GRANDADDY - Now it's on (2003)

Seguimos recordando grandes canciones de grandes artistas. Hoy nos enfocamos en esta banda de Indie Rock de Modesto, California, que existió entre 1992 y 2006: Grandaddy.

El eje central de Grandaddy giró desde un comienzo alrededor de su vocalista Jason Lytle, quien además se encargaba de la guitarra y los teclados. Lytle estaba inicialmente acompañado por el bajista Kevin García y el baterista Aaron Burtch. Entre 1992 y 1994, el entonces trío editó de manera independiente sus primeros 3 álbumes, todos ellos en formato de cassette: dos en estudio ("Prepare To Bawl" y "Complex Party Come Along Theories"), y uno en vivo ("Recorded Live Amongst Friends And Fidget").

Recién en 1995, Grandaddy se convirtió en un quinteto, con la incorporación de Jim Fairchild (guitarra) y Tim Dryden (teclados). En Setiembre de 1997, lanzaron otro cassette en vivo por su propia cuenta, llamado "Live at The Art Factory", compuesto de 6 temas. Un mes después.editaron su primer álbum con una disquera, V2 Records, subsidiaria de Universal Music Group. Dicho disco se tituló "Under The Western Freeway", en el que destacó la canción "A.M. 180", que fue utilizada como parte de la banda sonora de las películas "American Virgin" (dirigida por Jean-Pierre Marois en 2000) y "28 Days Later" (dirigida por Danny Boyle en 2002).

En el año 2000, publicaron "The Sophtware Slump", de nuevo con V2 Records, y producido por el propio Jason Lytle. Este disco fue considerado dentro de la lista de los los Mejores Discos de la Década por la revista musical independiente Under The Radar, específicamente en el puesto #15, gracias a buenos temas como "He's simple, he's dumb, he's the pilot", "Jed the humanoid" y "The crystal lake". Su tercer disco oficial, "Sumday" (V2 Records, 2003), fue el más popular de su discografía. Aquí se incluye el tema que les traemos hoy, "Now it's on", junto a otras buenas composiciones como "I'm on standby", "Stray dog and the chocolate shake" o "The final push to the sum".

Finalmente, en Mayo de 2006 Grandaddy editó el que sería su cuarto y último álbum, que llevó por nombre "Just Like The Fambly Cat" (V2 Records), conformado por 15 canciones entre las que se incluía un cover de "Shangri-la", originalmente grabada en 1976 por Electric Light Orchestra. Al poco tiempo, Jason Lytle anunció la disolución del grupo, tras lo cuál decidió continuar como solista, editando el disco "Yours Truly, The Conmuter" en 2009. Por su parte, Jim Fairchild también continuó en solitario, además de incorporarse a la banda Modest Mouse, mientras que Aaron Burtch formó una nueva agrupación llamada The Good Luck Thrift Store Outfit. A fines de 2009, Jason Lytle y Aaron Burtch se reunieron nuevamente para conformar Admiral Radley, junto a Aaron Espinoza y Ariana Murray, con quienes publicaron su disco debut ("I Heart California") en Julio de 2010.

MODERN ENGLISH - I melt with you (1982)

Colchester, Inglaterra, fue en 1979 la cuna de esta agrupación, conocida inicialmente como The Lepers, integrada entonces por Robbie Gray (voz), Gary McDowell (guitarra/coros) y Michael Conroy (bajo/coros). Fue recién con la incorporación de Stephen Walker (teclados) y Richard Brown (batería), que adoptaron el nombre que los haría conocidos de ahí en adelante, y a quienes dedicamos el post del día: Modern English.

Su estilo, emparentado con el New Wave, Modern Rock y Post-Punk, estuvo influenciado por Joy Division, Duran Duran y Simple Minds. Su primer single fue "Drowning man" en 1979, editado por el sello que ellos mismos crearon, llamado "Limp". Un año más tarde, fueron fichados por el sello 4AD Records, con el que editaron su álbum debut, "Mesh & Lace" en 1981, compuesto por 8 temas, llegando a colocarse en el lugar #5 del UK Indie Chart. Para 1982, presentaron su segundo disco, "After the Snow", producido por Hugh Jones, en donde se incluye "I melt with you", que es uno de los temas más conocidos de toda su trayectoria, considerado hoy en día como un clásico de los 80's. Esta canción se ubicó como #7 del Top Tracks Chart de Billboard, además de ser considerada por la cadena VH1 como el #39 en su ranking de las 100 Mejores Canciones de los 80's.

Injustamente, algunos consideran a esta banda como un One Hit Wonder gracias a "I melt with you". Sin embargo, Modern English tuvo otros temas exitosos, como "Hands across the ocean", incluída en "Ricochet Days" (4AD, 1984), su tercer disco. Otra canción muy recordada de estos ingleses es "Ink and paper", proveniente de su cuarto disco titulado "Stop Start", el único editado por el sello Sire Records en 1986. Tras ello, los miembros de la banda decidieron separarse. En los años siguientes, Robbie Grey y Michael Conroy siguieron trabajando juntos en otra agrupación llamada This Mortal Coil, hasta que en 1990, y con Aaron Davidson como nuevo integrante, decidieron reagrupar a Modern English para lanzar "Pillow Lips", con el sello estadounidense TVT Records, disquera con la que tuvieron problemas que los llevaron a separarse de nuevo en 1991. Grey decidió entonces formar una nueva banda llamada Engine, que en 1995, ya con una nueva compañía discográfica, Imago Records, dió origen a una nueva formación de Modern English, en la que partipaba el tecladista Matthew Shipley. Así, lanzaron en 1996 su séptimo disco, llamado sarcáticamente "Everything's Mad".

Tras sumar al baterista Roy Martin, Modern English continuó haciendo giras durante los restantes años de la década de los 90's, hasta que en 2010 decidieron publicar su más reciente álbum, "Soundtrack" (Darla Records). Actualmente, el grupo está integrado por Robbie Grey (voz/guitarra), Gary McDowell (guitarra/coros), Michael Conroy (bajo/coros), Steven Walker (guitarra), Stephen Walker (teclados) y Ric Chandler (batería). Los dejamos con el vídeo de "I melt with you". Recuerden que también pueden estar en contacto con nosotros a través de nuestra página en Facebook. Un abrazo.

