ANNIE LENNOX - Why (1992)

Dueña de una prodigiosa voz, Ann "Annie" Lennox, nacida un 25 de Diciembre de 1954 en Aberdeen, Escocia, ha desarrollado a lo largo de los años una fructífera carrera musical, la misma que se inició en la banda The Tourists, para luego, junto a su entonces pareja el inglés David Allan "Dave" Stewart, dar vida en 1980 a Eurythmics.  Durante una etapa de separación de aquel proyecto musical, Annie Lennox decidió apostar por una carrera como solista, en la que nos enfocamos en este post.

El primer álbum en solitario de Lennox fue "Diva", editado por RCA/Arista Records en Abril de 1992, bajo la producción musical de Steve Lipson, y que fue un éxito rotundo en ventas, obteniendo sendos Discos de Platino en el Reino Unido, Canadá, Suecia y los Estados Unidos, aparte de liderar el UK Albums Chart y de ganar 2 Brit Awards (a Mejor Disco Británico y Mejor Artista Femenina Británica) y 1 Grammy Award (a Mejor Vídeo Musical en Formato Largo).

Uno de los puntos más sobresaliente del "Diva" es la canción que abre el disco, "Why", escrita por la propia cantante, que fue #1 del Italian Singles Chart y #5 del UK Singles Chart.  El vídeoclip de este tema, dirigido por la también británica Sophie Muller, ganó el premio a Mejor Vídeo Femenino en la edición '92 del MTV Vídeo Music Awards.

El resto de la trayectoria musical de Lennox como solista se completa con los álbumes "Medusa" (RCA, 1995), "Bare" (RCA, 2003), "Songs Of Mass Destruction" (RCA, 2007) y "A Christmas Cornucopia" (Island Records, 2010), a los que se suma el recopilatorio "The Annie Lennox Collection" (RCA, 2009).

A nivel personal, esta artista han estado casada en 3 oportunidades: inicialmente con el alemán Radha Raman (entre 1984 y 1985), luego con el israelí Uni Fruchtmann (entre 1998 y 2000), con quien tiene 2 hijas llamadas Lola y Tali, y finalmente con el sudafricano Mitch Besser (desde Setiembre de 2012).  Los invitamos pues a disfrutar de esta gran voz del Pop actual. 

O.M.D. - Pandora's box (1991)

La vez anterior que posteamos un tema de los británicos O.M.D. (reseña que pueden leer aquí), cubrimos los inicios de su historia hasta su casi desaparición en 1989.  Para entonces, la banda tuvo un cisma bastante profundo: primero, el trombonista Graham Weir y el trompetista Neil Weir dejaron al grupo, seguidos por el co-fundador Paul Humphreys, el tecladista Martin Cooper y el baterista Malcolm Holmes, quienes en 1990 fundaron una nueva agrupación llamada The Listening Pool, dejando prácticamente solo a Andy McCluskey, el otro co-fundador de O.M.D., quien se mantuvo al frente del grupo.

Fue así que McCluskey, con la colaboración de los músicos Stuart Kershaw y Lloyd Massett, y con la co-producción de Howard Gray y Andy Richards publicó en 1991 el octavo disco de O.M.D., "Sugar Tax", con el sello Virgin Records.  A pesar de ser prácticamente un disco solista de McCluskey, este trabajo fue muy bien recibido a nivel mundial, ocupando el puesto #3 del UK Albums Chart, conteniendo excelentes canciones entre las que podemos mencionar a "Sailing on the seven seas", "Speed of light", "Call my name", "Neon lights" (un cover de los alemanes Kraftwerk), "All that glitters" o "Apollo XI" (canción instrumental con samples de un discurso de John F. Kennedy).

Nuestra canción favorita del "Sugar Tax" es "Pandora's box", que fue el segundo sencillo del mencionado álbum.  Este tema estuvo inspirado en la carrera de la actriz estadounidense Louise Brooks (1906-1985), muy popular en las épocas del cine mudo.  Justamente, el título de la canción hace referencia al nombre de la película protagonizada por Brooks en 1928, dirigida por el austríaco Georg Wilhelm Pabst, cuyas escenas se incluyen en el vídeoclip que pueden ver a continuación.  Volviendo a la canción, diremos que llegó al lugar #7 del UK Singles Chart, así como al #11 del US Hot Dance Club Play Charts de Billboard.

Andy McCluskey lanzaría 2 álbumes más, siempre con Virgin Records, como único líder de O.M.D.: "Liberator" (1993) y "Universal" (1996), hasta que en 2005, Paul Humphreys, Martin Cooper y Malcolm Holmes aceptaron regresar a la banda, que continúa junta hasta la fecha, siendo su más reciente lanzamiento el disco "History Of Modern" (100% Records, 2010). 

KENT - Om du var här (1997)

Eskilstuna, Suecia, fue en 1990 la cuna de esta banda de Alternative/Indie Rock con influencias de Post-Punk, Synth-Pop y Progressive Rock, que inicialmente tomó el nombre de Coca-Cola Kids, para luego pasar a llamarse sucesivamente Jones & Giftet y Havsänglar , hasta definir la denominación que mantienen hasta hoy: Kent.

La alineación original del grupo estuvo conformada por Joakim Berg (voz/guitarra rítmica), Martin Sköld (bajo/teclados), Sami Sirviö (guitarra/teclados), Thomas Bergqvist (teclados) y Markus Mustonen (batería/piano/coros).  A lo largo de estos años, también pasaron por las filas de Kent los guitarristas Martin Roos (entre 1992 y 1995) y Harri Mänty (entre 1996 y 2006).

Su amplia discografía consta de 10 álbumes en estudio: "Kent" (RCA/BMG Ariola, 1995), "Verkligen" (RCA/BMG, 1996), "Isola" (RCA/BMG, 1997), "Hagnesta Hill" (RCA/BMG, 1999), "Vapen & Ammunition" (RCA/BMG, 2002), "Du & Jag Döden" (RCA/BMG, 2005), "Tillbaka Till Samtiden" (RCA/Sony BMG, 2007), "Röd" (RCA/Sony, 2009), "En Plats I Solen" (RCA/Sony, 2010) y "Jag Är Inte Rädd För Mörkret" (Universal, 2012).  Nueve de ellos fueron #1 en los Sverigetopplistan, nombre original de los Swedish Charts.

