda continuarían, con la salida del bajista Mark White ese año, dejando su lugar a Carl Carter. Durante la gira de promoción de este disco, el vocalista Chris Barron sufrió una repentina parálisis en las cuerdas vocales, que prácticamente le impedía hablar. Por ello, la banda se mantuvo inactiva hasta Setiembre de 2001. Su más reciente disco, de nuevo con los 4 miembros originales, ha sido "Nice Talking To Me", lanzado en 2005 por el sello Ruffnation Music, bajo la producción de Matt Wallace, que tuvo como singles a "Can't kick the habit", "Margarita" y "Nice talking to me".

Los Spin Doctors siguen activos hasta hoy, y este año celebran el 20vo. Aniversario del lanzamiento de su disco debut con una gira que abarca el Reino Unido y los Estados Unidos, sin noticias aún de un probable nuevo trabajo discográfico.

LEVEL 42 - Lessons in love (1987)

Como solemos decir en este blog, hay canciones que, aunque pasen los años, siempre nos siguen causando las mismas sensaciones, como es el caso de esta buenísima canción, interpretada por esta banda fundada en Isle of Wight, Inglaterra, en 1979, compuesta en sus comienzos por el talentoso Mark King (voz/bajo), Mike Lindup (teclados/coros), Waliou "Wally" Badarou (teclados) y los hermanos Phil (batería) y Rowland "Boon" Gould (guitarra): Level 42.

El sonido de Level 42 siempre se ha caracterizado por combinar influencias de géneros como el Funk, Jazz, Pop Rock y New Wave. Curiosamente, antes de que la banda se estableciera como tal, contó con la colaboración del también guitarrista argentino/inglés (y por entonces desconocido) Dominic Miller, quien más adelante se convertiría en un renombrado músico de sesión, además de trabajar hasta hoy junto a Sting. Tras elegir el nombre de Level 42, el entonces quinteto grabó un single para el sello Elite Records, llamado "Love meeting love", en el que destaca el trabajo vocal de King y Lindup (quien hizo de los falsettos su marca registrada en la banda). Tras firmar con Polydor Records, el grupo editaría en 1981 su álbum debut autotitulado, con Mike Vernon como productor, que tuvo como sencillos a los temas "Love games", "Turn it on" y "Starchild". Su segundo disco fue "Strategy, The Early Tapes" (Polydor Records, 1982), producido por Andy Sojka, que fue la reedición de sus primeras grabaciones para Elite Records, en donde sobresalen "Love meeting love" y "(Flying on the) Wings of love".

Le seguirían los álbumes "The Pursuit Of Accidents" (1982), "Standing In The Light" (1983) y "True Colours" (1984), todos siempre con Polydor. En 1985 editaron "World Machine", su sexto álbum de estudio, que fue #3 del UK Albums Chart, que contiene otra de nuestras preferidas de Level 42: "Something about you", que fue respectivamente #6 y #7 en los rankings del Reino Unido y los Estados Unidos. La canción que posteamos hoy, "Lessons in love", pertenece al disco "Running In The Family" (Polydor, 1987), que estuvo entre los Top 5 de Austria, Dinamarca, Alemania, Holanda, Suecia, Suiza y el Reino Unido. Ese mismo año, los hermanos Phil y Boon Gould dejaron la banda, siendo reemplazados por Gary Husband y Alan Murphy.

El último trabajo de Level 42 con Polydor Records fue "Staring At The Sun", publicado en 1988. En 1989, el guitarrista Alan Murphy falleció víctima de neumonía, además de padecer de SIDA. Los dos siguientes discos del grupo fueron editados por RCA Records: "Guaranteed" (1991), con Allan Hodsworth como guitarrista invitado, y "Forever Now" (1994) con Danny Blume en la misma función. También en 1994 se anunció la disolución oficial de Level 42, tras lo cuál Mark King continuó como solista. Tras adquirir los derechos del uso del nombre de la banda, King resucitó a Level 42 con la misma formación que lo acompañaba como solista: Nathan King en guitarra, Lyndon Connah en teclados, Sean Freeman en saxofón y Gary Husband en batería. Tras 12 años desde su última producción discográfica, el grupo lanzó en 2006 el disco "Retroglide" a través de los sellos W14 y Universal Music Group, en donde también participaron Boon Gould y Mike Lindup.