COLLECTIVE SOUL - The world I know (1995)

Hoy dedicamos el post del Miércoles a una sensacional banda de Alternative Rock, y compartimos con ustedes un gran tema de ellos que, por si fuera poco, tiene un vídeo que acompaña muy bien al contenido melancólico de su letra. Los invitamos a continuación a conocer un poco más de la historia de Collective Soul.

Oriundos de la ciudad de Stockbridge, Georgia, este conjunto estadounidense se creó en 1992, por iniciativa de Ed Roland, que desde mediados de los 80's ya estaba involucrado de lleno en la música. Roland estudió composición musical y guitarra en la renombrada Berklee College of Music de Boston, Massachussets, además de trabajar después en los Real 2 Reel Studios de su ciudad natal. Luego de integrar una banda llamada Marching Two-Step, y habiendo compuesto unas cuantas canciones, Roland reclutó a varios amigos para grabar un demo, que llegó a manos de un DJ en una estación universitaria de radio de Atlanta. Sin esperarlo, uno de los temas de ese demo, "Shine", fue uno de los temas más pedidos en dicha radio, por lo que empezó a ser requerido para hacer presentaciones en vivo. Por ello, convocó a su hermano Dean (guitarra), Shane Evans (batería), Will Turpin (bajo/coros) y Ross Childress (guitarra), mientras que él se ocupó de la voz, guitarra y teclados. Fue así que nació Collective Soul.

Rápidamente, firmaron un contrato con Atlantic Records, y en 1993 se re-editó el demo, llamado "Hints, Allegations and Things Left Unsaid". Al llegar a una cantidad mucho mayor de oyentes, la banda se mucho más conocida gracias a canciones como "Breathe", "Wasting time" y "Shine" obviamente. Este álbum lideró el Top Heartseekers Chart de Billboard y colocó a "Shine" a la cabeza del Mainstream Rock Tracks Chart, además de obtener Doble Disco de Platino en Estados Unidos, y uno Quíntuple en Canadá. Tras semejante carta de presentación, volvieron a cautivar al público con "Collective Soul" (Atlantic Records, 1995), que fue producido por Matt Serletic y el propio Ed Roland. Para nosotros, éste es un gran disco, en donde se incluyen los temas "December", "The world I know" (que llegaron al #1 del Maistream Rock Tracks Chart) y "Gel" (que ocupó el #2 del mismo ranking").

Siempre con Atlantic, Collective Soul publicó su tercer disco en 1997. "Discipline Breakdown", siguió la senda del éxito, vendiendo más de un millón de copias, y haciendo que las canciones "Precious declaration" y "Listen" nuevamente lideraran los charts de Billboard. Su cuarto álbum fue "Dosage" (1999), producido por Anthony J. Resta, en donde resaltan "Heavy", "Run", "No more, no less" y "Trembled for my beloved". Ya en el nuevo siglo, lanzaron "Blender", su último trabajo con Atlantic Records, que escaló al puesto #3 en el Top Canadian Albums Chart, con Discos de Oro en ese país en los Estados Unidos. Tras hacer una pausa de dos años, y con el alejamiento de Ross Childress en 2001, Collective Soul regresó a la escena con su propio sello discográfico, llamado El Music Group. El lugar de Childress fue cubierto por Joel Kosche, quien había sido hasta entonces el técnico de guitarras de la banda. En 2003, el baterista Shane Evans también dejó su lugar, primero a Ryan Hoyle (2003-2009) y luego a Cheney Brannon (2009-hoy).

La discografía de Collective Soul se completa con "Youth" (2004), "Afterwords" (2007) y "Collective Soul", también conocido como por su portada como "Rabbit" (2009), que fue editado por Roadrunner Records. En Setiembre de ese año, la banda fue inducida en el Georgia Music Hall of Fame. El grupo hace presentaciones hasta el día de hoy.

LOLA KITE - Everything's better (2011)

Ésta es nuestra primera recomendación para el 2011. Un trío muy interesante surgido en 2008 desde Amsterdam, Holanda, que podemos etiquetar dentro del Indie Rock/Pop, aunque las influencias del Psychedelic Rock, el Post-Punk, la Electrónica y el New Wave de los 80's son más que evidentes: Lola Kite.

Según hemos podido investigar, el nombre de esta banda integrada por los polifacéticos Keez Groenteman (voz/teclados/samples/guitarra/percusión), Bram Vervaet (guitarra/teclados/coros) y Jasper Verhulst (bajo/percusión/coros), es una deconstrucción del término "Cola Light". Sus influencias musicales incluyen a artistas tan diversos como The Beatles, Neu!, Kraftwerk, Pink Floyd, The Who, My Bloody Valentine, Radiohead, Air, Ennio Morricone, Depeche Mode, O.M.D., y un largo etcétera, lo que explica en gran parte el eclecticismo de sus composiciones.

El pasado 29 de Enero, los holandeses acaban de editar su disco debut con el sello Excelsior Recordings, que lleva como título "Lights". Un álbum que ha sido bastante bien recibido en su país natal y que poco a poco los va insertando en los reflectores de la escena indie internacional. Está conformado por 11 tracks, en los que se combinan sonidos de sintetizadores vintage con agradables y pejagosas melodías vocales, complementadas por bases percutivas y arreglos de guitarra bastante rítmicos. Destacan los temas "Different story", "No title", "Rainbow at night" y "At the gate".

Pero nuestra canción preferida ha sido "Everything's better", que aunque suena bastante poppy en la primera escucha, terminó convenciéndonos después de varias pasadas. El vídeo fue dirigido por Sacha Polak, y narra la historia de una adolescente algo freaky. Esperamos que les guste la sugerencia.

BIG COUNTRY - In a big country (1983)

Big Country es otra excelente banda surgida en los 80's (exactamente en 1981) en Dunfermline, Escocia, que combinaba de forma muy efectiva elementos del New Wave con sonidos de guitarra que simulaban gaitas y violines celtas, propios de su cultura, por lo que también se les relaciona con géneros como el Folk Rock o el Celtic Rock. Hoy queremos recordarlos con una de sus canciones más representativas.

