PERPETUUM JAZZILE - Africa (2009)

Siempre con la intención de compartir con todos ustedes información sobre propuestas musicales interesantes de diferentes partes del planeta, hoy en El Viaje Sónico nos complace presentarles a Perpetuum Jazzile, un estupendo ensamble vocal mixto proveniente de Ljubljana, Eslovenia.

Este coro fue fundado en 1983, inicialmente bajo el nombre de Gaudeamus Chamber Choir, por Marko Tiran, su primer director musical, quien ocupó el cargo hasta el año 2000, cuando dejó su lugar a Tomaž Kozlevčar, quien se hizo cargo del coro por diez años, tras lo cual fue reemplazado por el actual conductor, Peder Karlsson, quien hoy lidera a este grupo que ejecuta con maestría piezas que van desde el Jazz hasta la Música Popular, pasando por géneros como Bossa Nova, Funk, Gospel y Pop.

La discografía de los eslovenos comprende hasta la fecha 5 álbumes en estudio: "Ko Boš Prišla Na Bled" (Helidon Records, 1999), "Pozabi, Da Se Ti Mudi" (Independiente, 2003), "As" (Gorenje Records, 2004), "Čudna Noč" (Dallas Records, 2006), "Africa" (Independiente, 2009) y "Vocal Ecstasy" (Deag Music, 2012), así como una producción en vivo, que además fue editada también en formato DVD, titulada "Perpetuum Jazzile Live: Vokal Xtravaganzza 2008", que recién salió a la venta en 2009.

Les presentamos a continuación un fragmento de dicho DVD, en el que el grupo hace una versión a capella del tema "Africa", grabado originalmente por la banda estadounidense Toto en su álbum "Toto IV" (1982).  Presten mucha atención a la brillante introducción, en la que este coro hace una serie de efectos sonoros corporales que simulan lluvia y truenos, que funcionan como un preámbulo ideal para la posterior interpretación del tema en mención, en el que sobresalen las hermosas armonías vocales de Perpetuum Jazzile (que en 2010 fue galardonado con un Viktor Award, el equivalente esloveno al Grammy), bien complementadas en esta ocasión por un elegante beatboxer.

ELLA FITZGERALD - Summertime (1968)

Conocida por los apelativos de "The First Lady of Song", "The Queen of Jazz" o "Lady Ella", Ella Jane Fitzgerald fue una de las voces más importantes en la historia del Jazz.  Nacida un 25 de Abril de 1917 en Newport News, Virginia, durante sus niñez soñaba con ser bailarina, hasta que empezó a oír en su casa discos de Louis Armstrong y Bing Crosby, quedando hipnotizada por aquella música.  Tras la muerte de su madre (Temperance "Tempie" Fitzgerald) en 1932, cuando ambas vivían ya en New York con el entonces novio de Tempie (Joseph Da Silva), la vida de Ella comenzó a tener varios capítulos oscuros: primero dejó la escuela, luego fue violada por su padrastro, más tarde trabajó para algunos mafiosos, siendo capturada por la policía y enviada en un principio al Colored Orphan Asylum en el barrio neoyorkino del Bronx, siendo trasladada posteriormente al reformatorio New York Training School for Girls, del cuál se escapó, viviendo en la calle por un tiempo.

El 17 de Noviembre de 1934, Ella Fitzgerald tuvo un curioso debut en los escenarios: se presentó a un concurso de nuevos talentos en el Apollo Theater de Harlem, New York, con la idea de salir a a bailar, pero luego de ver a otras concursantes, llamadas The Edwards Sisters, y sentirse intimidada por la calidad del baile de ellas, decidió a último momento no bailar y cantar un par de canciones, interpretando los temas "Judy" y "The object of my affection", de una de sus artistas preferidas, Connee Boswell, miembro de The Boswell Sisters.  Gracias a su impecable presentación, Fitzgerald ganó el concurso, recibiendo un premio pecuniario de 25 dólares.  Fue así que comenzó su brillante carrera como cantante, que la llevaría a convertirse en toda una leyenda en el mundo del Jazz, ganando 14 Grammy Awards, además de otros innumerables galardones, que incluyen una estatua de bronce ubicada en el barrio de Yonkers, realizado por el artista Vinnie Bagwell.

Hoy queremos recordar a esta gran cantante con su magistral interpretación de "Summertime", una aria compuesta por el pianista estadounidense George Gershwin y su hermano Ira, para la ópera "Porgy & Bess" (1935).  Ella Fitzgerald grabó este tema en 1957, junto al también legendario trompetista Louis "Satchmo" Armstrong, en un álbum que fue producido por Norman Granz y en el que también colaboraron Paul Smith (piano) y Alvin Stoller (batería), siendo una de las versiones más famosas de este conocido Jazz Standard.

La versión en vivo que pueden apreciar a continuación corresponde a una presentación de Ella Fitzgerald realizada en Berlín, Alemania, en 1968, junto a The Tee Carson Trio, encabezado por el pianista Donald Tecumseh "Tee" Carson, quien también acompañó por mucho tiempo a la orquesta de William "Count" Basie, otros nombres notables de la historia del Jazz.  Finalmente, recordaremos que "La Reina del Jazz" falleció a los 79 años de edad, el 15 de Junio de 1996, en la lujosa zona de Beverly Hills, California. 

DIA FRAMPTON - Losing my religion (2011)

Dia Frampton.  Recuerden este nombre, porque seguramente lo oirán más seguido.  Esta cantante estadounidense, nacida en Octubre de 1987 y oriunda del estado de Utah, ganó notoriedad en los Estados Unidos el año pasado, gracias a su participación en la primera edición del reality show "The Voice", transmitido por la cadena NBC.