En esta ocasión lo dejamos con el vídeoclip de la canción "Om du var här" ("Si tú estuvieras aquí"), dirigido por Adam Berg, y que fue el primer single del disco "Isola", que fue editado en versión sueca e inglesa, obteniendo un Disco de Oro por sus ventas en Suecia, en donde llegó al puesto #3 de los Swedish Charts.  Kent es una de las bandas más importantes en la escena rockera del país balcánico, habiendo obtenido hasta la fecha 20 Swedish Grammy Awards. 

BLIND MELON - No rain (1992)

Hay canciones que pasan a la historia por su indiscutible calidad.  Otras, por tener solamente un buen vídeoclip.  Pero en el caso de "No rain", tema del primer disco de Blind Melon, ambas cualidades se juntan para hacer de él un clásico moderno.  Por eso les dedicamos el post de hoy en el blog.

Este grupo nació en 1990 en Los Angeles, California, plena efervescencia del Grunge, aunque ninguno de sus miembros era de esa ciudad.  Su primera alineación estuvo conformada por Shannon Hoon (voz/guitarra acústica/armónica), Brad Smith (bajo/flauta/coros), Rogers Stevens (guitarra/piano/teclados), Christopher Thorn (guitarra/mandolina/armónica) y Glen Graham (batería/percusión), quienes en 1991 grabaron un demo EP llamado "The Goodfoot Workshop", que provocó que firmaran con Capitol Records, haciendo otro EP ese mismo año, titulado "The Sippin' Time Sessions", que nunca fue editado.

Fue recién al año siguiente que Blind Melon publicó su primer álbum homónimo, bajo la producción de Rick Parashar, en el que estaba la canción "No rain", que fue #1 en Canadá, al igual que en el Album Rock Tracks Chart y el Modern Rock Tracks Chart de la revista estadounidense Billboard.  Su inolvidable vídeoclip, con el personaje de la niña disfrazada de abeja (interpretado por Heather DeLoach), fue dirigido por Samuel Bayer, contribuyendo a cimentar la fama de la banda, que editó su segundo álbum en 1995, bajo el nombre de "Soup", producido por Andy Wallace, que no llegó a repetir el éxito de su predecesor.  Durante la gira de promoción de este disco, el vocalista Shannon Hoon fue hallado muerto el 21 de Octubre de 1995, debido a un ataque cardíaco originado por una sobredosis de cocaína.

A pesar de su lamentable pérdida, el resto de miembros de Blind Melon decidió seguir adelante con la banda, publicando un tercer disco, siempre con Capitol Records, en Noviembre de 1996.  Dicho álbum, "Nico", fue llamado así por la hija de Hoon (Nico Blue), con temas que Hoon llegó a grabar, y que fueron terminados por sus compañeros tras su muerte, con una pobre recepción de la prensa y el público.  Sin poder encontrar un nuevo cantante, Blind Melon se separó en 1999, hasta que en Setiembre de 2006 decidieron regresar, ya con Travis Warren como nuevo vocalista, lanzando "For My Friends", de forma independiente, en Abril de 2008.  Tras una nueva pausa entre 2009 y 2010, los Blind Melon siguen aún en actividad, aunque con un perfil bastante bajo.

TEXAS - In our lifetime (1999)

Sharleen Spiteri (voz) y John Francis "Johnny" McElhone (antiguo miembro de grupos como Altered Images o Hipsway en bajo/guitarra), forman la columna vertebral de Texas, banda de Pop/Alternative Rock y Brit-Pop originada en la ciudad de Glasgow, Escocia, en 1986, cuyo nombre fue tomado de la altamente recomendable película "Paris, Texas", drama dirigido en 1984 por el alemán Wim Wenders.  Inicialmente, se unió a Spiteri y McElhone el también guitarrista Alistair Manson "Ally" McErlaine.

Son 7 los álbumes editados hasta la fecha por Texas, todos con el sello Mercury Records: "Southside" (1989), "Mothers Heaven" (1991), "Ricks Road" (1993), "White On Blonde" (1997), "The Hush" (1999), "Careful What You Wish For" (2003) y "Red Book" (2005).  Su discografía se completa con el EP "Everyday Now" (1989), los recopilatorios "The Greatest Hits" (2000) y "I Don't Want A Lover" (2004), y el disco en vivo "The BBC Sessions" (2007).

Hoy recordamos una de nuestras canciones preferidas de los escoceses, "In our lifetime", que fue el primer sencillo de su quinto álbum "The Hush",  que tuvo como productor musical a Johnny Mac (seudónimo de McElhone).  Este tema llegó a la ubicación #4 del UK Singles Chart, mientras que el disco lideró el UK Albums Chart, además de colocarse dentro de los 10 primeros lugares en países como Francia, Alemania, Noruega, Suecia, Suiza, Suecia y España, obteniendo en total 6 Discos de Platino y 3 Discos de Oro por sus ventas.

Texas se mantiene en actividad hasta la fecha, con la adición de Michael Bannister (teclados), Tony McGovern (voz/guitarra) y Ross McFarlane (batería).  Cabe mencionar también que en Setiembre de 2009, su guitarrista-fundador Ally McErlaine sufrió un aneurima cerebral masivo, del cuál felizmente se ha venido recuperando desde entonces.  Para este año, se esperaba el lanzamiento de un nuevo compilatorio del grupo, que llevaría como nombre "Say What You Want - The Collection", sin que ésto se haya concretado hasta el momento.

KING CHANGÓ - Melting pot (1996)

Changó, Shangó o Sàngó (en el dialecto nigeriano Yoruba), es considerado como el Orisha o Divinidad de los truenos, los rayos, la justicia, la virilidad, la danza y el fuego, quien además está relacionado con Santa Bárbara en la Santería (práctica de carácter religioso que fusiona creencias católicas con la cultura tradicional yoruba), muy conocida en países latinoamericanos como Cuba, Puerto Rico, República Dominicana, Panamá, Brasil, Colombia y Venezuela.

