DIA FRAMPTON - Losing my religion (2011)

Dia Frampton.  Recuerden este nombre, porque seguramente lo oirán más seguido.  Esta cantante estadounidense, nacida en Octubre de 1987 y oriunda del estado de Utah, ganó notoriedad en los Estados Unidos el año pasado, gracias a su participación en la primera edición del reality show "The Voice", transmitido por la cadena NBC.

En dicha competencia, que buscaba a nuevas estrellas en el canto, Dia Frampton llegó hasta la etapa final, obteniendo al final el segundo lugar del certamen, por detrás de Javier Colón, otro brillante cantante.  Mérito que vale aún más teniendo en cuenta al exigente y calificado jurado encargado de evaluar y ayudar a los participantes, que estuvo integrado nada menos que por la gran cantante Christina Aguilera; el vocalista de Maroon 5, Adam Levine; el productor y cantante del dúo Gnarls Barkley, Cee Lo Green; y el artista de Country Music, Blake Shelton.

La carrera musical de Dia Leaf Frampton se inició en 2004, cuando junto a su hermana, conformó la dupla Meg & Dia, que hasta la fecha ha llegado a editar 4 álbumes en estudio: "Our Home Is Gone" (2005), "Something Real" (2006), "Here, Here And Here" (2009) y "Cocoon" (2011).  Durante su participación en la etapa semifinal de "The Voice", Dia interpretó a su estilo un cover de "Losing my religion", hermosa canción de los ya disueltos R.E.M., que fue el primer single del disco "Out Of Time", editado en 1991 por Michael Stipe y compañía.  El resultado de la versión de Frampton, que le imprime su frágil y melodiosa voz a la canción, fue bastante sobresaliente, al punto que le valió el pasaje a la final del concurso.

A pesar de no haber ganado, esta artista consiguió firmar un contrato con el importante sello discográfico Universal Republic Records, que le permitió publicar en Diciembre de 2011 su primer disco solista, "Red", en la que Frampton co-escribió la totalidad de las canciones.  Este álbum confirmó la buena aceptación del público hacia la cantante, llegando al #1 del Top Heatseekers Albums Chart de la revista Billboard. Disfruten de este muy buen cover, y de la bella voz de Dia Frampton. 

VOLUMEN CERO - Hollywood (2002)

Volumen Cero es una banda fundada en 1993 en la ciudad de Miami, Florida, originalmente bajo el nombre de Orgamic Bliss, con una alineación integrada por Luis Tamblay (voz/bajo), Marthín Chan (guitarra/sintetizadores), Cris Escuti (guitarra) y Fernando Sánchez (batería), quienes representan la mixtura latina de Miami, debido a sus raíces provenientes de Perú, Colombia, Chile y Estados Unidos.  En 1996, aún bajo el nombre de Orgasmic Bliss, el grupo edita su primera producción discográfica de manera independiente, llamando la atención en la escena del Alternative Rock en Miami.

Fue recién a mediados de 1997 que deciden cambiar de nombre por el de Volumen Cero, particpando en el concurso "Buscando Bandas", convocado por la cadena de televisión Telemundo, evento en el que logran obtener el segundo lugar.   Tras firmar con el sello Grita!, editan en 1998 su primera producción, "Andrómeda", bajo la dirección del también músico argentino Richard Coleman (Soda Stereo, Fricción, Los 7 Delfines), con claras influencias del New Wave y Post-Punk.

Su segundo álbum fue "Luces" (WeaRock, 2002), en el que destacó claramente la canción "Hollywood", en cuyo vídeo, que compartimos con ustedes hoy, aparecen Beto Cuevas (ex-vocalista de los chilenos La Ley) y el porn-star Ron Jeremy.  Otros temas recomendables de ese disco son "Célula", "Dime", "Escapar" y "Ginger ale".  En 2004, ya reubicados en Los Angeles, California, y a través de WEA International, Volumen Cero editó "Estelar", su tercer disco, ya como un trío, con Josh Sonntag (guitarra/sintetizadores) sumándose a Chan y Tamblay.  Resaltan aquí los temas "Bailarinas", "Despiértame", "Luces" y "Autos".  Gracias a este disco, fueron nominados a los Grammy Awards a Mejor Álbum de Rock.