WILD CHERRY - Play that funky music (1976)

Hoy estamos con ganas de escuchar algo de buen Funk. Y lo hacemos con este clásico de 1976, "Play that funky music", tema que fue #1 del Billboard Hot 100 y del Hot Soul Singles Chart, a cargo de la banda fundada en 1970 en la localidad de Steubenville,Ohio, por Robert "Rob" Parissi: Wild Cherry.

La formación original del grupo se completaba con Louie Osso (guitarra/coros), Larry Brown (bajo/coros), Larry Mader (teclados/coros) y Ben Difabbio (batería/coros). Con el trancurso del tiermpo, la banda sufriría muchos cambios en sus integrantes. Los primeros éxitos de Wild Cherry, "Get down", "Livin' & lovin'", "Show me your badge" y "Bring back the fire" fueron editados como singles entre 1972 y 1973. Fue recién en Marzo de 1976, a través de Epic Records, que lanzaron su álbum debut homónimo que, como ya dijimos, tuvo como punta de lanza a "Play that funky music", canción escrita por Rob Parissi. En ese entonces, los otros miembros del grupo eran Bryan Bassett en guitarra, Allen Wentz en el bajo y Ron Beitle en la batería, además de contar con una sección de vientos de metal conformada por Chuck Berginc, Jack Brndiar, Joe Eckett y Rick Singer.

En 1977 lanzaron su segunda producción, "Electrified Funk" de nuevo con Epic Records, con la inclusión de Mark Avsec en los teclados. De este disco se desprenden los temas "Baby don't you know", "Hot to trot" y "Hold on". Le seguiría "I Love My Music" (Epic Records, 1978), compuesto por 10 canciones entre las que están "It's the same old thing", "Don't stop, get off", "Fools fall in love" y "1 2 3 Kind of love". Su cuarto disco fue "Only The Wild Survive", editado en 1979, siempre con la misma compañía discográfica. Aquí recomendamos escuchar "Look at her dance", "Keep on playin' that funky music", "Try a piece of my love" o "Starlisght". Este disco sería el último de Wild Cherry, tras su disolución ese mismo año. Desde entonces, su líder fundador Rob Parissi se ha dedicado a trabajar como Productor Musical, dedicado principalmente a la música adulto-contemporánea.

"Play that funky music" es una canción obligatoria en la mayoría de compilatorios editados sobre el Funk, además de haber sido magistralmente interpretada también por el gran James Brown, por George Michael y por el rapero Vanilla Ice, quien fue denunciado en los 90's al no poder los créditos de Rob Parissi al publicar su cover de esta canción, por lo que Parissi recibió medio millón de dólares como compensación. Este tema también está incluído en el popular vídeojuego Guitar Hero 5, lanzado en 2009 por la empresa Activision para las plataformas Playstation 2, Playstation 3, Nintendo Wii y Xbox 360.

PEYOTE ASESINO - Mal de la cabeza (1998)

Comenzamos la nueva semana con algo de Hip-Hop, Rap, Metal y Funk de buena factura desde Montevideo, Uruguay, con este quinteto fundado en 1994 e integrado por Fernando "L. Mental" Santullo (voz), Carlos Casacuberta (voz/guitarra), Daniel Benia (bajo), Juan Campodónico (guitarra) y Pepe Canedo (batería): Peyote Asesino.