Es justamente en este último país en donde, en 1994, y específicamente en la ciudad capital de Caracas, se fundó una banda que tomó el nombre de este deidad: King Changó, que fusiona Reggae, Ska, Salsa y Cumbia, integrada por José Andrés "Blanquito Man" Blanco (voz/percusión), Luis Eduardo "Negrito Man" Blanco (teclados/cuatro venezolano/percusión), Miguel Oldenburg (guitarra), Glenda Lee (bajo), Martín Adrián "Martín Perna" Cunnigham (saxo tenor), Fernando Vélez (percusión), Mike Wagner (trombón/guitarra) y Luis "El Pulpo" Ruiz (batería/percusión).

Poco después de emigrar a Nueva York y consolidarse como banda, King Changó llamó la atención de David Byrne (líder de los célebres Talking Heads), quien firmó al grupo para su sello de World Music llamado Luaka Bop, compañía con la cual editaron en 1996 su disco debut homónimo, compuesto por 13 canciones llenas de ritmo y sabor latino, entre las que destaca nítidamente la canción "Melting pot", que compartimos con ustedes en este post.

Cuatro años más tarde, el combo venezolano presentaría su segundo álbum (y último hasta la fecha), titulado "El Regreso del Santo", en el que empezaron a añadir elementos de Trip-Hop y Drum 'n' Bass.  Sin embargo, en 2003, King Changó entró en una prolongada pausa, la misma que parece haber terminado en 2010, cuando el grupo retomó sus presentaciones en vivo, aún sin nuevo material discográfico a la vista.  Si quieren estar informados de las novedades de esta muy buena banda, síganlos a través de su cuenta en Facebook. 

BABES IN TOYLAND - Sweet '69 (1995)

Estamos de vuelta! Muchas cosas importantes nos han pasado durante el tiempo que estuvimos en estado de hibernación forzada: nos mudamos de casa, con todo el desorden inicial que eso conlleva, y sobre todo, pasamos la barrera de las 100,000 visitas! Pero ya instalados en nuestro nuevo centro de operaciones, retomamos nuestro viaje sónico con más buena música, dándoles gracias a ustedes, como siempre, por acompañarnos en esta aventura.

Nuestro post de hoy se enfoca en Babes in Toyland, una interesantísima banda de Alternative Rock/Punk Rock/Grunge fundada en 1987 en Minneapolis, Minnesota por Kat Bjelland (guitarra) y Lori Barbero (batería), a las que se sumaron inicialmente Cindy Russell (voz) y Chris Holetz (bajo), quienes duraron muy poco tiempo en el grupo.  Tras su partida, Barbero y Bjelland, quien asumió además el rol de cantante, convocaron para el bajo a Courtney Love (la hoy viuda del ícono grunge Kurt Cobain y lideresa de Hole), quien en 1985 había formado con Bjelland otra agrupación llamada Pagan Babies.  Sin embargo, Love fue echada de Babes in Toyland a las pocas semanas, para dar paso a Michelle Leon, quien se mantendría hasta 1991.

Bajo la batuta del productor Jack Endino, y con el sello Twin/Tone Records, el trío dió luz verde en 1990 a "Spanking Machine", su disco debut, que fue bastante bien recibido por la potencia de canciones como "Swamp pussy", "Vomit heart", "Dust cake boy" o "Dogg", que hicieron que otros músicos, como el guitarrista Thurston Moore (de Sonic Youth) se declararan seguidores de las Babes in Toyland.  Varias de las canciones que quedaron fuera de este primer disco fueron editadas ese mismo año en un EP titulado "To Mother", lanzado en un principio por Southern Records, y más tarde por Twin/Tone Records.

"Fontanelle" (Reprise Records, 1992) fue el segundo de sus 3 álbumes en estudio, que fue co-producido por Lee Ranaldo (el otro gran guitarrista de Sonic Youth) y la propia Kat Bjelland.  Poco después de iniciar las grabaciones de este disco, Michelle Leon dejó al grupo tras la muerte de su novio, Joseph "Joe" Cole, quien era roadie de Black Flag y Rollins Band.  Su lugar fue ocupado entonces por Maureen Herman.  Con temas como "Bruise violet", "Spun", "Real eyes" y "Handsome and Gretel", este disco llegó hasta el lugar #24 del UK Albums Chart.  Siempre con el sello Reprise, las Babes in Toyland editaron el EP "Painkillers" (1993) y el álbum "Nemesisters" (1995), que fue producido por Tim Mac siendo su último trabajo oficial en estudio, del que les traemos la canción "Sweet '69", que escaló hasta el puesto #37 del Modern Rock Tracks Chart de Billboard.  Tras varios cambios más en su alineación, este grupo se desarmó oficialmente en 2001, con Kat Bjelland formando un nuevo proyecto musical, llamado Katastrophy Wife.

R.E.M. - Everybody hurts (1992)

Un nuevo domingo en el blog, esta vez con una increíble balada y un vídeo sobresaliente, a cargo de R.E.M., una banda de la que ya nos hemos ocupado en varias oportunidades anteriores y que está entre nuestras favoritas.

La canción que posteamos hoy, "Everybody hurts", fue uno de los singles del "Automatic For The People", octavo álbum del cuarteto de Athens, Georgia, conformado por Michael Stipe (voz), Mike Mills (bajo), Peter Buck (guitarra) y Bill Berry (batería), y que fuera publicado en Octubre de 1992 por Warner Bros. Records, con la producción musical de Scott Litt.  Este disco tuvo la intención, según declararon los propios miembros del grupo, de alejarse un poco del estilo de su anterior disco, el celebrado "Out Of Time" de 1991.

Aunque los 4 integrantes de R.E.M. participaron en la composición de la canción, el baterista Bill Berry tuvo una actuación preponderante, a pesar de que finalmente no tocó en la canción (ya que ésta no tiene batería, sino patrones de ritmo de una Univox Drum Machine).  Otro dato interesante de este single, que llegó al Top 10 en Australia, Canadá, Francia, Irlanda y el Reino Unido, fue que los arreglos de cuerdas fueron escritos por el ex-bajista de Led Zeppelin, John Paul Jones.