En dicha competencia, que buscaba a nuevas estrellas en el canto, Dia Frampton llegó hasta la etapa final, obteniendo al final el segundo lugar del certamen, por detrás de Javier Colón, otro brillante cantante.  Mérito que vale aún más teniendo en cuenta al exigente y calificado jurado encargado de evaluar y ayudar a los participantes, que estuvo integrado nada menos que por la gran cantante Christina Aguilera; el vocalista de Maroon 5, Adam Levine; el productor y cantante del dúo Gnarls Barkley, Cee Lo Green; y el artista de Country Music, Blake Shelton.

La carrera musical de Dia Leaf Frampton se inició en 2004, cuando junto a su hermana, conformó la dupla Meg & Dia, que hasta la fecha ha llegado a editar 4 álbumes en estudio: "Our Home Is Gone" (2005), "Something Real" (2006), "Here, Here And Here" (2009) y "Cocoon" (2011).  Durante su participación en la etapa semifinal de "The Voice", Dia interpretó a su estilo un cover de "Losing my religion", hermosa canción de los ya disueltos R.E.M., que fue el primer single del disco "Out Of Time", editado en 1991 por Michael Stipe y compañía.  El resultado de la versión de Frampton, que le imprime su frágil y melodiosa voz a la canción, fue bastante sobresaliente, al punto que le valió el pasaje a la final del concurso.

A pesar de no haber ganado, esta artista consiguió firmar un contrato con el importante sello discográfico Universal Republic Records, que le permitió publicar en Diciembre de 2011 su primer disco solista, "Red", en la que Frampton co-escribió la totalidad de las canciones.  Este álbum confirmó la buena aceptación del público hacia la cantante, llegando al #1 del Top Heatseekers Albums Chart de la revista Billboard. Disfruten de este muy buen cover, y de la bella voz de Dia Frampton. 

THE ART OF NOISE featuring DUANE EDDY - Peter Gunn (1986)

Formada en Londres, Inglaterra, en 1983, y disuelta en 2000, The Art of Noise fue una agrupación muy importante en las escenas del Synth-Pop y la New Wave, que tomó su nombre de un documento escrito en 1913 por el compositor futurista italiano Luigi Russolo a su colega y amigo Francesco Balilla Pratella, titulado "L'Arte dei Rumori", en la que Russolo argumentaba que para él, y ya en ese entonces, el oído humano se estaba acostumbrando al ruido, velocidad y energía de los ambientes urbano-industriales.

El carácter avant-garde del concepto sonoro de The Art of Noise se entiende por su alineación original, integrada por los productores Gary Langan y Trevor Horn, el programador J.J. Jeczalik, la arreglista Anne Dudley y el periodista musical Paul Morley. A lo largo de su trayectoria, este grupo editó 5 álbumes en estudio: "Who's Afraid Of The Art Of Noise?" (ZTT, 1984), "In Visible Silence" (China/Chrysalis, 1986), "In No Sense? Nonsense!" (China/Chrysalis, 1987), "Below The Waste" (China/Polydor, 1989) y "The Seduction Of Claude Debussy" (ZTT/Universal, 1999), además del EP "Into Battle With The Art Of Noise" (ZTT/Island, 1983) y 11 compilatorios.

Su segundo disco, "In Visible Silence" fue el más exitoso de la carrera de The Art of Noise, llegando al lugar #18 del UK Albums Chart, bajo la producción musical de Anne Dudley, J.J. Jeczalik y Gary Langan. En este trabajo, destacó claramente una versión del tema "Peter Gunn", originalmente compuesto por Henry Mancini en 1958 (y que pueden oír aquí), para la apertura de la serie de televisión policial del mismo nombre, que se emitió en Estados Unidos entre 1958 y 1961. En la versión de The Art of Noise, participó el guitarrista estadounidense Duane Eddy, y gracias a este cover, el grupo llegó a liderar el Rolling Stone Magazine Chart, ganando en 1986 el Grammy Award por Mejor Canción Instrumental de Rock.

Ese mismo año, se editó un vídeo en concierto del grupo, titulado "The Art of Noise in: Visible Silence", filmado durante una presentación en el teatro Hammersmith Odeon de la localidad inglesa de Hammersmith. The Art of Noise se disolvió en el año 2000, época en la que había quedado como un cuarteto, integrado por Anne Dudley, Trevor Horn, Paul Morley y el inglés Laurence "Lol" Crème (guitarra/teclados).

ANTHRAX featuring PUBLIC ENEMY - Bring the noise (1991)

"Crossover" es un término empleado cuando una artista o banda combina elementos de géneros diferentes musicales. Un muy buen ejemplo de esta fusión es la que les traemos hoy, con un tema que combina la fuerza y contundencia del Heavy/Thrash Metal con la rítmica verbal del Hip-Hop, a cargo de dos agrupaciones estadounidenses que representan referencias innegables en sus respectivos géneros: Anthrax y Public Enemy.

"Bring the noise" es una canción de Hip-Hop originalmente grabada en 1987 por Public Enemy, para el soundtrack de la película "Less Than Zero", dirigida por el inglés Marek Kanievska. Public Enemy se fundó en Long Island, New York, en 1982, y su alineación más recordada estuvo conformada por Carlos Douglas Ridenhour (aka Chuck D, voz), William Drayton (aka Flavor Flav, voz), Khari Wynn (guitarra), Lord Aswod (aka DJ Lord, tornamesas) y Professor Griff (voz). Al año siguiente, el combo neoyorkino incluyó a "Bring the noise" en su segundo álbum, llamado "It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back", que fue editado por Def Jam Records y producido por Chuck D, Rick Rubin y Hank Shocklee.

Por otro lado, Anthrax es también una banda nacida en New York en 1981, cuyo estilo se circunscribe al Heavy, Thrash y Speed Metal. En 1991, este grupo compuesto entonces por Joey Belladonna (voz), Scott Ian (guitarra/coros), Dan Spitz (guitarra/coros), Frank Bello (bajo/coros) y Charlie Benante (batería/percusión), publicó con Island Records el álbum "Attack Of The Killer B's", que incluía lados-B, covers y rarezas de Anthrax, producido por Mark Dodson y Charlie Benante.