El más reciente disco de la banda ha sido "I Can See The Bright Spot" (Adrenaline Records, 2008), que fue co-producido por ellos junto a Brendan Buckley, teniendo como single de promoción a "El mar", e incluyendo temas cantados en inglés como "Did you fall asleep?", "Chinese connection" o "Strangely ways".  Actualmente, Volumen Cero ha pasado a las filas del sello Tiger One Records, sin novedades aún de un nuevo disco.

BLUR - Girls & boys (1994)

Para comenzar bien el fin de semana, posteamos hoy "Girls & boys", una buenísima canción del tercer disco de los británicos Blur, "Parklife", que fuera publicado en Abril de 1994 por Food Records (Reino Unido) y SBK Records (Estados Unidos), con Stephen Street como responsable de la producción musical.  Este disco volvió a poner en el ojo de la atención pública a este cuarteto de Britpop integrado por el vocalista Damon Albarn, el bajista Alex James, el guitarrista Graham Coxon y el baterista Dave Rowntree, tras la tibia acogida de su trabajo anterior, "Modern Life Is Rubbish" (Food/SBK Records, 1993).

"Girls & boys" fue el primer single de promoción del "Parklife", que hasta el momento es el sencillo con mejor ubicación en los rankings estadounidenses, en donde llegó hasta la posición #4 del Modern Rock Tracks Chart de la Billboard, mientras que en el Reino Unido, se ubicó como #5 del UK Singles Chart.  En el aspecto meramente musical, destacan aquí la rítmica línea de bajo de Alex James, bien complementada por la base rítmica de Rowntree, con el hi-hat acentuado a contratiempo, que pusieron a sacudir las pistas de baile a nivel mundial, y convirtieron a la canción en todo un himno del Britpop.

Los premios no tardaron en llegar, con Blur consiguiendo sendos galardones como Single del Año en los rankings anuales de las afamadas revistas musicales británicas New Musical Express (NME) y Melody Maker, además de ser nominada a Mejor Canción del Año en los MTV Europe Music Awards.  Posteriormente, "Girls & boys" ha sido reinterpretada por otros artistas como Pet Shop Boys, Blaqk Audio y Mélanie Pain, además de ser utilizada en la banda musical de los vídeojuegos "Just Dance" (producido en 2009 para la consola Nintendo Wii por Ubisoft) y "Dance Central" (lanzando para Xbox 360 por Harmonix en 2010).

En cuanto a su vídeoclip, dirigido por Kevin Godley, éste presenta a los miembros de la banda interpretando la canción delante de una pantalla azul, en la que se proyectan imágenes diversas con colores llamativos, así como tomas de gente divirtiéndose en una piscina.  Otros temas del disco "Parklife" que les recomendamos escuchar son "This is a low", "Parklife", "To the end" y "End of a century".

MOEV - Capital heaven (Extended Mix) (1987)

La ciudad de Vancouver, Canadá, fue el punto de origen en 1981 de Moev, una muy buena banda de Synth-Pop, Industrial y Electronic Body Music, fundada por Cal Stephenson (voz/teclados) y Tom Ferris (sintetizadores/secuencias), a quienes se unieron poco después Madeleine Morris (voz) y Mark Jowett (guitarra).

El primer álbum de los canadienses fue "Zimmerkampf" (Go! Records, 1982), que solo fue editado en formatos de vinilo y cassette.  En 1984, Moev pasó a las filas de Nettwerk Records, con el ingreso de Michella Arrichiello en lugar de Madeleine Morris, quien dejo al grupo un año antes.  "Dusk And Desire" (Profile Records, 1985) fue su segundo disco, con buenos temas como "Alibis", "Circles and squares" o "Sweet nothings". 

"Capital heaven", una de nuestras canciones favoritas de Moev, fue editada como single en 1987, siempre por Nettwerk Records, en donde se incluyeron dos versiones especiales del tema: el Extended Mix (que pueden escuchar más adelante) y el Squeaky Dub Mix.  Esta canción formó parte también del tercer disco de Moev, titulado "Yeah Whatever", publicado en 1988 y que fue su álbum más exitoso, en el que se incluyen otros muy buenos tracks como "Wanting" y "Crucify me".  Para entonces, además de Tom Ferris, el grupo estaba compuesto por Dean Russell (voz), Kelly Cook (bajo) y Anthony Valcic (teclados), quien duró muy poco tiempo como integrantes de Moev.