Como ya dijimos al inicio de este post, uno de los puntos más altos de esta muy buena canción es su extraordinario vídeoclip, uno de los más sentimentales que recordemos, mérito de su director, el ingles Jake Scott, cuya temática está influenciada por la escena inicial de la película "8½", dirigida en 1963 por el italiano Federico Fellini.  El vídeoclip de "Everybody hurts", en blanco y negro, fue filmado cerca del Fredericksburg Road Bridge en San Antonio, Texas, y fue considerado en el año 2007 entre el Top 5 de los Vídeos Musicales Más Memorables de la cadena MuchMoreMusic.  Por si fuera poco, artistas famosos como Paul Anka, Joe Cocker, The Corrs, Meat Puppets, Patti Smith, Bonnie Tyler, Coldplay y Tangerine Dream han hecho sendos covers de este bellísimo tema. 

CHRISTIANES - Mírame solo una vez (1995)

Desde Santiago, Chile, recordamos hoy viernes en el blog a Christianes, una banda de Dream Pop, fundada en 1989 por Christian Arenas (voz/guitarra) y Cristián Heyne (bajo/programación), lo que explica el nombre del grupo, que se caracterizó por ser bastante reacios a la exposición mediática, motivo que tal vez limitó de cierta forma su fama, a pesar de lo cuál llegaron a cosechar una buena legión de seguidores en toda Latinoamérica.

Arenas y Heyne dieron vida a este proyecto musical cuando eran aún adolescentes, centrándose en un primer momento en hacer covers de The Cure.  Fue recién en 1990, con el ingreso del también cantante y guitarrista Juan Carlos Oyarzún, que Christianes comenzó a componer sus primeros temas.  Este impulso se vió frenado en parte en 1992, con el alejamiento de Oyarzún, quien posteriormente formaría parte de otro grupo llamado Justine.  Esta salida llevó a la dupla Arenas/Heyne a buscar un nuevo vocalista, eligiendo finalmente a una estudiante de danza con poca experiencia en el canto, llamada Evelyn Fuentes, con quien empezaron a variar su sonido hacia un estilo más cercano a bandas como My Bloody Valentine o Cocteau Twins.

Su primer sencillo en ser difundido por las radios chilenas fue "Sol", que les abrió las puertas para colocar otras 4 canciones en la banda sonora de la teleserie "Top Secret", gracias a lo cuál lograron llamar la atención de la compañía discográfica EMI Odeón, que decidió firmar a Christianes en 1995.  Fue así que, en la segunda mitad de ese año, el trío chileno dió vida a su primer y único disco, "Ultrasol", compuesto por 16 tracks y que tuvo como caballo de batalla al tema "Mírame solo una vez", una buena canción que combina guitarras y arreglos de cuerdas que complementan el peculiar estilo de cantar de Evelyn Fuentes, que llevaron a compararla con otras vocalistas latinas como Jeanette (la de "Soy rebelde" o "Corazón de poeta") o la española Ana Torroja, frontwoman del excelente trío Mecano.

Para sus presentaciones en vivo (que fueron bastante escasas), Christianes contó con el apoyo de Denver (guitarra) y Juan Patricio Fuenzalida (batería).  Al mismo tiempo, Cristián Heyne comenzó a trabajar en forma paralela con otra banda llamada Shogún, que poco a poco fue absorbiendo su atención, originando que en 1997 la historia de Christianes llegara prematuramente a su fin.  Tras la separación, Christian Arenas desapareció de la escena musical chilena, Evelyn Fuentes volvió al ambiente de la danza, mientras que Cristián Heyne continuó su carrera como productor y músico.

SORAYA - Quédate (1996)

Con raíces colombianas, pero nacida en Nueva Jersey, Estados Unidos, el 11 de Marzo de 1969, Soraya Raquel Lamilla Cuevas, conocida en el mundo de la música simplemente como Soraya, fue una talentosa compositora, cantante y productora musical, tristemente fallecida el 10 de Mayo de 2006 en Miami, Florida, después de luchar por varios años contra un cáncer de seno, la misma enfermedad que había cobrado la vida de su madre en 1991.

Tras aprender a tocar guitarra y violín durante su infancia, Soraya comenzó a componer sus primeras canciones durante su adolescencia.  Fue recién en 1996, que esta artista publicó su disco debut, "En Esta Noche" (Island Records), que obtuvo múltiples Discos de Platino en alrededor del mundo, debido a que también fue editado en idioma inglés, como "On Nights Like This", al igual que varias de sus siguientes producciones.  Gracias a los sencillos de este disco, la carrera de Soraya tuvo un gran impulso en toda Latinoamérica.  El primer single, "De repente" ("Suddenly") fue #1 en México, Argentina, Chile, Colombia, España y Estados Unidos, mientras que el segundo sencillo, que recordamos hoy, "Quédate" ("Stay awhile"), consiguió lo mismo en México, Chile, Argentina, España y Estados Unidos.

Su segundo disco bilingüe fue "Torre De Marfil / Wall Of Smiles" (Polydor/Mercury Records, 1997), que tuvo como temas de promoción a "Lejos de aquí", "Si te vas", "París, Cali, Milán" y "Torre de marfil", además de incluir, en la versión en inglés, una canción en francés titulada "J'amerais tant", que llegó a encabezar las listas de Francia, Portugal, Suiza, Alemania y Canadá.  Le siguió "Cuerpo Y Alma / I'm Yours" (Universal Music, 2000), su tercer disco, que fue editado el mismo año en que le fue detectado el cáncer de seno, momento desde el cuál la artista comenzó su tratamiento médico y se convirtió en constante activista y colaboradora de instituciones de apoyo a las víctimas de dicha enfermedad.

Sus siguientes producciones musicales fueron "Soraya" (EMI Latin, 2003), también lanzada en versión en inglés, y "El Otro Lado De Mí" (EMI International, 2005).  A lo largo de su carrera artística, y debido a su innegable talento, Soraya colaboró también con otros reconocidos artistas como Ryuichi Sakamoto, Aleks Syntek, John Berry, Myriam Hernández, Ricky Martin y Ha-Ash, antes de su lamentable partida.  Recordémosla pues con una de sus mejores canciones, como debe ser.