En ese trabajo, Anthrax presentó una contundente versión de "Bring the noise", en la que participaron Chuck D y Flavor Flav, siguiendo la senda marcada por Aerosmith y Run DMC, quienes en 1986 lanzaron una versión conjunta de "Walk this way", que fue bien recibida tanto por los headbangers como por los rappers, al punto que ambas bandas hicieron una gira juntos. El vídeoclip que pueden ver a continuación muestra a ambos grupos en el escenario, con algunos invitados, como el también músico y actor Tracy Marrow (aka Ice-T).

MARISA MONTE - Cérebro Eletrônico (1995)

Marisa de Azevedo Monte es una artista nacida en Rio de Janeiro, Brazil, el 1ro. de Julio de 1967, siendo en la actualmente una de las mejores representantes de la música carioca. En su adolescencia, ingreso a la Escola Nacional de Música con la intención de estudiar canto lírico, para a los 19 años emigrar a Roma para intentar hacer una carrera en el circuito de la Ópera. Tras volver años después a su país natal, se reencontró con la Música Popular Brasilera (MPB) y el Rock Brasilero de entonces, influencia que la terminaría marcando de por vida.

La música de Marisa Monte refleja pues todo ese crisol de géneros que la artista ha cultivado a lo largo de su vida: Lírica, Jazz, Bossa Nova, Funk, Samba, Blues y Rock. Ello se manifiesta magistralmente en los 9 álbumes que esta excepcional cantante ha editado hasta ahora: "MM" (1988), "Mais" (1991), "Verde Anil Amrelo Cor De Rosa E Carvão" (1994), "Rose And Charcoal" (1994), "Barulinho Bom - Uma Viagem Musical" (1995), "Memórias, Crônicas E Declarações De Amor" (2000), "Infinito Particular" (2006), "Universo Ao Meu Redor" (2006) y "O Que Vocé Quer Saber De Verdade" (2011), que en conjunto han llegado a vender más de 10 millones de copias a nivel mundial.

Hoy les presentamos el tema "Cérebro eletrônico", un cover de la canción originalmente grabada por el también soberbio Gilberto Gil, uno de los máximos íconos de la MPB y del movimiento musical brasilero de los 60's conocido como Tropicália, en el disco del mismo nombre publicado en 1969 por Universal Music (y que pueden escuchar aquí).

Marisa Monte adaptó esta canción con toques de Jazz, Funk, Pop Rock y Bossa Nova en 1995, como parte de su disco doble "Barulinho Bom - Uma Viagem Musical", que fue producido por Monte, Carlinhos Brown y Arto Lindsay para la filial brasilera de EMI Music. Este trabajo incluye el el disco 1 versiones en vivo, mientras que el disco 2 presenta únicamente versiones grabadas en estudio, entre las que también les recomendamos oír "Magamalabares", "Chuva no brejo" y "Tempos modernos". Los invitamos ha disfrutar de esta delicia de canción.

EDITORS - Lullaby (2007)

"Radio 1 Established 1967" fue un álbum doble editado por Universal Music en Octubre de 2007, para celebrar el 40vo. Aniversario de la estación radial BBC Radio 1. Estuvo conformado por 40 covers realizados por igual número de artistas, entre los que se incluyen Kaiser Chiefs, Amy Winehouse, The Twang, Hard-Fi, Foo Fighters, Stereophonics, Groove Armada, Just Jack, Kasabian y Keane. Entre los temas versionados se encontraban composiciones de artistas como Bob Dylan, Elton John, The Kinks, Roxy Music, David Bowie, The Police, The Jam, R.E.M. o Jamiroquai.

Una de las canciones que más nos gustaron al oír el disco 2 de este compilatorio fue la muy interesante adaptación que hizo Editors, cuarteto de Indie Rock y Post-Punk de Stafford, de "Lullaby", el genial tema grabado originalmente en 1989 por los célebres The Cure, que formó parte de "Disintegration", uno de los mejores trabajos de Robert Smith y compañía.

Editors, que ya lleva 3 álbumes en estudio hasta la fecha, ha anunciado que este 2012 estará lanzando su cuarta producción discográfica, cuyo nombre aún se desconoce. Este buen cuarteto inglés, conformado por Tom Smith (voz/guitarra/piano), Chris Urbanowicz (guitarra/sintetizadores), Russell Leetch (bajo/coros) y Ed Lay (batería/percusión), formó parte del movimiento llamado Post-Punk Revival, que en la década pasada decidió tomar la posta y volver a poner en valor a dicho género musical, surgido en los 70's, que ha tenido a The Cure como uno de sus máximos exponentes.

La acertada versión de Editors, mantiene el tinte oscuro y depresivo de la canción original, con algunos matices novedosos, por lo que creemos que vale la pena escucharla. Esperamos que la disfruten. Saludos a todos!

JOSS STONE - Fell in love with a boy (2003)

Bastante menos mediática y controversial que la desaparecida Amy Winehouse, Joss Stone, nacida en Dover, Inglaterra, el 11 de Abril de 1987, bajo el nombre de pila de Jocelyn Eve Stoker, es una de nuestras cantantes actuales favoritas. Dueña de una soberbia voz (que a primera impresión no concuerda con su aspecto físico), y con una capacidad interpretativa ideal para los géneros musicales que ejecuta (Soul, Jazz, Blues y R&B), es una indiscutible estrella en la escena internacional de hoy en día.