Su formación más conocida estuvo conformada por Stuart Adamson (voz/guitarra/teclados), Bruce Watson (voz/guitarra/mandolina/sitar), Tony Butler (bajo/coros) y Mark Brzezicki (batería/percusión/coros), aunque en sus inicios era un quinteto en el que participaron Peter Wishart (teclados), Alan Wishart (bajo) y Clive Parker (batería). Su primer disco fue publicado por Mercury Records en 1983, bajo el nombre de "The Crossing", que fue producido por Steve Lillywhite. Junto con "Chance", "Harvest home" y "Fields of fire (400 miles)", se destacó en este disco el tema "In a big country", que ya se ha convertido en todo un clásico de los 80's. Dicha canción escaló hasta la posición #3 del Billboard's Mainstream Rock Tracks Chart, ubicándose en el mismo lugar del Canadian RPM Top Singles Chart, lo que ayudó a que el álbum obtuviera sendos Discos de Oro por sus ventas en el Reino Unido y los Estados Unidos.

"Steeltown" (Mercury Records, 1984) fue su segundo disco, que los llevó al tope del UK Albums Chart. Este trabajo, que fue grabado en los Polar Studios de Estocolmo, Suecia, de propiedad de los miembros de ABBA, fue nuevamente producido por Steve Lillywhite. Su carrera continuó con "The Seer" (Mercury Records, 1986), #2 del UK Albums Chart, en donde contaron con la colaboración de la cantante inglesa Kate Bush en el tema que daba nombre al disco, y en donde también aparecen las canciones "Look away" y "One great thing". Con Peter Wolf como productor, Big Country lanzó en 1988 su cuarto disco, "Peace In Our Time", a través de Reprise Records. Este disco fue el último en ubicarse dentro del Top Ten en los rankings británicos, y según el propio Stuart Adamson, contiene la mejor canción producida por la banda: "Broken heart (Thirteen valleys)".

Durante la década de los 90's, el éxito de la banda decaería sustancialmente, por lo que sus siguientes álbumes, "No Place Like Home" (Vertigo Records, 1991), "The Buffalo Skinners" (Fox Records, 1993), "Why The Long Face?" (Transatlantic Records, 1995) y "Driving to Damascus" (Track Records, 1999) pasaron casi desapercibidos en la escena internacional. Lamentablemente, el 16 de Diciembre de 2001, Stuart Adamson fue hallado muerto en una habitación de hotel en Honolulu, Hawaii. Sus compañeros de banda realizaron un par de presentaciones en memoria de Adamson en 2002, y en 2007, Bruce Watson, Tony Butler y Mark Brzezicki decidieron revivir a Big Country, para realizar una gira por el Reino Unido y Alemania, de la cuál editaron ese año un disco en vivo llamado "Twenty Five Live", para conmemorar los 25 años de la fundación de la banda.

En Diciembre de 2010, y con la inclusión de Mike Peters (cantante de The Alarm) y Jamie Watson, volvieron a pisar los escenarios, habiéndose anunciado ya su participación en la próxima edición del Isle of Wight Festival en 2011.

LA BUENA VIDA - Mi año natural (2006)

Mientras nos preparamos para ver una nueva edición de la entrega de los Academy Awards (conocidos populamente como los "Oscars"), se nos antojó escuchar, en esta soleada tarde de domingo por estas latitudes, a esta buena banda de Twee Pop e Indie Pop proveniente de San Sebastián, España, y es por ello que queremos compartir su historia con ustedes: La Buena Vida.

Considerados dentro del llamado "Sonido Donosti", corriente musical surgida en su ciudad natal a principio de la década de los 90's, y que tiene además como íconos a grupos como Aventuras de Kirlian, Le Mans o Family, La Buena Vida se fundó en 1988, influenciados por la chanson française de Serge Gainsbourg o Françoise Hardy. Sus miembros iniciales fueron Irantzu Valencia (voz), Mikel Aguirre (voz/guitarra), Pedro San Miguel (bajo), Javier Sánchez (guitarra), Borja Sánchez (guitarra) y Raúl Sebastián (batería). Su primer trabajo, titulado simplemente "La Buena Vida", fue editado en 1993 por el sello independiente Siesta Records, en donde destacan temas como "La historia del señor Sömmer" (inspirada en el libro del mismo nombre escrito por el alemán Patrick Süskind en 1991), "Por la mañana", "El mundo es un pañuelo" y "En bicicleta". Un año más tarde, publicaron otro disco llamado "La Buena Vida" (Siesta Records), que es conocido también como "Los Mejores Momentos", para diferenciarlo del anterior. Justamente, el disco abre con dicho tema, además de incluír otras canciones como "Montevideo", "Los días veloces" o "Cinco días de invierno".

Siempre con Siesta Records, "Soidemersol" (1997), fue el tercer disco de la banda, tras lo cuál el guitarrista y fundador Borja Sánchez dejó a La Buena Vida. Para entonces, habían incorporado ya a José Luis Lanzagorta como tecladista, lo que les permitió realizar arreglos más orquestrales en sus canciones. Su discografía continuó con "Panorama" (1999) y "Hallelujah!" (2001), que fue su último disco con Siesta Records. Vale la pena escuchar en estas producciones canciones como "Arror amargo", "Aquellas noches de sábado", "Metronome", "Vini vidi vinci" y "Sólo tienes lo que das". Cabe mencionar que para grabar el "Hallelujah!", disco producido por Joserra Semperena, el grupo viajó hasta Praga, República Checa, para trabajar en los arreglos instrumentales con una orquesta compuesta por 25 músicos.

Tras pasar a integrar las filas del sello Sinnamon Records, lanzaron en 2003 su sexto disco, llamado "Álbum", con Iñaki de Lucas como productor, compuesto por 13 temas que reflejaban una bien lograda madurez en sus composiciones. Su más reciente trabajo ha sido "Vidania" (Sinnamon, 2006), que además marcó el alejamiento, por motivos personales, de la cantante Irantzu Valencia. Nuestras canciones favoritas de este álbum son "Mi aventura espacial" y "Mi año natural", tema que pueden escuchar a continuación. Definitivamente, una buena forma de pasar un domingo.