LISA STANSFIELD - Change (1991)

Nacida en Heywood, Inglaterra, el 11 de Abril de 1966, Lisa Jane Stansfield es una cantante y compositora de Soul, Pop y R&B que siempre se ha caracterizado por su buenas dotes vocales y un gusto exquisito para la música.  Cuando tenía solamante 16 años, se presentó en un concurso de nuevos talentos producido por Granada TV, que terminó ganando haciendo un cover de "The things that dreams are made of" de The Human League.  Gracias a este premio, grabó sus primeros sencillos, que no tuvieron mucha repercusión, por lo que se dedicó a lo largo de la década de los 80's a la actuación, apareciendo en varios programas infantiles.  Además, entre 1984 y 1988, Lisa Stansfield formó parte de una banda llamada Blue Zone, junto a su esposo Ian Devaney (trombón/teclados/guitarra/coros) y Andy Morris (trompeta/teclados/coros), con quienes editó un único disco en 1988, bajo el sello Arista Records, que se llamó "Big Thing".

Con la colaboración de sus compañeros de Blue Zone, esta artista debutó como solista en 1989 con su álbum "Affection", que fue co-producido por Ian Devaney y Andy Morris para los sellos BMG/Arista.  Con este trabajo, Lisa Stansfield consiguió atraer la atención internacional, ubicarse como #1 en Austria, #2 en Suiza, Suecia y el Reino Unido, y #5 en los Estados Unidos.  El tema que catapultó este éxito fue "All around the world", que llegó a vender más de 1 millón de copias tan solo en los Estados Unidos, liderando los charts de la Billboard, al igual que en Austria, Holanda, Noruega, España y el Reino Unido.

Su siguiente gran hit, que posteamos en esta ocasión, fue "Change", el primer sencillo de su segunda producción discográfica llamada "Real Love", que fue lanzada en 1991 siempre por BMG/Arista y con la dupla Devaney/Morris a cargo.  Con un sonido exquisitamente sofisticado, bien coronado por la sensual y gran voz de Stansfield, esta canción volvió a ser un suceso en los Estados Unidos, siendo #1 del Hot Dance Club Play Chart de la Billboard.  Los demás singles del "Real Love" (que ocupó el lugar #3 del UK Albums Chart), fueron "All woman", "Time to make you mine", "Set your loving free" y "A little more love".

La discografía de Lisa Stansfield se completa con 4 álbumes más: "So Natural" (Arista, 1993), "Lisa Stansfield" (Arista, 1997), "Face Up" (Arista, 2001) y "The Moment" (ZTT, 2004).  A lo largo de su carrera solista, esta gran artista ha sido galardonada con un buen número de premios, que incluyen ASCAP Awards, Billboard Music Video Awards, BRIT Awards, Grammy Awards, Women's World Awards y World Music Awards, entre otros.

FAITH NO MORE - Evidence (1995)

Originalmente llamados Faith No Man, este grupo proveniente de San Francisco, California, se fundó en 1981 por Mike Morris (voz/guitarra), Billy Gould (bajo), Wade Worthington (teclados) y Mike Bordin (batería).  Un año más tarde, Roddy Bottum entró como reemplazo de Worthington, pasando a llamarse Faith No More, con un estilo que mezclaba Alternative Rock, Funk y Heavy Metal dentro de su propuesta.  Un dato curioso es que en estos primeros años de consolidación, pasaron por las filas de la banda varios cantantes, entre los cuáles estuvo la hoy viuda de Kurt Cobain, Courtney Love, quien posteriomente formaría Hole.

Para 1985, año en el que Faith No More publicó su disco debut, "We Care A Lot", producido por Matt Wallace para Mordam Records, la agrupaciñon estaba conformada por Chuck Mosley (voz), Billy Gouls (bajo), Roddy Bottum (teclados), Jim Martin (guitarra) y Mike Bordin (batería).  Dos años más tarde llegaría su segundo álbum, "Introduce Yourself", editado por Slash Records con Matt Wallace y Steve Berlin como productores.  En 1988, Faith No More volvió a cambiar de cantante, con el ingreso del carismático Mike Patton, quien provenía de otro grupo llamado Mr. Bungle.  Desde entonces, Patton se ha mantenido como frontman de FNM, hasta el día de hoy.

"The Real Thing" (Slash Records, 1989) fue el primer disco con Patton, quien rápidamente le imprimió su sello personal a la banda, llevándolos a recibir sus primeras 2 nominaciones a los Grammy Awards, y haciendo que este álbum fuera considerado como Álbum del Año por la revista británica Kerrang!, gracias a temas contundentes como "From out of nowhere", "Falling to pieces" y la recordada "Epic".  La carrera ascendente de FNM se mantuvo con su cuarto disco, "Angel Dust" (Slash Records, 1992), en el que sobresalió la canción "Midlife crisis", que los ubicó entre los Top Ten en el Reino Unido, Austria, Alemania, Noruega, Suiza y los Estados Unidos.

Hoy les traemos el brillante tema "Evidence", tercer sencillo perteneciente al álbum "King For A Day...Fool For A Lifetime" (Slash Records, 1995), que fue producido por Andy Wallace, y que tuvo como primeros singles a "Digging the grave" y "Ricochet".  Tenemos que confesar que la primera vez que escuchamos "Evidence", nos costó aceptar que era una canción de Faith No More, debido a que su estilo, muy cercano al Jazz, distaba mucho del sonido agresivo y contundente de sus trabajos previos, con Mike Patton haciendo una muy buen interpretación vocal.  Esta canción también fue grabada en italiano, portugués y español, pero nosotros nos quedamos con la versión original en inglés.  Como dato final, diremos que para este disco, el guitarrista Trey Spruance ya había tomado (desde 1993) el lugar de su antecesor, Jim Martin. 

THE CHURCH - Metropolis (1990)

"Metropolis" es otra de nuestras canciones predilectas de los australianos The Church, perteneciente al disco "Gold Afternoon Fix", séptimo lanzamiento discográfico en estudio de esta banda, que fue publicado el 22 de Febrero de 1990 por Arista Records, habiendo sido co-producido por el grupo y Waddy Wachtel.  Este tema fue el primer sencillo de promoción del álbum, que llegó a encabezar el Modern Rock Tracks Chart de la revista estadounidense Billboard.