Su nombre proviene del personaje de una popular tira cómica mexicana, que a su vez hace referencia a un tipo de cactus con efectos alucinógenos utilizado por los indios huicholes mexicanos, llamado Peyote. Desde sus inicios, destacó su propuesta musical, que ellos mismos denominaron como "Rap Blanco", influenciada por los Beastie Boys, con letras divertidas, ácidas e irreverentes. Tras ganar en Noviembre de 1994 un concurso en su país, llamado "Generación 95", se dedicaron a grabar los temas de su primera producción en el Estudio del Cordón, como parte del premio obtenido en dicho evento. Así, un año más tarde, específicamente en Diciembre de 1995, editaron a través del sello Orfeo su disco debut titulado "El Peyote Asesino", producido por Gabriel Casacuberta (aka Plátano Macho), hermano de Carlos. Este álbum, que fue el más vendido en Uruguay, los colocó en la mira de la prensa y del público gracias a temas como "Chupando la cuchara", "Wanker", "La concha" y "Satisfaction", cover del tema de The Rolling Stones. Ese mismo año, fueron elegidos por la revista "Rock de Primera" como Grupo Revelación de su país.

Tras realizar presentaciones en Uruguay y Argentina, siempre caracterizados por su energía y la fuerte conexión con el público, lograron ponerse en contacto con el renombrado productor Gustavo Santaolalla, firmando en 1997 un contrato discográfico con el sello Surco (de propiedad de Santaolalla y Aníbal Kerpel) y Universal Music Group. Fueron justamente Santaolla y Kerpel quienes produjeron el segundo disco de la banda, "Terraja", publicado en Agosto de 1998, en donde sobresale "Mal de la cabeza", canción cuyo vídeo acompaña este post, además de otros temas interesantes como "Cama biónica", "Guacho", "Cable pelado" y "Criminal".

Lamentablemente, la trayectoria de esta prometedora banda se vió truncada rápidamente, ya que en Mayo de 1999, Peyote Asesino se disolvió. Fernando "L. Mental" Santullo fundó otro grupo llamado Kato en el año 2000, para después pasar a formar parte del colectivo argentino-uruguayo Bajofondo, en el que también han participado Juan Campodónico, Gustavo Santaolalla y Gabriel Casacuberta, entre otros. El 22 de Marzo de 2009, los miembros de Peyote Asesino se reunieron para hacer una presentación en el festival Pilsen Rock, el más importante en Uruguay. Finalmente, el 4 y 5 de Noviembre de ese mismo año, realizaron dos presentaciones más en el Teatro de Verano de Montevideo, sin que hayan hasta hoy noticias de nuevas presentaciones de la banda.

STEVIE WONDER - Superstition (1972)

Hay personas que definitivamente, nacen con un don especial para la música. Stevland Hardaway Judkins, nacido en Saginaw, Michigan, el 13 de Mayo de 1950, es un buen ejemplo de ello, ya que a lo largo de su vida, y a pesar de la ceguera que sufre prácticamente desde su nacimiento, ha destacado como compositor, multi-instrumentista, productor musical y cantante. Tal vez muchos no lo conozcan por su nombre original, sino más bien, por su nombre artístico: Stevie Wonder.

Ya a los 11 años, había firmado por el mítico sello Motown Records, que lo llevaría a iniciar una larga y fructífera trayectoria, que dura hasta el presente, que ya lo ha convertido en todo un ícono del Soul, R&B y Funk. A los 13 años, Wonder consiguió su primer #1 en los rankings de Pop y R&B de los Estados Unidos, con el tema "Fingertips (Pt. 2)" en 1963, en donde colaboró (el también joven por esa época) Marvin Gaye en la batería. Este sólo fue el comienzo de su gran carrera musical, cuya amplia discografía consta de 23 álbums de estudio, 3 soundtracks, 4 discos en vivo, 10 recopilatorios y 98 singles.