HUELGA DE HAMBRE - No magia no ritual (1998)

Hoy dedicamos el post del día a la que consideramos como una de las mejores bandas peruanas de la década de los 90's, cuyo estilo musical puede enmaracarse dentro de géneros como Hard Rock, Alternative Rock y fundamentalmente, Grunge: Huelga de Hambre.

Se formaron a finales de 1994 en la capital peruana, Lima, inicialmente haciendo covers de bandas como Pearl Jam, Soundgarden y The Smashing Pumpkins. El nombre de la banda proviene de "Hunger strike", una de las canciones más conocidas de Temple of the Dog, grupo que estaba conformado por Chris Cornell y Matt Cameron (de Soundgarden), junto a Eddie Vedder, Jeff Ament, Stone Gossard y Mike McCready (de Pearl Jam). Los miembros de Huelga de Hambre eran Jhovan Tomasevich (voz), Diego Larrañaga (bajo), Luis Grande (guitarra), Hugo Vecco (guitarra) y Jose Gallo (batería). En 1995, participaron en el IV Concurso de Música Moderna realizado por la Municipalidad del distrito limeño de Miraflores, ocupando el primer lugar del evento, lo que los comenzó a instalar en el ojo de la escena musical peruana de la época, gracias a la contundencia y el buen sonido de sus presentaciones en vivo.

Entre 1996 y 1997, aparte de compartir escenarios con bandas locales y extranjeras como Botfly (Estados Unidos), Criminal (Chile), y los argentinos Todos Tus Muertos, Los Violadores y A.N.I.M.A.L., los Huelga de Hambre comenzaron a trabajar en un puñado de canciones propias, que obviamente reflejaban sus influencias musicales. Fue así que, junto a los ingenieros de sonido peruanos Rubén "Paquirri" Amiel y Willy Arriola, comenzaron a grabar los temas de su disco debut en 1997. Lamentablemente, tras culminar su trabajo de grabación para el disco, el guitarrista Luis Grande falleció el 12 de Mayo de aquel año, víctima de un accidente automovilístico, lo que fue un gran golpe para el resto de los integrantes de la banda. Tras unos meses, y luego de pensarlo seriamente, los 4 miembros restantes de Huelga de Hambre decidieron continuar con la banda, en homenaje a la memoria de Grande.

Fue en Enero de 1998 que editaron su único álbum, "M4quina y Espír1tu", a través de su propio sello independiente, Pedorrera Records, el mismo que fue reeditado un año después por el sello norteamericano Insomnia Music. Como ya dijimos, este disco estuvo íntegramente dedicado a Luis Grande, y es considerado por muchos (entre los que nos incluímos), como uno de los mejores discos editados ese año en el Perú, conteniendo excelentes temas como "Criogenia", "Basura", "Un mal ácido", "Medicina", "Ahora" y "Clon". Estas dos últimas canciones fueron utilizadas por el director peruano Francisco Lombardi es su película "No se lo digas a nadie" (1998), basada en el libro homónimo del escritor Jaime Bayly.

1999 fue el año de la internacionalización de la banda. En Febrero, fueron invitados al Festival "Pululahua '99: Rock desde el Volcán", en donde compartieron el escenario con Aterciopelados, La Ley y Babasónicos, entre otros. Más adelante, realizaron presentaciones en Estados Unidos y Puerto Rico, recibiendo elogios de la prensa musical en esos lugares. La trayectoria de esta excelente agrupación vió su final en el año 2000, tras lo cuál, sus miembros tomaron rumbos distintos: Jhovan Tomasevich y Diego Larrañaga fundaron una nueva banda llamada Zen, mientras que Jose Gallo se sumergió en la escena electrónica con su proyecto llamado Theremyn_4, vigente hasta el día de hoy.

Los dejamos con nuestro tema favorito de Huelga de Hambre, "No magia no ritual", perteneciente a su único disco. Disfrútenlo como se debe.

THE CIRCUS PILOTS - Light love (2009)

Este ha sido un muy agradable descubrimiento para nosotros, y queremos compartirlo con ustedes.

The Circus Pilots es un dúo de Electrónica con influencias del House, proveniente de Mar del Plata, Argentina, que está conformado desde 2007 por Rodrigo Etchegaray (aka Doc) y Martín Eduardo Alonso (aka Flymars). Ambos se complementan muy bien para hacer música directamente enfocada a las pistas de baile, y "Light love" ha sido el tema que nos ha permitido conocerlos, una pieza exquisita que conjuga muy bien las bases instrumentales con la voz de Etchegaray, y que en la segunda mitad de la canción, nos hace recordar inevitablemente al trabajo vocal de Trent Reznor, líder de los Nine Inch Nails. Otra de las referencias que se nos vienen a la mente al oír a estos argentinos es la de los ingleses AutoKratz.

Según la información que brindan en su página de Myspace, su trayectoria es bastante interesante en su país natal, habiendo participado en festivales como Onedotzero, Código País y Blue Beats, además de haberse presentado en varias de las discotecas más importantes de Buenos Aires, como Crobar y Mint.

Sin duda alguna, este dúo tiene un futuro muy prometedor en la escena electrónica latinoamericana e internacional, ya que su sonido muestra un trabajo bastante elaborado. El vídeo que les mostramos hoy también nos sorprendió gratamente, por su concepto, la calidad de sus animaciones en 3D y el uso acertado del Chroma Key. Fue dirigido, animado, editado y post-producido por Franco Carlesimo y Damián Celiberti.

Les recomendamos escuchar otros temas de The Circus Pilots como "I will rise", "Ceremony", "I like the whales" y "Kaleidoscope". Disfruten de este buen tema, ideal para ir preparando el fin de semana. Como siempre, agradeceremos sus comentarios, sugerencias y/o críticas, que siempre serán bien recibidas. Saludos a todos!