Para entonces, The Church era un cuarteto conformado por Steve Kilbey (voz/bajo/teclados), Marty Willson-Piper (guitarra/coros), Peter Koppes (guitarra/coros) y Richard Ploog (batería/percusión).  Este último ingresó en 1981 al grupo, para reemplazar al baterista fundador Nick Ward, dejando su lugar poco después del lanzamiento del "Gold Afternoon Fix" a Jay Dee Daugherty (entre 1990 y 1993), quien luego haría lo mismo con Tim Powles, quien se mantiene en el cargo hasta la fecha.

Un par de datos curiosos sobre este disco son los siguientes: primero, es el hecho de que los miembros de The Church querían en un principio tener como productor musical a John Paul Jones, destacado profesional que además fue bajista de los célebres Led Zeppelin.  Tras intentar infructuosamente de convencer a la gente de Arista Records de contratar a Jones, el grupo se vió en la necesidad de buscar otra opción, decidiéndose finalmente por Waddy Wachtel.  El segundo aspecto que llama la atención en este trabajo es que por primera vez, el guitarrista Marty Willson-Piper, no utilizó una guitarra de 12 cuerdas en ninguno de los temas, algo que había sido una característica en sus álbumes previos.  La razón era muy sencilla: durante la gira de promoción de su disco anterior, la guitarra Rickenbacker de 12 cuerdas del músico había sido robada.

Entre las 13 canciones que forman parte de este buen disco, también les recomendamos escuchar otros surcos como "Terra Nova Cain", "Russian autumn heart", "You're still beautiful", "Fading away", "Essence" o "Grind".  Que tengan todos un buen fin de semana!

MŒNIA - No dices más (1999)

El Synth-Pop también tiene buenos representantes en Latinoamérica, como el caso de Mœnia (o Moenia), banda de la Ciudad de México influenciada por artistas como Depeche Mode, Pet Shop Boys, Kraftwerk, Jean-Michel Jarre y O.M.D., entre otros, cuyo recorrido musical se inició en 1991, teniendo como antecedente previo a otro grupo llamado 5Mentarios, conformado por Alfonso Pichardo (voz/teclados), Jorge Soto (teclados/guitarra) y Juan Carlos Lozano (voz), grabando un primer disco de manera independiente en 1992, conocido hoy como "El Disco Perdido", que no tuvo mucha difusión.

Tras el alejamiento de Pichardo en 1994, quien emigró a los Estados Unidos para continuar con sus estudios de Derecho, Soto y Lozano convocaron a Alejandro "Midi" Ortega (sintetizadores/programación) como nuevo integrante de la banda.  El nuevo trío fue el gestor de "Mœnia" (Universal Music, 1996), el segundo álbum de los mexicanos, del que se desprenden buenos temas como "No puedo estar sin tí", "Terminales", "Déjame entrar" o "Metamorfosis", que fue seguido por un disco de remezclas llamado "067.86.M.Mixes" (Universal Music, 1998).

También en 1998, el grupo sufre nuevos cambios: su fundador Juan Carlos Lozano decide alejarse para enfocarse en un proyecto como solista, al que llamó Morbo, lo que ocasionó el retorno de Alfonso Pichardo, el vocalista original, quien para entonces ya había completado sus estudios en el extranjero.  Así, Mœnia lanza su tercer trabajo, "Adición+" (Universal México, 1999), en el que se encuentra la canción que presentamos hoy, "No dices más", uno de sus mejores temas, que los mantuvo en la cima de la popularidad en su país, fama que ya se había expandido a otros lugares de Latinoamérica.

"Le Modulor" (2001), "Televisor" (2003), "Solar" (2007) y "FM" (2012) son los álbumes que completan la discografía de Mœnia hasta la fecha.  Actualmente, los mexicanos se encuentran en plena gira de promoción de su más reciente lanzamiento discográfico.  Si quieren saber más sobre las fechas de esta gira, llamada "Tour FM", los invitamos a visitar su página en Facebook.  Buen fin de semana para todos! 

PINK FLOYD - Take it back (1994)

Hay muy pocas bandas que han logrado trascender las barreras del tiempo, de los géneros musicales y de la "moda" con tanta maestría y contundencia como Pink Floyd, grupo que indudablemente tiene un importante y muy merecido lugar en el Olimpo de la música mundial.  Referentes innegables del Progressive, Acid y Psychedelic Rock, su historia se empezó a gestar en Londres, Inglaterra, en 1962, con otras formaciones previas como Sigma 6 (que también se llamó The Meggadeaths, The Screaming Abdabs, Leonard Lodgers, The Spectrum Five o The Tea Set), en la que participaron Roger Waters (voz/guitarra/bajo), Richard Wright (voz/teclados/sintetizadores) y Nick Mason (batería/percusión), junto a Bob Klose, Clive Metcalfe y Keith Noble.  En 1964, tras la partida de los 2 últimos, se les sumó el guitarrista y cantante Roger "Syd" Barrett.

Fue recién en el otoño de 1965 que Waters, Mason, Wright y Barrett usaron por primera vez el nombre de The Pink Floyd Sound, por sugerencia de Syd Barrett, haciendo sus primeras presentaciones en vivo con esa denominación, la que acortaron primero a The Pink Floyd, quitándole luego el "The".  Fue así que el entonces cuarteto grabó su primer álbum en 1967, llamado "The Piper At The Gates Of Dawn", producido por Norman "Hurricane" Smith para los sellos Capitol y EMI Records, y grabado en EMI Studios (que gracias a The Beatles tomarían en 1970 el hoy célebre nombre de Abbey Road Studios).

Syd Barrett se alejó del grupo en 1968, permitiendo el ingreso de David Gilmour, quien se mantendría con Pink Floyd hasta 1996, año en que esta extraordinaria banda puso fin a su carrera, dejando un valioso legado de 14 discos en estudio, entre los que destacan "Ummagumma" (1969), "The Dark Side Of The Moon" (1973), considerado por muchos como el mejor álbum de toda la historia, "Wish You Were Here" (1975), "Animals" (1977) o "The Wall" (1979).  Roger Waters también se separó de Pink Floyd en 1985, dejando a Gilmour como líder del grupo desde entonces.