A pesar de haber sufrido de dislexia en su adolescencia, motivo por el cuál dejó la escuela, Joss Stone audicionó en 2001 al concurso de talentos "Star for a Night", de la cadena televisa inglesa BBC. Tras interpretar temas de Whitney Houston, Aretha Franklin y Donna Summer, terminó ganando dicho concurso, por lo que el fundador de S-Curve Records, Steve Greenberg, vió en ella a un talento innato y decidió firmarla.

Fue así que, en 2003, la entonces rubia cantante publicó "The Soul Sessions", su disco debut, que fue producido por Betty Wright, Mike Mangini, Ahmir "Questlove" Thompson y el mismo Steve Greenberg. Inmediatamente, Stone llamó la atención de la prensa musical internacional y del público, llegando a vender más de 5 millones de copias del álbum, y colocándose en el lugar #4 del UK Albums Chart, en donde obtuvo Triple Disco de Platino.

Los mejores tracks de "The Soul Sessions", que fue nominado como Disco del Año en los Mercury Awards de 2004, son, para nosotros, "Super duper love (Are you diggin' on me?)", un cover del tema interpretado por Sugar Billy en 1974, y "Fell in love with a boy", una versión renombrada de la canción "Fell in love with a girl", escrita por Jack White y grabada originalmente por The White Stripes en su tercer disco "White Blood Cells" (2001). La interpretación que le da Joss Stone a esta canción contrasta con la enérgica versión original, dándole a este tema una dimensión totalmente distinta, con un resultado sobresaliente. Seguiremos hablando en futuras publicaciones de esta gran cantante, de la que somos fervientes admiradores.

MUSICAL YOUTH - Pass the dutchie (1982)

Preocupados por el cierre de Megaupload y la detención de 4 de sus empleados a cargo del FBI, y antes de que la SOPA nos embarre a todos, seguimos con la música en el blog. Hoy reseñamos a este grupo de Reggae oriundo de Birmingham, Reino Unido, que en 1982 creó una fuerte polémica con su canción más recordada, "Pass the dutchie", que acompaña este post: Musical Youth.

Esta banda estaba integrada por 2 parejas de hermanos: Kelvin (guitarra) y Michael Grant (teclados), y Patrick (bajo) y Freddy "Junior" Waite (batería), quienes en un comienzo estuvieron acompañados por Frederick Waite (padre de Junior y Patrick), para después dejar su lugar a Dennis Seaton como cantante.

Los Musical Youth se hicieron famosos en 1982 con "Pass the dutchie", tema que era un cover de una canción del trío jamaiquino The Mighty Diamonds, llamada originalmente "Pass the kouchie" ("Pasa el kouchie", término usado en jerga para las pipas de marihuana). Obviamente, este hecho causó una fuerte polémica, debido al hecho de que los miembros de Musical Youth eran mayormente niños y adolescentes, lo que los hizo aún más famosos. Fue así que "Pass the dutchie" (cuya letra fue cambiada para eliminar todas las aluciones a la ya mencionada droga), fue #1 del UK Singles Chart, y #8 del R&B Singles Chart de la Billboard en Estados Unidos. Este tema formó parte del primer disco del grupo, titulado "The Youth Of Today", producido por Peter Collins para MCA Records, y cuyo vídeoclip fue dirigido por Don Letts, siendo el primer vídeo de un artista de raza negra que fue emitido por la cadena MTV, logrando también una nominación a los Grammy Awards.

Un año más tarde, en 1983, los Musical Youth editaron "Different Style", su segundo disco, de nuevo con MCA Records, en donde sobresalieron canciones como "007", "Sixteen" y "Air taxi", que nunca pudieron igualar el éxito de "Pass the dutchie". La corta historia del grupo terminó en 1985, con la salida del cantante Dennis Seaton, quien publicó un disco como solista en 1989, para luego fundar una nueva banda llamada XMY. Sin embargo, Seaton y Michael Grant retomaron el nombre de Musical Youth como dúo en 2005, mientras que en 1993, Patrick Waite falleció debido a problemas cardíacos, mientras estaba en la cárcel por problemas de drogas.

THE AXIS OF AWESOME - 4 chords (2007)

Jordan Raskopoulos (voz), Lee Naimo (voz/guitarra) y Benny Davis (teclados/voz) son los integrantes de The Axis of Awesome, una divertida banda de Sydney, Australia, que se caracteriza por hacer actos de comedia con tintes musicales. Este trío se formó en 2006, y desde entonces han editado 3 álbumes: "Scissors, Paper, Rock!" (2007), "Infinity Rock Explosion!" (2010) y "Animal Vehicle" (2011).

Hoy les traemos la canción "4 chords", un divertido tema que hace referencia a una serie de canciones conocidas que tienen como vínculo común el usar la misma progresión de 4 acordes (de ahí el título). Dicha progresión de acordes (E-B-C#m-A) se ajusta al llamado Sistema Temperado, que es el sistema de afinación más utilizado en la música occidental, en el cuál, cada Octava (distancia numérica entre la frecuencia de cualquier nota y su doble o mitad) es dividida en 12 segmentos iguales denominados Semitonos, cuya razón numérica es igual a la raíz doceava de 2. Por ejemplo, si tomamos la nota Do (C), y la multiplicamos por la raíz doceava de 2 (igual a 1,059 aproximadamente), obtendremos la frecuencia de la nota Do Sostenido (C#), y si multiplicamos la frecuencia de ésta por el mismo factor, obtenemos la frecuencia del semitono siguiente, Re (D).

Volviendo a "4 chords", perteneciente al primer disco de estos australianos, vale la pena aclarar que algunas de las canciones incluídas en este tema están deliberadamente reafinadas a la secuencia de acordes utilizado (I-V-VIm-IV). Éste es un excelente ejemplo de que la música que estamos acostumbrados a escuchar desde hace décadas, está basada en las mismas 12 notas y sus diferentes combinaciones, por lo que todas las canciones y sus secuencias de acordes son hartos conocidas y han sido empleadas en infinidad de composiciones de todos los géneros.