Hoy compartimos con ustedes uno de sus temas más famosos, "Superstition", que fue escrito, producido, arreglado y cantado por Wonder para Motown Records en 1972, con el aporte de Jeff Beck, siendo el single principal de su álbum "Talking Book", liderando el US Singles Chart y el Soul Singles Chart. Este tema también fue incluído por la revista Rolling Stone en 2004 en su lista de las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos, ocupando el lugar #74. Lanzado originalmente como un disco de 45 rpm, que tuvo como lado-B a "You've got it bad, girl", "Superstition" es, sin ninguna duda, una gran canción con una base rítmica muy funky, y unos teclados de lujo, que ha sido interpretada en años posteriores por otros grandes artistas como Stevie Ray Vaughan, Alicia Keys, AC/DC, George Michael, Justice y un larguísimo etcétera.

La trayectoria de Stevie Wonder ha sido reconocida y premiada con 25 Grammy Awards, entre los que se incluyen los de Mejor Canción de Rhythm & Blues y Mejor Interpretación Vocal Masculina de R&B por "Superstition", además de haber sido inducido al Songwriters Hall of Fame en 1983, al Rock and Roll Hall of Fame en 1989, y de haber recibido el Grammy Lifetime Achievement Award en 1996. En 2009, la Organización de las Naciones Unidas nombró como Mensajero de la Paz a Stevie Wonder, lo que habla de la enorme trascendencia de este gran artista en diferentes niveles de la cultura internacional.

Así que siéntense cómodamente, suban el volumen y disfruten de esta gran canción y del talento de este incomparable artista.

LOS TETAS - Corazón de sandía (1995)

Los Tetas fue una de las mejores agrupaciones de la escena del Hip Hop latinoamericano de los 90's. Sus orígenes se dieron en 1993, cuando David "Rulo" Eidelstain (bajo), Francisco "Pepino" González (batería) y Cristian "C-Funk" Moraga (guitarra), formaron la banda Funkstein en la ciudad de Santiago, Chile, que como su nombre indica, tenía influencias del Funk y Soul. En Enero de 1994, el trío invitó a Camilo "Tea Time" Castaldi, quien había regresado recientemente desde Alemania, a incorporarse como vocalista, usando por primera vez el nombre de Los Tetas.

Un año después, firmaron un contrato discográfico con el sello EMI, tras lo cuál empezaron a trabajar en los temas de su primer disco, que llevaría por nombre "Mama Funk", un excelente trabajo grabado en el estudio Master de Santiago, y editado en 1995. Tan sólo en 5 meses, este álbum obtuvo un Disco de Oro por más de 15,000 unidades vendidas, lo que lo convirtió en el disco de Rock chileno que obtuvo más rápidamente dicho galardón en toda la historia, algo que no sorprende al oír sus grandes temas, entre los que destaca nítidamente "Corazón de sandía", cuyo vídeo fue filmado en el formato de 35mm. bajo la dirección de Enrique Antigas, y que pueden ver en este post. Además, Los Tetas fueron nominados para los MTV Music Awards en 1996 dentro de la categoría "Mejor Artista Nuevo en Vídeo". En 1997, editaron un EP llamado "Cha, Cha, Cha", que contó con la colaboración de Juan Salazar (aka Juan Sativo o Juan Pincel), vocalista y líder de Tiro de Gracia, otra de la bandas importantes del Hip Hop chileno.

Para su segundo disco, Los Tetas se convirtió en un quinteto, con la inclusión de Luis "El Tata" Bigorra. Más influenciado por la música Disco, "La Medicina" (EMI Odeon, 1998), es también un buen álbum, que no llegó a obtener el éxito de su predecesor. Por esta época, "Rulo" Eidelstain sufrió un accidente que obligó a la banda a parar sus presentaciones por 2 meses, tras lo cuál, el 26 de Agosto de ese año, la banda anunció oficialmente el alejamiento de Eidelstain y Bigorra. Toly Ramírez reemplazaría al "Rulo" en el rol de bajista. Tras un viaje a los Estados Unidos, y el fin de su relación contractual con EMI, el grupo presentó en el año 2000 su tercer álbum, denominado "Independiente".