Ya como trío, editaron en 1990, siempre con Nettwerk Records, su cuarto disco, "Head Down", en el que colaboró su compatriota Sarah McLachlan, quien se hizo cargo de los coros en los temas "In and out", "Noise" y "Head down".  En 1994, tras la muerte del vocalista Dean Russell, la banda se separó, pero en 2007, Tom Ferris decidió revivir a Moev, esta vez junto a Julie Ferris como cantante.  Esta nueva formación, en la que han participado también Jeff Sawatzky (bajo) y Kevin Kane (guitarra/coros), fue la responsable en 2010 de "Ventilation", el más reciente disco de Moev, que tuvo como single de promoción a la canción "A thousand lashes". 

LIVE - Pain lies on the riverside (1991)

Live es una banda de Alternative Rock de York, Pennsylvania, de la que ya hemos hablado en un post anterior.  En aquella ocasión (Abril de 2011), los miembros del ya grupo, el guitarrista Chad Taylor, el bajista Patrick Dalheimer y el baterista Chad Gracey, habían puesto una demanda judicial a Ed Kowalczyk, cantante de Live, y su antiguo manager, debido a asuntos económicos y a problemas de índole legal sobre la compañía Black Sole Publishing, de la cuál acusaban a Kowalczyk de haberse apropiado sin el consentimiento del resto de ex-integrantes de la banda, disuelta en 2009.

En Junio de 2011, Taylor, Dalheimer y Gracey anunciaron que estaban grabando nuevos temas de Live, ya sin la participación de Kowalczyk, quien había decidido continuar su carrera como solista.  Fue recién en Marzo de 2012, que la nueva alineación de Live, con Chris Shinn (ex-miembro de Unified Theory) como nuevo vocalista, hizo una presentación en el Strand-Capitol Performing Arts Center de la ciudad de York.  En dicho concierto, también participaron el guitarrista Sean Hennesy y el tecladista Alexander Lefever.

Hoy queremos recordar uno de los temas del primer disco de Live, "Mental Jewelry", que fue editado en Diciembre de 1991 por Radioactive Records, bajo la producción musical de Jerry Harrison.  "Pain lies on the riverside" fue el segundo single de ese álbum, y llegó a escalar hasta la ubicación #24 del Modern Rock Tracks Chart de la revista Billboard.

Éste fue uno de los puntos más sobresalientes del "Mental Jewelry", junto a "Operation spirit (The tyranny of tradition)" y "The beauty of gray", otras 2 grandes canciones de la primera etapa de esta excelente banda, que hemos seguido a lo largo de toda su trayectoria, que ha tomado nuevos rumbos en la actualidad, y de la que estaremos pendientes para informarles de un futuro nuevo lanzamiento. 

MUNDO LIVRE S/A - Meu esquema (2000)

El Manguebeat es un movimiento contracultural surgido en la década de los 90's en la ciudad de Recife, capital del estado de Pernambuco, en Brasil. Una de sus principales manifestaciones se dió en la música, en donde este estilo combinó ritmos oriundos de la zona, como el Maracatu, con Rock, Funk, Hip-Hop y Electrónica. Entre sus mejores exponentes se encuentran artistas como Chico Science & Nação Zumbi, Jorge Cabeleira, Mestre Ambrósio y el grupo que reseñamos hoy, Mundo Livre S/A.

Esta agrupación se fundó en 1984, en el barrio de Candeiras, en Recife. Sus miembros fundadores fueron Fred Zero Quatro (voz/guitarra/cavaquinho), Areia (bajo), Léo D. (teclados), Otto Pereira de Cordeiro (percusión) y Xef Tony (batería). Fue recién diez años después de su creación que Mundo Livre S/A (nombre surgido de discursos del ex-presidente estadounidense Ronald Reagan) editó su primer disco, "Samba Esquema Noise", a través del sello Banguela Records, producido por Charles Gavin y Carlos Eduardo Miranda.