Los invitamos pues a disfrutar de esta ingeniosa demostración, en la que además podrán apreciar los nombres e intérpretes de cada uno de los temas utilizados, algunos más conocidos que otros.

SUSANNA HOFFS - All I want (1996)

Cantante, guitarrista y actriz. Susanna Lee Hoffs nació el 17 de Enero de 1959 en Los Angeles, California, y desde 1981, lidera The Bangles, una banda de Pop Rock integrada mayoritariamente por mujeres, que incluye también a Vicki Peterson (guitarra), su hermana Debbi (batería), Annette Zilinskas (bajo) y Michael Steele (guitarra).

En 1989, tras la separación de The Bangles (que se reagruparía en 1998), Susanna Hoffs continuó con su carrera musical como solista, habiendo publicado 2 discos: "When You're A Boy" (Columbia Records, 1991), producido por David Kahne, y "Susanna Hoffs" (London Records, 1996), en donde compartió el trabajo de producción con David Baerwald, David Kitay y Jack Joseph Puig. Desde su primera incursión en solitario, esta artista mostró un gusto especial por los covers. En su disco debut, incluyó uno del tema "Boys keep swinging", escrito en 1979 por David Bowie y Brian Eno e incluído en el disco "Lodger" (RCA Records, 1979) del primero de ellos.

En su segundo disco, Hoffs hizo una versión bastante más acústica de la canción "All I want", originalmente grabada por The Lightning Seeds, banda inglesa liderada por Ian Broudie, que apareció en el disco debut de aquel grupo, "Cloudcuckooland" (Ghetto Records, 1990). La atracción de esta bella artista por los covers quedó nuevamente en evidencia cuando en 2006 se unió al también cantante, guitarrista y bajista Sidney Matthew Sweet, en un proyecto bautizado como Sid n Susie, con el que editó los discos "Under The Covers, Vol. 1" (2006) y "Under The Covers, Vol. 2" (2009), ambos editados por el sello Shout! Factory, en donde la dupla presentó sus versiones de temas de otros artistas como The Beatles, Bob Dylan, The Beach Boys, The Velvet Underground, Fleetwood Mac, Tom Petty and the Heartbreakers, y un largo etcétera.

Como dato extra, mencionaremos que Hoffs está casada desde 1993 con el director y productor cinematográfico Jay Roach. En su faceta como actriz, Susanna Hoffs ha aparecido en películas como "The Allnighter" (1987), "Austin Powers: International Man Of Mystery"" (1997) y "Austin Powers In Goldmember" (2002). Curiosamente, la primera de ellas fue dirigida por su madre, Tamar Simon Hoffs, mientras que las dos últimas fueron dirigidas por su esposo.

THE DAVE BRUBECK QUARTET - Take five (1959)

The Dave Brubeck Quartet fue una formación de Jazz creada en 1951, que tuvo como fundadores al reconocido pianista Dave Brubeck y al saxofonista Paul Desmond. Tras contar con diferentes bajistas y bateristas durante varios años, este cuarteto se consolidó en 1958, con el ingreso de Eugene "Gene" Wright (contrabajo) y Joe Morello (batería).

Sería ésta la formación que en 1959 publicó el disco "Time Out", a través de Columbia Records, el mismo que fue grabado en la ciudad de Nueva York, en el Columbia's 30th Street Studio, con la producción de Teo Macero. A pesar de ser un disco de Jazz, este trabajo escaló hasta la ubicación #2 del Pop Albums Chart de la revista Billboard, obteniendo un Disco de Platino por sus ventas. Su éxito radicó en gran medida en el uso de indicadores de compás poco usuales en las producciones de Jazz de aquella época, como 9/8 y 5/4. La mayoría de los temas incluídos en este disco fueron composiciones de Dave Brubeck (nacido en Concord, California, en 1920), quien a lo largo de su productiva carrera ha recibido una larga lista de premios y reconocimientos a nivel mundial.

Sin embargo, la única composición en este álbum que no surgió de la inspiración de Brubeck fue "Take five", pieza compuesta por Paul Desmond (nacido en San Francisco, California, en 1924), la misma que llegó al lugar "#25 del Billboard Hot 100 y al #5 del Billboard Easy Listening Chart. Ha sido tal la transcendencia de esta composición, que a lo largo de los años otros artistas como Chet Atkins, Al Jarreau, George Benson, Quincy Jones, Tito Puente y Stevie Wonder han hecho sendas versiones de la misma.

Un dato curioso sobre "Take five" es que muchos han acusado al músico argentino Gustavo Cerati de plagiar la intro del tema, específicamente en la canción "Tabú" (que pueden escuchar haciendo click aquí), perteneciente a su disco "Bocanada" (BMG International, 1999), segundo álbum como solista del ex-líder de Soda Stereo, en el que no se hace ninguna mención a Paul Desmond, a pesar de las irrefutables coincidencias entre ambos temas.

KAREN SOUZA - Creep (2006)

"Para hacer covers y comer pescado, hay que tener mucho cuidado". Nada más cierto, ya que muchas veces la valla impuesta por algunas canciones hace que atreverse a crear una versión alterna de ellas sea todo un reto, que conlleva el riesgo de exasperar a los admiradores de algún artista o banda. Pero existen algunos casos en los que estas versiones terminan siendo igual de buenas o incluso mejores que las originales. Creemos que éste es uno de esos casos.