El cuarto y último disco de Los Tetas fue "Tómala!", editado en 2002, que los llevó de gira por distintos países de Latinoamérica y por Estados Unidos. El 23 de Abril de 2004, C-Funk participó en su último concierto con la banda, realizado en el bar La Batuta del barrio santiagino de Ñunoa, tras lo cuál inició una carrera como solista, que dió como resultado el disco "Joya" (2005). Este alejamiento motivó el fin de la historia de Los Tetas, tras lo cuál 3 de sus ex-miembros (Tea Time, Toly y el Tata), formaron un nuevo proyecto, que al comienzo fue bautizado como T-Funk y más tarde tomó en nombre de FunkAttack.

WHITE TRASH - The crawl (1991)

Esta banda neoyorkina, específicamente de la zona de Queens, se consideraba a sí misma como cultora del Heavy Metal, aunque algunos de sus temas más conocidos, como el que pueden apreciar en este post, tenían una onda más "funky". Los invitamos a conocer algo más sobre ellos: White Trash.

El grupo se formó en 1985 cuando Dave "D-Bone" Alvin (voz), Ethan Collins (guitarra) y su hermano Aaron Collins (bajo), su juntaron para tocar juntos en el Bar Mitzvah de este último, haciendo covers de bandas de Heavy Metal. Tras trabajar con varios bateristas, fue recién en 1988 que se les unió de manera oficial Mike Caldarella.

Recién en 1991, tras firmar con el sello Elektra Records, White Trash editó su disco debut, que llevaba el nombre de la banda, producido por George Drakoulias. Justamente fue por este disco que los conocimos por aquellos años, y nos enganchamos inmediatamente con el ritmo contagioso de varias de sus canciones, entre las que podemos recomendarles "Apple pie" (que llegó al puesto #39 del Hot Mainstream Rock Tracks Chart de Billboard), "Backstage pass", "Buzz!" y "The crawl". Además de sus cuatro miembros, en este disco la banda contó con la participación de una sección de vientos denominada The Badass Brass, integrada por Chris Arbisi (saxo alto), Terry Thomas (saxo tenor y barítono) y Brendan Stiles (trompeta), lo que le daba un matiz muy interesante a las canciones.

Para 1993, White Trash editaría un EP de 5 canciones titulado "Minor Happiness", co-producido junto a Daniel Rey. Poco después, la banda se desmembraría debido a que los hermanos Collins y Caldarella querían iniciar carreras en solitario. Fue así que Dave Alvin decidió continuar con la trayectoria de la banda reclutando nuevos integrantes: Craig LeBlanc (guitarra), Eric Brodin (bajo) y Dave Barckow (batería). Juntos dieron forma al segundo disco de White Trash, titulado "Si o Si, Que?" (Elektra Records, 1994), nuevamente con Daniel Rey en la producción musical. Algunos tracks de este disco son "6 toe sid", "Young zombie in lust", "Pig", "St. Moondog" y "Catalepsy". Debido a que en esos momentos, la escena musical internacional estaba rendida a los pies de la movida Grunge, este álbum no tuvo la acogida del anterior, por ser considerado demasiado "Old School".

Tras este traspiés, la banda entró en una prolongada pausa que duró hasta 2007, cuando el cuarteto original se reunió otra vez para una presentación en Nueva York. Tal fue la acogida en ese concierto que decidieron seguir adelante, y un año más tarde, Alvin y Aaron Collins decidieron escribir nuevo material para la banda, el mismo que daría origen al más reciente álbum de White Trash, "3D Monkeys in Space", editado por Gotham Gold Music y producido por ambos. Este disco contiene 8 temas, entre los cuáles están "Dirty girl", "Superstar", "Drunk cop" y "Sight for sore eyes". En la actualidad, la banda sigue haciendo conciertos de promoción de este álbum, sin que hayan noticias aún de un futuro nuevo disco.