En 1996, ya con Tom Rocha en reemplazo de Otto Pereira como percusionista, los pernambucanos presentaron su segundo álbum "Guentando A Ôia" (Excelente Discos), que fue seguido por "Carnaval Na Obra" (Abril Music, 1998), "Por Pouco" (Abril Music, 2000), "O Outro Mundo De Manuela Rosário" (Candeeiro Records, 2004) y "Novas Lendas Da Etnia Toshi Babaa" (Coqueiro Verde Records, 2011).

Hoy compartimos con ustedes el tema "Meu esquema", perteneciente al disco "Por Pouco", y que posteriormente fue incluído también en el disco "Putumayo Presents: Brazilian Lounge", editado en 2006 por el conocido sello de World Music y Chill Out, así como en el recopilatorio "Combat Samba - E Se A Gente Sequestrasse O Trem Das 11?", lanzado por Mundo Livre S/A en 2008. Esta canción solo confirma que los brasileños tienen un sentido privilegiado del ritmo y la melodía, que siempre se refleja en las diferentes expresiones musicales de ese país, de las que este grupo es un muy buen ejemplo. Para más información sobre ellos, visiten su página web oficial.

PONY ASTEROID - 42 (2007)

Hijos de padre peruano y madre alemana, los hermanos Rainer (voz/guitarra) y Michael Torres Kessler (batería), decidieron en 2005 fundar una banda de Alternative Rock llamada Pony Asteroid en Lima, Perú, junto a Alessandra Robertson (bajo) y Jarot (guitarra), tras lo cuál empezaron a hacer presentaciones en diferentes locales de la capital peruana. Su interesante y novedosa propuesta musical consiguió rápidamente que el grupo consiguiera cierta notoriedad en la escena rockera limeña.

En 2006, los Torres Kessler se mudaron a Alemania, dejando a la banda en stand-by, volviendo al Perú al año siguiente para retomar la senda musical. Fue también en 2007 que Pony Asteroid editó su primer EP, "Move Like Fire", de forma independiente. A finales de ese año, el grupo presentó su disco debut homónimo, conformado por 10 canciones de muy buena factura, con letras en inglés, entre las que sobresalen "We get louder", "All is happening", "Eyes of attraction" y "42", tema que posteamos el día de hoy.

En 2008, y con los hermanos Torres nuevamente viajando a Alemania, la música de Pony Asteroid siguió expandiendo su radio de influencia, al punto que el cuarteto ganó un concurso convocado por la prestigiosa cadena BBC de Londres, con la canción "We get louder", lo que les dió una importante difusión en Inglaterra y Alemania, además de ser elegidos para abrir el concierto de los ingleses Placebo, realizado en la Explanada del Estadio Monumental de Lima el 20 de Abril de 2010, en donde tuvieron una muy buena performance.

Actualmente, los Pony Asteroid se encuentran dando los toques finales a la que será su nueva placa discográfica, grabada en Estados Unidos junto al Ingeniero de Sonido peruano Reuven "Paquirri" Amiel, que aún no tiene fecha de lanzamiento confirmada. Para seguir las novedades de la banda, los invitamos a visitar sus perfiles en MySpace y Facebook.

PAT BENATAR - Love is a battlefield (1983)

Patricia Mae Andrzejewski, mejor conocida por todos como Pat Benatar, es una cantante nacida el 10 de Enero de 1953 en Brooklyn, Nueva York, hija de padre polaco y madre irlandesa. Su inicio en la música se dió a los 8 años, cuando interpretó la canción "It must be spring", en la Daniel Street Elementary School. Más adelante, con tan solo 19 años, Patti, como la llamaba su familia, se casó con Dennis Benatar, su novio de la secundaria, quien era soldado de la armada estadounidense.

En 1973, tras asistir a un concierto de Liza Minelli, Pat Benatar decidió dejar su trabajo como cajera de banco para emprender una carrera musical. Fue al siguiente año, que la cantante participó en el disco compilatorio "Coxon's Army Live From Sam Miller's Exchange Cafe", en el que grabó 4 temas. Sus primeros discos como solista fueron "In The Heat Of The Night" (1979), "Crimes Of Passion" (1980), "Precious Time" (1981) y "Get Nervous" (1982), todos ellos exitosos y publicados por Chrysalis Records.