Karen Souza es una cantante cuya carrera se ha caracterizado por versionar temas emblemáticos de varias décadas en clave de Jazz, con resultados bastante favorables. Los datos biográficos de esta cantante son bastante difíciles de encontrar, debido en gran parte a que ella misma los ha mantenido bien guardados. Algunos dicen que es brasilera, pero no hemos tenido forma de verificarlo. Dueña de un sello llamado Music Brokers (cuya página web contiene el código de país de Argentina, que aumenta la confusión sobre su nacionalidad) Souza ha sabido hacerse de un lugar entre los fans del Chill Out y del Lounge (etiquetas usadas para describir a estos géneros musicales enfocados en hacer música para "relajarse"), gracias a varios discos de covers: "Jazz and 80's" (2005), "Jazz and 90's" (2006), "Bossa N' Stones" (2006), "Bossa N' Ramones" (2007) y un largo etcétera.

En 2006, Karen Souza incluyó su propuesta para reinventar a "Creep", canción originalmente grabada por Radiohead en su álbum debut "Pablo Honey" de 1993. El resultado no puede ser mejor, ya que la cantante logra impregnarle a esta obra maestra de Thom Yorke y compañía su sello particular, con su sensual y por momentos susurrante voz que es bien acompañada por unos elegantes arreglos de piano, bajo y batería. Si les gusta esta versión, les recomendamos escuchar otras realizadas por ella de temas como "Do you really want to hurt me?" (de Culture Club), "Personal Jesus" (de Depeche Mode), "Every breath you take" (de The Police) o "Billie Jean" (de Michael Jackson, realizada por Souza junto a Jamie Lancaster).

Este año, Karen Souza ha recopilado sus mejores covers en un disco llamado "Karen Souza Essentials", que les reomendamos conseguir si les agrada esta onda, en el que además del Jazz, la cantante navega por otros géneros como la Bossa Nova. Seguramente, muchos puristas calificarán su trabajo como un sacrilegio, pero dejemos que cada uno haga su propia evaluación. Que pasen un buen domingo.

KATIE MELUA - Just like heaven (2005)

Antes que nada, queremos desear un Feliz Día del Padre a todos aquellos que celebran hoy esa fiesta en diferentes partes del mundo. Dedicado a ellos, y para cerrar con broche de oro esta semana en la que hemos revisado varios de nuestros covers favoritos (y que honestamente, nos ha quedado bastante corta), les traemos hoy esta versión de uno de nuestros temas predilectos de The Cure, otra de nuestras bandas de cabecera, de la que próximamente estaremos haciendo un post especial.

Katie Melua es una cantante, compositora, multi-instrumentista y actriz nacida en 1984 (bajo el nombre original de Ketevan Melua) en Kutaisi, Georgia, país que fue parte de la antigua Unión Soviética, aunque en Agosto de 2005 se nacionalizó británica. Su carrera musical se inició en 2003, habiendo editado hasta la fecha 4 álbumes de estudio, el último de ellos el año pasado. Melua es una ejecutante de guitarra, piano y violín, además de tener una melodiosa voz. Su estilo musical se ha desarrollado mayoritamente en géneros como el Jazz, Blues y Folk Rock.

En 2005, Katie Melua hizo esta excepcional versión de "Just like heaven", uno de los temas emblemáticos de The Cure, grabado por ellos en 1987 como parte del disco "Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me". La artista le imprimió a esta versión su personalidad musical, lo que dió como resultado este hermoso cover, uno de los mejores que hemos oído del grupo encabezado por Robert Smith, que fue incluído en el tercer álbum de la cantante, "Piece By Piece" (Dramático Records, 2005), que fue producido por Mike Batt. Este cover también fue incluído en la banda musical de la comedia romántica del mismo nombre, dirigida en 2005 por Mark Waters.

Katie Melua ha ganado a lo largo de su trayectoria 2 Echo Awards (en 2005 y 2007), y un Goldene Kamera Award (en 2007), habiendo sido la artista femenina más vendida en el Reino Unido en 2004 y 2005. Por si fuera poco, apareció actuando en uno de los segmentos (titulado "Don't") del film de terror "Grindhouse", dirigido por los reconocidos Robert Rodríguez y Quentin Tarantino en 2007.

DEPECHE MODE - Route 66 (1987)

El 28 de Diciembre de 1987, la banda británica Depeche Mode editó su single #20, perteneciente a la canción "Behind the wheel", incluída 3 meses antes en su celebrado álbum "Music For The Masses", sexto de su discografía en estudio. El lado-B de dicho sencillo fue su versión de "Route 66", uno de los 2 únicos covers que el grupo ha grabado a lo largo de su trayectoria (el otro es "Dirt", tema grabado originalmente por The Stooges en 1970, como parte del disco "Fun House", que fue incluído por Depeche Mode en 2001 como lado-B de "I feel loved", tema del álbum "Exciter"). Cabe mencionar que este grupo ha interpretado varios otros covers en vivo, pero ninguno de ellos ha sido grabado.

La versión original de "Route 66", un standard de Jazz y R&B (Rhythm & Blues), pertenece al artista estadounidense Robert "Bobby" Troup, quien compuso este tema en 1946, bajo el nombre completo de "(Get your kicks on) Route 66", en homenaje a una importante carretera que atraviesa los Estados Unidos. Dicha canción fue grabada por primera vez, ese mismo, año por Nat King Cole, quien hizo la hizo popular. Desde entonces, han sido muchos los artistas que han versionado la canción en diferentes géneros musicales, entre los cuáles podemos mencionar a Chuck Berry, Natalie Cole (hija de Nat King Cole), Perry Como, The Cramps, Bob Dylan, Jerry Lee Lewis, The Manhattan Transfer, John Mayer, Pappo (guitarrista y cantante argentino que hizo su versión en español), Tom Petty and the Heartbreakers, The Replacements, The Rolling Stones y The Brian Setzer Orchestra.