EMF - Unbelievable (1990)

"Epsom Mad Funkers", es el nombre de un club de fans de la banda New Order. Este término fue tomado por la banda que reseñamos el día de hoy, de cuyas iniciales surgió su nombre: EMF. Erróneamente, algunas personas pensaban que EMF provenía de "Electro Motive Force" o "Ecstasy Mother Fuckers", dos frases incluídas en canciones de la agrupación, lo que fue desmentido por ellos mismos.

Considerados dentro del Indie Rock, sus características musicales los emparentaban también de forma clara con la movida Madchester. EMF se formó en 1989, en la pequeña localidad de Cinderford, Inglaterra. Su formación original estaba integrada por James Atkin (voz/guitarra), Ian Dench (guitarra/teclados), Derry Brownson (teclados/samplers), Zac Foley (bajo), Mark de Cloedt (batería) y DJ Milf (scratching/samples).

Con la producción de Pascal Gabriel y Ralph Jezzard, EMF editó en 1991 su auspicioso álbum debut titulado "Schubert Dip", el mismo que se ubicó como #3 en los UK Albums Chart, mientras que en los Estados Unidos escaló hasta la posición #12. Este disco los instaló inmediatamente como referentes en las pistas de baile, debido a la cantidad de singles que causaron sensación en aquel año: "Children", "Long summer days", "Lies" (que contiene samples de la voz de Mark David Chapman, el asesino de John Lennon), "When you're mine", "I believe", "Travelling not running" y la espectacular "Unbelievable", en la cuál se incluyen samples del comediante estadounidense Andrew Dice Clay. Esta demás decir que este disco es de escucha obligatoria para todos los amantes de la buena música.

En 1992, tras publicar un EP llamado "Unexplained", EMF lanzó "Stigma", su segunda producción discográfica. Este disco fue editado en el Reino Unido por EMI/Parlophone y en los Estados Unidos por Capitol Records, nuevamente con Ralph Jezzard como productor. A pesar de contener buenas canciones como "They're here", "It's you that leaves me dry" o "Getting through", este disco tuvo una tibia recepción, tras lo cuál el grupo se mantuvo en silencio hasta que en 1995 volvieron para presentar su tercer disco, "Cha Cha Cha" (EMI/Parlophone), que tan solo llegó a colocarse como #30 del UK Albums Chart. Tras lanzar dos singles más ese año, "I'm a believer" (cover de The Monkees) y "Afro king", la banda decidió separarse.

Lamentablemente, el 3 de Enero de 2002, el bajista Zac Foley falleció víctima de una sobredosis de drogas. Los miembros restantes realizaron tan solo 4 presentaciones más después de este suceso, tras lo cuál decidieron separarse nuevamente. Fue recién en Diciembre de 2007 que volvieron a pisar un escenario, con Richard March tomando el lugar de Foley. Sin poder recuperar el éxito alcanzado en sus primeros años, EMF anunció de forma oficial que no volverían a tocar en vivo el 6 de Mayo de 2009.

THE VAPORS - Turning japanese (1980)

Hace unos días volvimos a escuchar, después de muchos años, este tema que casi habíamos olvidado. Nuevamente, la magia de la música nos transladó casi de inmediato a otra época, sacando del subconsciente gratos recuerdos. Por eso, queremos compartirlo con ustedes en el post de hoy, seguros de que varios también se pondrán nostálgicos al oírla.

The Vapors fue una banda de New Wave (que algunos consideran también dentro del Power Pop), fundada en Guildford, Inglaterra, allá por 1979. Su alineación estuvo conformada por David Fenton (voz/guitarra), Howard Smith (batería), Edward Bazalgette (guitarra) y Steve Smith (bajo/coros). Como dato interesante, diremos que la banda estuvo manejada por John Weller (padre de Paul Weller, miembro de The Jam y The Style Council) y por Bruce Foxton (también bajista de The Jam).

La discografía de The Vapors fue corta pero significativa: su disco debut fue "New Clear Days", que fue producido por Vic Coopersmith-Heaven, y editado en 1980 por Capitol Records. "Turning japanese", tema que origina este post, fue la canción más popular de esta producción, la misma que alcanzó el puesto #3 del UK Singles Chart, siendo además #1 por dos semanas en Australia. Ya considerado como un clásico de los 80's, este tema ha sido re-interpretado en años posteriores por diversos artistas como No Use For A Name, Skankin' Pickle, Peppermint Creeps, Liz Phair, The Revs y Coldplay (quienes la tocaron durante una presentación realizada el 2003). Los otros dos singles del "New Clear Days" fueron "News at ten" y "Waiting for the weekend".

Su segundo (y último disco) fue publicado en 1981 por el sello United Artists Records, bajo el nombre de "Magnets". Dicho trabajo contó con David Tickle como productor, y en él destacan los temas "Jimmie Jones", "Isolated case", "Civic hall" y "Can't talk anymore". Lamentablemente, luego de algunas disputas con su sello discográfico, Fenton y compañía decidireron poner punto final a la carrera de The Vapors. Durante las dos décadas posteriores, se editaron 4 discos compilatorios del grupo: "Anthology" (1995), "Turning Japanese: The Best of The Vapors" (1996), "Vaporized" (1998) y "The Best of The Vapors" (2003).

TRAVIS - Side (2001)

Si duda alguna, ésta es una de las mejores apariciones del Brit-Pop de los 90's, que además suele refrendar su calidad durante sus presentaciones en vivo, algo que hemos tenido la suerte de vivir en persona. Sus miembros son Francis "Fran" Healy (voz/guitarra/piano/banjo), Dougie Payne (bajo/coros), Andy Dunlop (guitarra/banjo/teclados/coros) y Neil Primrose (batería/percusión): Travis.