Hoy recordamos uno de los mejores tracks de la que fuera su última producción discográfica, "The Division Bell" (EMI/Columbia, 1994), que fue co-producida por Bob Ezrin y David Gilmour, con Andrew Jackson como Ingeniero de Grabación, Chris Thomas como Ingeniero de Mezcla y Michael Kamen en los arreglos orquestrales.  Este disco fue #1 en el UK Albums Chart y en el US Billboard 200, igual que en Chile, Noruega, Australia, Suiza, Austria, Francia, Holanda, Nueva Zelanda y Suecia, con más de 12 millones de copias vendidas.  El tema "Take it back" contó además con la colaboración de Tim Renwick en guitarra, Jon Carin en las programaciones, Guy Pratt en el bajo, y Sam Brown, Durga McBroom, Carol Kenyon y Claudia Fontaine en los coros. 

CATATONIA - Mulder and Scully (1998)

Catatonia es un término médico referido a un síndrome neuropsiquiátrico caracterizado por anormalidades motoras, que se presentan en asociación con alteraciones en la conciencia, el afecto y el pensamiento.  Dicho nombre fue además el elegido por una banda de Cardiff, Gales, que estuvo activa entre 1992 y 2001, de quienes hablaremos en el post de hoy.

Cerys Matthews (voz), Paul Jones (bajo), Mark Roberts (guitarra), Owen Powell (guitarra) y Aled Richards (batería) fueron los miembros de esta agrupación de Alternative Rock, con rasgos de Brit-Pop e Indie Rock.  Anteriormente, Roberts y Jones habían estado juntos en otras 2 bandas galesas (Y Cyrff y Sherbet Antlers).  En un comienzo, el quinteto se hacía llamar Sweet Catatonia, pero posteriormente decidieron quitar el adjetivo "Sweet" ("Dulce"), debido a las características de dicho síndrome.

La discografía de los galeses incluyó 4 álbumes en estudio, todos ellos publicados por el sello británico Blanco y Negro Records, subsidiario de WEA Records, que también tenía en su catálogo a otros artistas como Everything But The Girl, The Jesus And Mary Chain, Dinosaur Jr. y Elizabeth "Liz" Fraser (la ex-cantante de Cocteau Twins).  Dichos discos fueron: "Way Beyond Blue" (1996), "International Velvet" (1998), "Equally Cursed And Blessed" (1999) y "Paper Scissors Stone" (2001).

Su segunda producción fue la más exitosa en la historia de Catatonia, llegando al #1 del UK Albums Chart, siendo uno de los discos más vendidos ese año en el Reino Unido, consiguiendo Triple Disco de Platino por sus ventas.  Junto con "Road rage", "Game on" y "Strange glue", una de las canciones más destacadas del "International Velvet" fue "Mulder and Scully", cuyo título hace referencia a los 2 personajes principales de la exitosa serie de TV de ciencia-ficción "The X-Files".  Este tema llegó a ser #3 en el UK Singles Chart, además de ser la primera del grupo en ser difundida en los Estados Unidos, motivo por el cuál se hizo una versión especial del vídeoclip para ese país.  Hoy les traemos el vídeo original de esta canción, que fue dirigido por Gerald McMorrow. 

MIKEL ERENTXUN - Suelta las riendas de mi corazón (1995)

Reconocido a nivel mundial como cantante/músico español, a pesar de haber nacido en Caracas, Venezuela, en Febrero de 1965, Mikel Erentxun ganó fama en el ambiente musical gracias a su participación (entre 1984 y 2001) en la prestigiosa banda vasca Duncan Dhu, junto a Diego Vasallo y Juan Ramón Viles.

Sin embargo, aún como parte de aquella banda, Erentxun comenzó en paralelo con una carrera solista, que tuvo su primer fruto en 1992, con el disco "Naufragios", producido por Colin Farley y editado por Warner Music, en el que destacaron canciones como "A un minuto de tí" y "Esta luz nunca se apagará", un cover en español del clásico "There is a light that never goes out", de los ingleses The Smiths.

Su segundo trabajo en solitario sería "El Abrazo Del Erizo" (Warner Music, 1995), nuevamente con Colin Farley en la producción musical.  En este disco, Erentxun contó con la colaboración de su gran amigo, el también cantante español Miguel Bosé, con quien compuso e interpretó a dúo la canción "Levanto el vuelo", así como de su hermana Leire, en el tema "Ahora sé que estás".

Otras composiciones destacables en "El Abrazo Del Erizo" son "De espaldas a mí" y "Suelta las riendas de mi corazón", canción en la que se nota cierto aire similar a su trabajo con Duncan Dhu, siempre influenciado por el Pop británico.  Este álbum fue grabado íntegramente en Londres, Inglaterra, llegando a vender más de 80,000 copias solamente en la Península Ibérica.  Mikel Erentxun sigue hoy en actividad, con varios trabajos discográficos más, tanto en estudio como en vivo, habiendo expandido su legión de seguidores a lo largo de toda Latinoamérica. 

THE SMASHING PUMPKINS - 1979 (1995)

En nuestra modesta opinión, The Smashing Pumpkins fue una de las mejores bandas estadounidenses de Alternative Rock surgidas en el último cuarto del siglo anterior.  Formados en 1988 en Chicago, Illinois, el grupo tuvo un receso en su historia (entre los años 2000 y 2005), tras el cual retomaron su actividad musical, siempre encabezados por su cantante y guitarrista William "Billy" Corgan.

En sus inicios, la formación de la banda se completaba con D'arcy Elizabeth Wretzky (bajo/coros), James Yoshinobu Iha (guitarra/coros) y James "Jimmy" Chamberlin (batería/percusión).  Antes de fundar el grupo, Billy Corgan había integrado otro grupo de Gothic Rock llamado The Marked.  El primer disco de The Smashing Pumpkins fue "Gish" (1991), publicado por Caroline Records bajo la producción de Bryan "Butch" Vig (responsable también del celebrado "Nevermind" de Nirvana, y posteriormente baterista fundador de Garbage).