Los productores Neil Giraldo y Peter Coleman fueron los responsables de su quinta placa discográfica, siempre con Chrysalis, que se llamó "Live From Earth", editada en Octubre de 1983. La mejor canción de este álbum, y una de las mejores de su carrera, es sin duda "Love is a battlefield", escrita por Holly Knight y Mike Chapman a pedido de Benatar. Este gran tema fue #1 del Billboard Top Tracks Chart, encabezando además los rankings en Australia y Holanda.

El vídeoclip de "Love is a battlefield" fue filmado en su ciudad natal, y es considerado como el primero en incluir textos hablados aparte de la canción. Gracias a ella, Benatar ganó el Grammy Award por Mejor Interpretación Vocal Femenina de Rock. Ella misma actúa en el vídeo, junto al actor Trey Wilson, quien hace las veces del padre de una adolescente rebelde (Benatar) que es echada de su casa, y recorre la ciudad, en la que se involucra con diferentes personales y termina, según se sugiere, metida en el mundo de la prostitución, hasta que se rebela contra su proxeneta. Toda la ambientación y el look del vídeo reflejan la estética vigente en los 80's, sirviendo de marco para esta excelente canción.

THE SUNDAYS - Love (1992)

"Blind" fue el segundo álbum de The Sundays, excelente banda británica que co-produjo este disco junto a Dave Anderson para los sellos Parlophone y Geffen Records en 1992. Para ese entonces, el grupo contaba en su alineación con Harriet Wheeler en la voz, David Gavurin en guitarra, Paul Brindley como bajo, Lindsay Jamieson en la pandereta y Patrick Hannah como baterista.

Anteriormente, ya habíamos reseñado gran parte de la trayectoria de The Sundays, con un post de otro de sus grandes temas, "Here's where the story ends", de su primer disco de 1990, "Reading, Writing And Arithmetic", publicación que los invitamos a leer aquí. Hoy recordamos el primer single de aquel segundo disco, "Love", que llegó a colocarse como #2 del Modern Rock Tracks Chart de la Billboard en los Estados Unidos. El otro single del "Blind" fue el track "Goodbye". que fue #27 del UK Singles Chart y #11 del Modern Rock Tracks Chart de Billboard.

En "Love" vuelve a sobresalir la cálida voz de Harriet Wheeler, que impregna cada una de las canciones de The Sundays con una atmósfera relajante que envuelve, siempre bien acompañada por las melódicas guitarras de David Gavurin, responsables de la composición de la mayoría de canciones de la banda, cuyo estilo se puede catalogar dentro del Modern Rock y el Dream Pop.

Cabe recordar también que solamente en la versión editada en los Estados Unidos del disco "Blind", se incluyó una versión de "Wild horses", un clásico de sus compatriotas The Rolling Stones, originalmente grabada por Mick Jagger y compañía en 1971. Disfruten pues de esta gran canción y déjense llevar por la hermosa voz de Harriet Wheeler. Saludos a todos!

AMWE - Friction between the lovers (2008)

Nacida en Mayo de 1984 en Nagoya, Japón, y conocida simplemente por el alias de AMWE, esta artista de Electrónica que produce, escribe y canta sus propias composiciones, tiene como principal influencia al New Wave de los 80's, aunque en sus inicios se dedicó a hacer covers de Jazz.

Su carrera se inició en 2008, tras ganar el Diesel U Music Competition, siendo invitada al año siguiente por el sello francés Kitsuné a participar del compilatorio "Kitsuné Maison 8", en el que colaboró con el track que les traemos hoy, "Friction between the lovers". En ese mismo disco, participaron otros grupos de la escena electrónica internacional actual, que ya han tenido su espacio en nuestro blog, como los australianos Midnight Juggernauts, los irlandeses Two Door Cinema Club y los ingleses Delphic.

También en 2009, en el mes de Octubre, AMWE publicó el single "Birth", mientras que en Setiembre de 2010, y siempre a través del sello Pure Groove, publicó un CD/DVD titulado "Girls", producido por Lee Jay Powm en el que se incluyeron sendos covers de Blur ("Girls and boys"), Deee-Lite ("Groove is in the heart") y My Bloody Valentine ("Only shadow"), además de varios temas propios de la artista nipona. Un mes después, se editó el álbum "I Am AMWE", compuesto por 8 temas, entre los cuáles se encontraban varios de sus singles previos.