El nombre de la banda proviene de Travis Henderson, uno de los personajes de la extraordinaria película "Paris, Texas", dirigida en 1984 por Wim Wenders. Provenientes de Glasgow, Escocia, comenzaron su carrera en 1990, de las cenizas de otra banda llamada Glass Onion, en donde participaron Dunlop, Primrose y Healy. Su álbum debut fue publicado por Independiente Records en 1997, bajo el nombre de "Good Feeling", con Steve Lillywhite como productor, que además fue nominado al Album del Año en el Reino Unidos, gracias a canciones como "All I want to do is rock", "U16 girls", "More than us" y "Tied to the 90's". Su segundo disco los terminó de catapultar al éxito en 1999. "The Man Who" (Independiente Records), obtuvo por sus ventas 9 Discos de Platino en el Reino Unido, liderando el UK Albums Chart. Fue producido por Nigel Godrich, Ian Grimble y Mike Hedges, incluyendo grandes temas como "Driftwood", "Why does it always rain on me?" y "Turn". El suceso de este trabajo los hizo acreedores a 2 BRIT Awards en 2000, como Mejor Album y Mejor Aparición, y es considerado por la crítica musical británica como el segundo mejor disco de los últimos 30 años, sólo superado por el "What's The Story? Morning Glory" de Oasis.

La indiscutible calidad de las composiciones de Travis siguió su camino exitoso con "The Invisible Band" (Independiente Records/Epic Records, 2001), producido nuevamente por el renombrado Nigel Godrich. Para nosotros, éste es el mejor trabajo de los escoceses, gracias a temas como "Sing" y "Side", cuyo vídeo incluímos en este post, con un guión basado en la búsqueda de contactos extraterrestres, que tiene muchas referencias a la película "Close Encounters of the Third Kind", un clásico de la Ciencia Ficción, dirigida por Steven Spielberg en 1977. "The Invisible Band" fue #1 en los rankings del Reino Unido (cuádruple Disco de Platino), Noruega (Disco de Platino) e Irlanda, dándoles un nuevo BRIT Award como Mejor Banda Británica.

Siempre con Independiente Records, Travis editó en 2003 y 2007 sus siguientes dos placas discográficas, tituladas "12 Memories" y "The Boy With No Name", respectivamente, en los que recomendamos los temas "Re-offender", "Love will como through", "My eyes", "Closer" y "Under the moonlight" (con la participación de la también cantante escocesa KT Tunstall).

Su más reciente álbum ha sido "Ode to J. Smith", el primero con su nueva casa discográfica en el Reino Unido, Red Telephone Box Records, mientras que en los Estados Unidos fue editado por el sello Fontana. Según las declaraciones del propio Fran Healy, la banda aprendió mucho al trabajar con Geoff Emerick, ingeniero de sonido de The Beatles, durante un programa de la cadena BBC realizado en conmemoración de los 40 años del disco "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". Dicha experiencia los animó a grabar su sexto disco en sólo dos semanas, siguiendo la metodología, simple y rápida, que habían apreciado al trabajar con Emerick.

THE FARM - All together now (1991)

Este es otro tema que nos trae gratos recuerdos, y que invita a la pista de baile. Pertenece a una banda de Liverpool, Inglaterra, que sin embargo, refleja en su música cierta influencia de la movida Madchester.

The Farm se inicia en 1983 como un cuarteto integrado por Peter Hooton (voz), Steve Grimes (guitarra/teclados/programación) , Andy McVann (batería) y John Melvin (bajo), que tuvo como antecedente directo al grupo The Excitements. Tras lanzar su primer single, "Hearts and minds" en 1984 bajo la producción del vocalista de Madness, Graham "Suggs" McPherson, The Farm sufrió un durísimo golpe el 1ro. de Octubre de 1986, cuando Andy McVann falleció en una persecución policial. Ese mismo año, John Melvin se alejó del grupo, siendo reemplazado por Carl Hunter. El álbum debut de la banda, "Spartacus" (Sire Records, 1991), fue dedicado a la memoria de McVann y a sus padres. Este disco, que fue producido por Stan Cullimore, Paul Heaton y "Suggs" McPherson, alcanzó el primer lugar del UK Albums Chart, en donde resaltan los primeros grandes hits del grupo: "All together now", "Groovy train" y "Don't let me down". Ya en esta época, se había incorporado Roy Boulter como baterista, además de la participación en el disco de Keith Mullin en guitarra, Ben Leach en teclados y programación, y Paula David en los coros.

Su segundo disco fue "Love See No Colour" (End Product/Sire Records, 1992), en el que destacan los temas "Mind" y "Don't you want me", un cover de The Human League, que fue producido por Mark Saunders, quien había producido anteriomente a Erasure y The Cure. "Hullabaloo" fue su tercer disco, editado nuevamente a través de Sire Records, que lamentablemente no tuvo mucha repercusión mediática. En 1998 y 2001 se publicaron dos recopilaciones con los mejores éxitos de The Farm, titulados respectivamente, "The Best of The Farm" y "The Very Best of The Farm".

"All together now", fue utilizado en la Euro 2004 como el himno oficial de la Selección Inglesa de Fútbol, en una versión remezclada por DJ Spooky. The Farm también colaboró con la canción "The fields of Anfield Road", que fue utilizado para recaudar fondos para los familiares de las personas fallecidas en el incidente llamado "El Desastre de Hillborough", ocurrido el 15 de Abril de 1989 en el estadio de Hillborough, sede del club Sheffield Wednesday, en el que 96 personas perdieron la vida y 766 resultaron heridas por una avalancha humana durante la final de la FA Cup entre los equipos de Liverpool y Nottingham Forest, que es hasta la fecha el mayor desastre deportivo en la historia de Inglaterra.

VEIL VEIL VANISH - Anthem for a doomed youth (2010)

Veil Veil Vanish es otra de las gratas apariciones musicales surgidas en la escena internacional dentro del contexto del llamado Post-Punk Revival, cuya característica principal es retomar el sonido desarrollado a fines de los 70's y a lo largo de los 80's por íconos como Joy Division o The Cure. Esta banda se creó en 2006 en la ciudad de San Francisco, California y está integrada por Keven Tecon (voz/guitarra), Cameron Ray (guitarra), Amy Rosenoff (bajo) y Robert Marzio (batería).

En 2007, el grupo editó de manera independiente su primer EP, llamado "Into A New Mausoleum", producido por Varun Kejriwal, compuesto por 6 canciones: "What will you say tonight", "Reproach", "Midnight in the Rue Jules Verne", "Into a new mausoleum", "Shadows dripping like honey kissing" y "All hands in prayer". Desde un inicio Veil Veil Vanish fue relacionado directamente con The Cure, debido a la similitud de la voz de Keven Tecon con la de Robert Smith, lo que ayudó aún más a consolidarlos dentro de la escena Post-Punk.