Volviendo al cover de Depeche Mode, terminaremos diciendo que esta canción fue interpretada principalmente por Martin Gore, mientras que Dave Gahan, vocalista de la banda, participa en los coros. Más adelante, al ejecutarla en sus presentaciones en vivo, ha sido cantada íntegramente por Gahan. En el disco compilatorio "Remixes 81-04", publicado por los británicos en 2004, a través de los sellos Mute Records (Reino Unido) y Reprise Records (Norteamérica), se incluyó un remix del mismo, bajo el nombre de "Route 66 (Beatmasters Mix)".
Nunca se hizo un vídeoclip de este cover. Por ello, las imágenes que verán a continuación, corresponden a una edición realizada por un fan de Depeche Mode.

THE SOUP DRAGONS - I'm free (1990)

The Soup Dragons fue una banda escocesa vigente entre 1985 y 1995, de la que ya hablamos en un post anterior. Hoy los volvemos a mencionar para nuestro repaso de las versiones o covers que más nos gustan, ya que en 1990 presentaron, como parte de su segundo álbum "Lovegod", publicado por el sello Big Life Records y producido por Sean Dickson y George Shilling, su re-interpretación del tema "I'm free".

Esta canción pertenece originalmente a The Rolling Stones (pueden oírla aquí), y fue escrita por Mick Jagger y Keith Richards en 1965. Dicho tema fue incluído en la edición británica del disco "Out Of Our Heads" (Decca Records/London Records, 1965), que curiosamente fue el tercer disco publicado por esta célebre banda en el Reino Unido, mientras que en los Estados Unidos fue su cuarta producción editada, después de "England's Newest Hit Makers" (1964), "12x5" (1964) y "The Rolling Stones, Now!" (1965). En ese país, "I'm free" fue publicada recién en el siguiente disco, llamado "December's Children (And Everybody's)", a través de London Records, también en 1965.

Volviendo a la versión de The Soup Dragons, diremos que ésta llegó a ocupar las posiciones #5 y #2 del UK Singles Chart y del Modern Rock Tracks Chart de Billboard, respectivamente. Con un estilo bastante más moderno, electrónico y bailable que el original, el acertado cover de los escoceses contó con la participación del músico y cantante de Reggae jamaiquino Delroy "Junior" Reid (miembro también de las bandas Voice of Progress y Black Uhuru), quien realizó un fraseo rapeado en onda Dancehall en la canción.

Los invitamos a continuación a recordar esta interesante versión de The Soup Dragons, propicia para iniciar bien el fin de semana.

SIOUXSIE AND THE BANSHEES - The passenger (1987)

"The passenger" fue una canción escrita en 1977 por Iggy Pop y Ricky Gardiner, incluído en el disco "Lust For Life", publicado por el ex-vocalista de The Stooges ese año, que fue su segundo álbum como solista, producido junto a David Bowie y Colin Thurston.

Una de las versiones más destacadas de esta canción, fue la realizada en 1987 por la banda de Post-Punk y Gothic Rock liderada por la cantante Susan Janet Ballion (aka Siouxsie Sioux), Siouxsie and the Banshees. Este cover, que fue #41 del UK Singles Chart, pertenece a su octavo disco de estudio, titulado "Through The Looking Glass", publicado en el Reino Unido por Polydor Records, y en los Estados Unidos por Geffen/Warner Bros, que contó con Mike Hedges en la producción. Este álbum se caracterizó por incluir 10 covers de variados artistas como Sparks ("This town ain't big enough for the both of us"), Kraftwerk ("Hall of mirrors"), The Doors (You're lost little girl") y Roxy Music ("Sea breezes"), entre otros.

Por aquellos tiempos, Siouxsie Sioux estaba acompañada en la banda por Steve Severin (bajo/teclados), John Valentine Carruthers (guitarra/teclados), Martin McCarrick (cello/teclados) y Peter "Budgie" Clarke (batería). El disco llegó a la posición #15 del UK Albums Chart, obteniendo un Disco de Plata en ese país, mientras que solo escaló al lugar #188 de Billboard 200 en los Estados Unidos.

Además de los Banshees, varios otros artistas y bandas han realizado covers de "The passenger", como por ejemplo: Deborah Harry (cantante de Blondie, 1985), Michael Hutchence (vocalista de INXS, 1995), Die Toten Hosen (1996) y R.E.M. (1998). Sin embargo, siempre nos ha gustado más la de Siouxsie y compañía, que es casi tan buena como la versión original de Iggy Pop.

APOCALYPTICA - Enter sandman (1996)

En el post de ayer mencionamos que hay algunos covers que recontextualizan canciones al interpretarlas en maneras bastante diferentes a la versión original. Hoy posteamos un buen ejemplo de ello. ¿Se imaginan a cuatro estudiantes de Música Clásica haciendo covers de Metallica, Pantera o Sepultura, tan solo con cellos? Aunque a primera impresión suena imposible, eso es lo que hacen los miembros de esta alucinante banda de Helsinki, Finlandia, que se hacen llamar Apocalyptica.

Este grupo fue formado en 1993 por un cuarteto de estudiantes de la Sibelius Academy, una Escuela de Música con nivel de Universidad ubicada en Finlandia, con sedes en las ciudades de Helsinki y Kuopio. Eicca Toppinen, Paavo Lötjönen, Max Lilja y Antero Manninen fueron sus miembros fundadores, todos ejecutantes de cello, y seguidores del Heavy Metal, género bastante popular en la región nórdica de Escandinavia. Fue así que en 1996, tras realizar sus propios arreglos para poder interpretar covers de Metallica con sus instrumentos, Apocalyptica editó su excelente disco debut, con los sellos Mercury y Universal, que llevó por nombre "(Apocalyptica) Plays Metallica By Four Cellos", un trabajo impecable y muy novedoso en todo sentido, que transformó varias canciones de la banda liderada por James Hetfield en exquisitas versiones puramente instrumentales que mantenían la misma energía de las originales.