Su segunda entrega discográfica, el recordado "Siamese Dream" (Virgin Records, 1993), fue también co-producido por Butch Vig y Billy Corgan, en el que se incluyen excelentes canciones como "Cherub rock", "Quiet", "Today", "Disarm" o "Rocket".  Su status de grupo de primer nivel se consolidó con "Mellon Collie And The Infinite Sadness" (Virgin Records, 1995), CD doble que contó con Alan Moulder, Mark "Flood" Ellis y Billy Corgan como productores musicales.  Este trabajo, compuesto por 28 canciones, llegó a ser #1 en Australia, Nueva Zelanda, Suecia y los Estados Unidos, con más de 7 millones de copias vendidas ese año.

"Tonight, tonight", "Zero" o "Bullet with butterfly wings" son varios de los surcos sobresalientes de este álbum doble, del que hoy les traemos el vídeoclip de "1979" (dirigido por Jonathan Dayton y Valerie Faris), una excelente canción escrita por Billy Corgan, que lideró el Mainstream Rock Tracks Chart y el Modern Rock Tracks Chart de la revista Billboard, ganando además un MTV Video Music Award como Mejor Vídeo Alternativo.  Más adelante seguiremos hablando de esta gran banda, pero mientras tanto, esperamos que disfruten de este buen vídeo, considerado por el propio Corgan como el mejor de todos los realizados por The Smashing Pumpkins hasta la fecha. 

LA LEY - Día cero (1995)

En un post anterior, ya habíamos reseñado los inicios de la historia de La Ley, una de las mejores bandas surgidas de Chile en las últimas décadas.  Hoy, continuaremos hablando de su trayectoria.

Tras haber editado 3 álbumes en estudio: "Desiertos" (1989), "Doble Opuesto" (1991) y "La Ley" (1993), el grupo fue invitado por primera vez a presentarse en el prestigioso Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, tras lo cuál realizan sus primeras presentaciones en México, país en el cuál tendrían una gran recepción.  Lamentablemente, La Ley sufrió un durísimo golpe en la madrugada del 10 de Abril de 1994.  Esa noche, tras haber tocado en un concierto a beneficio de la hija de un jugador de fútbol del equipo chileno Club Deportivo Palestino, el guitarrista Andrés Bobe perdió el control de su motocicleta, mientras transitaba por el barrio santiaguino de La Reina, sufriendo un grave golpe en la cabeza, que le produjo la muerte en pocos minutos.

Tras asimilar la tragedia y guardar luto por un tiempo, el resto de los integrantes del grupo, es decir, Luis Alberto "Beto" Cuevas (voz), Luciano Rojas (bajo/teclados) y Mauricio Clavería (batería/secuencias), decidieron continuar con la trayectoria de La Ley, incorporando de manera oficial al guitarrista Pedro Frugone, quien ya había estado colaborando con ellos como invitado mientras Andrés Bobe estaba en vida.  Ese mismo año, otro de los miembros fundadores, el tecladista Rodrigo "Coti" Aboitiz, quien se había alejado en 1987, decide reincorporarse a la formación.

Esta alineación dió vida al cuarto álbum en estudio de La Ley, "Invisible", editado por Warner Music en 1995, un disco que terminó de consolidar a la banda en toda Latinoamérica, gracias a sus excelentes canciones plagadas de atmósferas que remitían al New Wave, Post-Punk, e incluso al Gothic Rock de lo 80's.  "Cielo market", "Animal", "R+R", "El duelo y "1-800 dual" (estas 2 últimas co-escritas por Andrés Bobe) son algunos de esos buenos temas, pero nosotros nos quedamos con "Día cero", compuesto de Beto Cuevas y Rodrigo Aboitiz, que es un track lleno de sensualidad, en el que Pedro Frugone demostró estar a la altura para cubrir el lugar dejado por Bobe, uno de los mejores guitarristas chilenos de su generación.

LATOUR - People are still having sex (1991)

William "Bill" LaTour es un artista estadounidense nacido en Lowell, Massachusetts, que se inició como discjockey radial en los 80's (conocido entonces como "Bud" LaTour), y que ganó una importante notoriedad en la escena de Música Electrónica a lo largo de la década de los 90's, especialmente dentro del House y Dance, sobre todo por el track que repasamos en este post, "People are still having sex", con cuál llegó a encabezar el Hot Dance Club Play Chart de la revista Billboard, así como el Canadian Dance Chart.

Esta canción fue el primer single del álbum debut del artista, quien usaba el nombre de LaTour, publicado en 1991 por los sellos Smash Records y Polydor Records, co-producido junto a Mark Picchotti, quien se encargó también de algunos samplings y de la programación rítmica, con LaTour asumiendo las responsabilidades de las voces, teclados, sintetizadores y secuencias.

La temática de este single refleja el contexto de la época, en la que el Síndrome de Inmuno-Deficiencia Adquirida (SIDA) era uno de los mayores peligros asociados a la promiscuidad sexual, por lo que LaTour decidió hacer esta especie de manifiesto, para intentar dejar clara su postura respecto al tema.  El vídeoclip fue concebido por la empresa H-Gun Labs, especializada en técnicas de animación digital tridimensional, que ha realizado otros trabajos similares para bandas como Ministry, New Order, KMFDM, Anthrax, Suicidal Tendencies, Living Colour o Nine Inch Nails.

Otro de los temas destacados del álbum "LaTour" fue "Blue", que se hizo conocido por aparecer en una escena de la película "Basic Instict", thriller psicológico dirigido en 1992 por Paul Verhoeven, protagonizado por Sharon Stone y Michael Douglas.  William LaTour llegó a editar otro disco bajo esta denominación, titulado "Home Of The Range" (1993), para después publicar otros dos trabajos: uno bajo el nombre de Muzloh ("Supersonic Gold", 1997), banda de Rock formada junto al guitarrista Don Batryn, el bajista Pete Shorner y el baterista Dave Hunt; y  el segundo con The Squids ("4 Floors Of Whores", 2000), un proyecto de Punk integrado además por Joey Spatafora (voz), Bob Fesus (guitarra), Judy Johnson (bajo) y Jimmy Vass (batería).  En la actualidad, LaTour se desempeña como Director de Producción en la estación radial KSWD (100.3 - The Sound) de la ciudad de Los Angeles, California.