En Octubre de 2008, fueron invitados a participar en un disco tributo a The Cure, denominado "Perfects As Cats: A Tribute to The Cure", editado por Manimal Vinyl Records, en el que colaboraron con un cover de "The upstairs room". Asimismo, participaron en 2009 en otro compilatorio llamado "Dots To Connect: The Music of The Prids", en homenaje a dicha banda, en donde hicieron su versión del tema "Forever again". Durante ambos años, realizaron prolongadas giras junto a otros artistas como A Place To Bury Strangers o Cold Cave.

Fue recién en Febrero de 2010 que el esperado álbum debut de Veil Veil Vanish fue presentado en público, siedo recibido muy bien por el público y la prensa especializada. Con la inclusión de un nuevo miembro, Justin Anastasi en los teclados, el disco fue titulado "Change in the Neon Lights", siendo editado por el sello Metropolis Records en los Estados Unidos, y por Dependent Records/Cellar Door en Alemania. Hoy queremos presentarles uno de los mejores temas de esta producción, "Anthem for a doomed youth", en donde, como ya dijimos, la similitud entre la voz de Tecon y la de Robert Smith es irrefutable. El vídeo fue dirigido por Justin Coloma. Otros temas interesantes son "Exile city" y "Modern lust", que han hecho que algunos críticos los relacionen también con el Shoegaze. Saludos a todos.

SADE - Smooth operator (1984)

Rhythm & Blues, Jazz y Soul de lujo es lo que nos trae la banda del post de hoy en el blog, cuyo nombre refiere al nombre artístico de su excepcional vocalista, Helen Folasade Adu, nacida en 1959 en Ibadan, Nigeria: Sade.

Fundada en 1982 en Londres, Inglaterra, la banda estuvo inicialmente conformada por tres ex-miembros de Pride: Sade Adu (voz), Stuart Matthewman (guitarra/saxo) y Paul Spencer Denman (bajo), a quienes se sumaron Andrew Hale (teclados) y Paul Anthony Cook (batería), quien sólo participaría hasta 1984. En Febrero de 1984 lanzaron su primer sencillo "Your love is king", que sería incluído en su álbum debut, presentado 5 meses después, bajo el nombre de "Diamond Life" (Epic Records), el mismo que lideró los rankings en Alemania, Francia, Austria y Suiza, siendo #2 en el Reino Unido y #5 en los Estados Unidos. Fue galardonado con el Brit Award en 1985 como Mejor Album Británico. A finales del mismo año, el cuarteto editó su segundo disco, llamado "Promise", que nuevamente lideró los charts en Estados Unidos, Reino Unido y Suiza, en el que destacan las canciones "It is a crime" y "The sweetest taboo", haciéndose ademas acreedores de un Grammy Award como Mejor Artista Nuevo.

"Stronger Than Pride" (Epic Records, 1988) y "Love Deluxe" (Epic Records, 1992) fueron los siguientes trabajos de Sade, en donde merecen ser escuchados los tracks "Paradise", "Turn my back on you", "Feel no pain", "Kiss of life" y "No ordinary love", que les daría en 1994 su segundo Grammy Award como Mejor Performance de R&B de un Dúo o Grupo. Un año antes, grabaron un cover del tema de Percy Mayfield, "Please send me someone to love", que fue incluído en la banda sonora de la película "Philadelphia", dirigida por Jonathan Demme y protagonizada por Tom Hanks (quien ganó un Oscar por su actuación en este película).

La banda entró en una pausa que duró 8 años, hasta que en 2000 presentaron su quinto álbum de estudio, producido por Sade Adu y Mike Pela, titulado "Lovers Rock", ganando un tercer Grammy como Mejor Album Pop Vocal y un American Music Award como Artista Favorito Adulto Contemporáneo en 2002. El más reciente trabajo de Sade ha sido "Soldier Of Love", editado en 2010 por Epic Records, que fue #1 en Estados Unidos, Francia, Suecia y Suiza, por el que nuevamente obtuvieron el Grammy a Mejor Performance de R&B de un Dúo o Grupo a comienzos de este año.

Los dejamos a continuación con una impecable versión en vivo de "Smooth operator", uno de los mejores temas de la carrera de Sade, perteneciente a su primer disco. Esta versión proviene de una presentación grabada en 1994, titulada "Live Concert Home Video", en donde se aprecia la calidad vocal de Sade Adu y la impecable ejecución instrumental de sus músicos. Una verdadera joya que queremos compartir con ustedes.

CRASH TEST DUMMIES - Afternoons & coffeespoons (1993)

Aún recordamos la primera vez que oímos a esta banda de Folk/Alternative Rock oriunda de Winnipeg, Canadá, cuando nos llamó la atención la inusual tesitura de la voz de su cantante y guitarrista, Brad Roberts, que con su registro de barítono-bajo sobresalía notoriamente. Hoy queremos compartir con ustedes un poco más de información sobre ellos, ya que vale la pena darles una escuchada: Crash Test Dummies.

El nombre del banda, fundada en 1988, proviene del término con el que se denomina en inglés a los maniquíes utilizados en las pruebas de colisión automovilísticas, para probar la resistencia de los vehículos y los sistemas de protección internas (airbags). A mediados de la década de los 80's, Curtis Ridell, baterista y dueño de los locales Spectrum Cabaret y Blue Note Cafe, ambos ubicados en Winnipeg, se unió a Roberts para formar una banda llamada Bad Brad Roberts and St. James Rhythm Pigs. Al poco tiempo, gracias a la sugerencia de un amigo en común, dicha banda cambió de nombre por el de Crash Test Dummies, sumándose a la formación Ellen Reid (teclados, coros), Benjamin Darvill (armónica, mandolina) y George West (bajo), quien fue reemplazado por Dan Roberts, hermano de Brad. Ese mismo año, Ridell dejó su lugar inicialmente a Vince Lambert, quien en 1991 sería también reemplazado por Mitch Dorge.