"Master of puppets", "The unforgiven", "Sad but true", "Whenever I may roam" y "Harvester of sorrow" fueron algunos de los temas incluídos en este trabajo, en el que también se encuentra su propuesta del clásico "Enter sandman", tema grabado por Metallica para su disco homónimo de 1991, popularmente conocido como "The Black Album". Este primer trabajo de Apocalyptica los hizo conocidos a nivel mundial, habiendo publicado hasta la fecha 6 discos más, en los que han ido incorporando temas propios, además de otros covers de bandas como los brasileros de Sepultura, y los estadounidenses de Pantera y Faith No More.

La versión que presentamos en este post pertenece al primer DVD en vivo de Apocalyptica, "Live", que fue grabado en Munich, Alemania, el 24 de Octubre de 2001, en donde los finlandeses interpretaron temas de sus 3 primeros álbumes de estudio. Una propuesta que sorprende gratamente por lo novedosa e inusual, muy bien lograda por cierto. En la actualidad, Eicca Toppinen y Paavo Lötjönen siguen al frente del grupo, al que se han incorporado Perttu Kivilaakso y Mikko Sirén (quien además de tocar el cello se encarga de la batería en algunos temas). Además, Apocalyptica suele contar con algunos cantantes invitados en sus presentaciones en vivo desde 2008.

RADIOHEAD - The headmaster ritual (2007)

Seguimos con nuestra semana dedicada a grandes covers. Hoy tenemos a una gran banda, Radiohead, homenajeando a otra gran banda, The Smiths.

El 9 de Noviembre de 2007, para celebrar el lanzamiento de su séptimo disco en estudio, "In Rainbows", producido por el renombrado Nigel Godrich, la banda Radiohead, fundada en 1985 bajo el nombre de On A Friday en Abingdon, Inglaterra, conformada por Thom Yorke (voz/guitarra/piano), Jonny Greenwood (guitarra/teclados), Ed O'Brien (guitarra/coros), Colin Greenwood (bajo/sintetizadores) y Phil Selway (batería/percusión), decidió hacer un webcast, al que denominaron "Thumbs Down", a través de su página web (www.radiohead.tv). En dicha transmisión en vivo por Internet, los miembros de la banda se dedicaron a tocar canciones que usualmente no interpretan en sus presentaciones en vivo. El propio Thom Yorke le dijo al inicio a sus fans que seguían el webcast, en son de broma: "...no esperen ninguna alta calidad, porque no la hay...".

Entre los temas que tocaron en aquella oportunidad, sobresalieron dos covers: el primero fue "Ceremony", canción grabada por Joy Division en 1981 (que pueden oír en su versión original aquí), e interpretada posteriormente también por New Order, mientras que el segundo fue "The headmaster ritual", tema original de The Smiths, incluído por dicho grupo en su segundo disco de estudio llamado "Meat Is Murder", publicado en 1985. Antes de iniciar a tocarla, se puede escuchar a Yorke diciendo: "...ésta es una canción de cuando éramos jóvenes, pero nosotros no la escribimos...".

La versión interpretada por Radiohead es bastante fiel a la original, pero siempre es interesante ver y escuchar que grandes artistas rindan tributo a quienes influenciaron sus carreras musicales. Sin lugar a dudas, The Smiths es una de las bandas británicas más importantes de la historia, que ha sido una referencia innegable en la carrera de muchos otros músicos, y ésta es la mejor prueba.

Nos queda pendiente un post específico sobre Radiohead, que haremos pronto. Mientras tanto, disfruten de su buenísima versión del clásico de Morrissey y compañía.

LOVE AND ROCKETS - Ball of confusion (That's what the world is today) (1985)

Durante toda esta semana, vamos a enfocarnos exclusivamente en covers, palabra con la que se denomina a aquellas versiones que algunos artistas ejecutan sobre temas compuestos previamente por otros, algunas veces respetando el estilo del original, y otras veces cambiando radicalmente de género e incluso de arreglos, con resultados bastante disparejos. En nuestro caso, vamos a presentar aquellos que nos gustan y nos parece que vale la pena conocer.

Daniel Ash (voz/guitarra/saxofón), David J. Haskins (bajo/coros) y su hermano Kevin Haskins (batería), ex-miembros de Bauhaus (1979-1983), decidieron en 1985 continuar tocando juntos creando Love and Rockets, agrupación de Post-Punk y Alternative/Gothic Rock. Anteriormente, y siempre tras la separación de Bauhaus, en donde también participó el bajista Peter Murphy (quien empezó una carrera como solista en 1983), Ash y Kevin Haskins integraron junto a Glenn Campling otro proyecto llamado Tones on Tail, que existió hasta 1984. El nombre de Love and Rockets fue tomado de la serie de comics del mismo nombre creada por los hermanos Jaime y Gilbert Hernández en Setiembre de 1982.

El disco debut de este trío británico fue "Seventh Dream Of Teenage Heaven" (Beggar's Banquet, 1985), que fue producido por John A. Rivers. En varias de las ediciones publicadas de este álbum, se incluyó el cover que posteamos hoy, cuya versión original (que pueden oír aquí) pertenece a The Temptations, grupo estadounidense de Soul, Funk y R&B que grabó la canción en 1970, bajo el nombre completo de "Ball of confusion (That's what the world is today)". La versión de Ash y los hermanos Haskins se convirtió entonces en uno de los temas más sobresalientes del disco, llevando la sonoridad de la canción al estilo musical que ellos practicaban, bastante más oscuro y movido que en la versión original.

Cabe mencionar que esta canción ha sido versionada por otros artistas, entre los que se encuentran Tina Turner (1982), Duran Duran (1995), Anthrax (1999), The Neville Brothers (2004) y Tesla (2007). A nosotros nos gusta mucho esta versión de los Love and Rockets, y nos agradaría saber qué les parece a ustedes, por lo que los invitamos a compartir sus opiniones con nosotros. Buena semana para todos!