Entre 1988 y 1989, el grupo editó dos demos: "Original Recipe" y "Demo Tape 2", tras lo cuál fueron contratados por el sello BMG/Arista. Fue así que en 1991, Crash Test Dummies lanzó su disco debut, "The Ghost That Haunted Me", producido por Steve Berlin, que llegó al puesto #2 de los Canadian Charts y en donde destacó el tema "Superman's song". El reconocimiento internacional llegó con su segundo álbum, titulado "God Shuffled His Feet", editado en Octubre de 1993. Este trabajo fue muy bien recibido tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido, ubicándose dentro del Top 10 en ambos países, gracias a canciones como "Mmm mmm mmm mmm", "In the days of the caveman", y "Afternoons & coffeespoons". Cabe mencionar que en este disco colaboró el renombrado guitarrista Adrian Belew, conocido por su particiación en la reconocida banda King Crimson. Belew ejecutó la guitarra sintetizada en el tema que daba nombre al disco.

En 1995, Crash Test Dummies participó en el soundtrack de la película "Dumb and Dumber", comedia protagonizada por Jim Carrey y Jeff Daniels, dirigida por los hermanos Farrelly. El tema que eligieron fue un cover de "The ballad of Peter Pumpkinghead", originalmente compuesto por XTC en 1992. "A Worm's Life" (BMG/Arista, 1996) fue el tercer álbum de estudio del grupo, que tuvo como singles a "He liked to feel it" y "My own sunrise", teniendo una fría acogida, a pesar de obtener un Disco de Platino en Canadá. Su discografía continuó en 1999 con "Give Yourself A Hand", en donde la banda presentó un estilo más electrónico, con Ellen Reid interpretando varios temas.

Debido a la poca aceptación de sus últimos dos discos, Crash Test Dummies culminó su relación contractual con BMG/Arista, tras lo cuál Brad Roberts decidió fundar su propia compañía discográfica, llamada inicialmente Cha-Ching Recordings, que luego se convirtió en Deep Fried Records. En el año 2000, él sufrió un grave accidente automovilístico, y tras pasar un tiempo recuperándose, decidió empezar a trabajar en un álbum como solista. Poco a poco, varios miembros de la banda empezaron a colaborar en dicho trabajo, por lo que finalmente, decidieron editarlo bajo el nombre del grupo. Dicho disco fue titulado "I Don't Care That You Don't Mind" (Cha-Ching Records, 2001), siendo producido por Scott Harding.

Los siguientes lanzamientos de Crash Test Dummies, que nunca llegaron a igualar el éxito de sus primeras producciones fueron "Puss 'N' Boots" (2003) y "Songs Of The Unforgiven" (2004), tras lo cuál decidieron separarse. Sin embargo, en 2009, Brad Roberts y Ellen Reid decidieron revivir a los Crash Test Dummies, editando en Mayo de 2010 su más reciente trabajo, llamado "Oooh La La!", con Stewart Lerman como productor.

MATISYAHU - King without a crown (2004)

Este artista es una de las pruebas más recientes que conocemos de que la música trasciende las fronteras, religiones, razas y géneros musicales. Nacido el 30 de Junio de 1979 en West Chester, Pennsylvania, bajo el nombre de Matthew Paul Miller, es mejor conocido a nivel mundial por su nombre artístico, que se deriva del equivalente hebreo de Matthew (Matityahu o Mattathias), debido a sus raíces judías: Matisyahu.

Durante su adolescencia, ya cautivado por el Hip Hop, el Reggae y el Rap, adoptó inicialmente el nombre de MC Truth, para más adelante integrar la banda Pey Dalid. En 2007 se interesó por el Judaísmo Jasídico, religión que tiene una marcada influencia en su trabajo musical. Además, tiene dos hijos con su esposa Tahlia.

Su trayectoria musical como Matisyahu se inició en 2004, tras firmar contrato con JDub Records, un sello discográfico sin fines de lucro enfocado en promocionar artistas judíos. Fue así que ese año editó su álbum debut, "Shake Off the Dust...Arise", frase que proviene del poema litúrgico hebreo "Lekhah Dodi". El disco fue producido por Daniel Seliger y Alon Cohan, con notorias influencias del Reggae. En este trabajo se encuentra la primera versión del tema "King without a crown", así como los tracks "Tzama l'chol nafshi", "Aish tamid", "Close in my eyes" y "Exaltation". En Marzo de 2006, se editó su disco en vivo "Live at Stubb's", grabado durante una presentación en el local del mismo nombre en Austin, Texas, realizada el 19 de Febrero de 2005, y que alcanzó el #1 del Reggae Albums Chart de Billboard. Justamente, queremos compartir con ustedes en esta ocasión la versión en vivo de "King without a crown", incluída en este disco, en donde Matisyahu es acompañado por una banda integrada por Aaron Dugan (guitarra), Josh Werner (bajo) y Johan David (batería). En nuestra modesta opinión, ésta es la mejor versión que existe de este tema, que encaja a la perfección con la denominación de "groovy".

La discografía de este artista continuó con "Youth" (JDub/Epic Records, 2006), su segundo disco de estudio producido por Bill Laswell, III Factor y Jimmy Douglass. Este disco también incluye una versión de "King without a crown", y fue el disco más vendido en iTunes el día de su lanzamiento. Este disco obtuvo un Disco de Oro por sus ventas, además de ubicarse en la posición #4 del Billboard 200. Otras canciones que les recomendamos escuchar son "Jerusalem", "Shalom/Saalam", "Late night in Zion", "Dispatch the troops" y "Youth". El 25 de Agosto de 2009, se editaron en simultáneo "Light", su tercer disco de estudio, y "Live at Twist & Shout", segundo en vivo. "Light" también lideró el Reggae Albums Chart, gracias a temas como "One day", "So hi so lo", "Struggla" y "Darkness into light", mientras que el disco en vivo fue grabado durante un concierto realizado en Denver, Colorado, en Noviembre de 2008.

Hace unos días, específicamente el 1ro. de Febrero de 2011, se acaba de editar su tercer disco en vivo, a través del sello MRI Associates Labels, titulado "Live at Stubb's Vol. 2", el mismo que fue registrado el 18 de Agosto de 2010 en el local del mismo nombre en Austin, Texas.