A finales de 2010, AMWE fue elegida por iTunes Japan entre los 10 mejores artistas del año, según una votación realizada entre gente relacionada a la industria musical japonesa. Un mérito nada despreciable para esta interesante artista, de la que pueden conocer más a través de su página web oficial. Finalmente, les contaremos que en Febrero de 2011, se lanzó una edición limitada para Europa del disco "I Am AMWE", que incluyó 2 nuevos remixes de "Friction between the lovers", realizados por We Are Enfant Terrible y Pierre Du Son.

SUICIDAL TENDENCIES - War inside my head (1987)

Durante nuestros años escolares, tuvimos muchos buenos amigos aficionados al Hardcore, Trash Metal y Punk Rock, que alguna vez nos hicieron escuchar algunas canciones de esos géneros, que en ese entonces nos sonaban bastante fuertes y agresivas. Han pasado ya muchos años desde aquellos buenos tiempos, y hoy esas mismas canciones ya no nos parecen tan agresivas, probablemente porque, en el transcurso de estos años, hemos escuchado otras cosas que han superado con creces a aquellas en esas características. Es por eso que, dedicada a aquellos amigos, muchos de los cuáles seguimos frecuentando hasta el día de hoy, dedicamos el post del martes a Suicidal Tendencies.

Este legendario grupo de Hardcore/Punk se fundó en 1981 en Venice, California, siendo entonces sus miembros Mike Muir (voz), Mike Ball (guitarra), Mike Dunnigan (bajo) y Carlos Egert (batería). Hasta el presente, Mike Muir sigue siendo el único integrante original que se mantiene en la banda, por la que han pasado a lo largo de los años músicos como Robert Trujillo (actual bajista de Metallica), quien formó parte de Suicidal Tendencies entre 1989 y 1995.

La contundente canción que recordamos hoy, "War inside my head", fue uno de los singles del disco "Join The Army", el segundo de los californianos (tras el "Suicidal Tendencies" de 1983), que fue producido en 1987 por Lester Claypool (a quien no hay que confundir con Leslie "Les" Claypool, el virtuoso bajista y cantante de Primus) y que fuera publicado por Caroline Records. La formación del grupo en 1987 estaba compuesta por Muir, Louiche Mayorga (bajo/coros), Rocky George (guitarra/coros) y R.J. Herrera (batería), aunque este tema fue compuesto por su antiguo guitarrista Jon Nelson, miembro de Suicidal Tendencies entre 1983 y 1984. Como dato anecdótico, mencionaremos que Nelson aceptó ceder los derechos de esta canción a Suicidal Tendencies a cambio de una guitarra modelo Flying V, luego de dejar a la banda.

Hoy, Suicidal Tendencies tiene a Mike Clark (guitarra/coros), Dean Pleasants (guitarra), Stephen Bruner (bajo) y Eric Moore (batería) como complementos de Mike Muir. Además, se espera para este año el lanzamiento de su nuevo álbum, que será el noveno de su discografía en estudio.

CEMENT STARS - Passable ghost (2011)

Bryan Olson (voz/guitarra), Joshua Faggart (guitarra), Kurt Dodrill (bajo), Enid Valu (sintetizadores/coros) y Shaun Olson (batería/sintetizadores), son los integrantes de Cement Stars, banda con influencias de Post-Punk, Indie Rock, Shoegaze y Dream Pop oriunda de Charlotte, Carolina del Norte, fundada por los hermanos Olson en 2006, quienes editaron en Setiembre de 2009 un disco que llevó por título "Geometrics", a través del sello 10mm Omega Recordings, con la producción de Paul Jensen.

Poco antes de este primer lanzamiento, se le unió el percusionista Cody Hare, quien se encargó de los sintetizadores y la percusión. Para Febrero de 2010, Joshua Faggart se sumó como guitarrista, además de colaborar en la composición de canciones desde entonces. Cody Hart dejó a Cement Stars en Marzo de 2011, para dedicarse a producir música electrónica, siendo reemplazado por Enid Valu. Asimismo, se sumó el bajista Kurt Dodrill, quedando definida la alineación de la banda como quinteto, llamando la atención de los directivos de Electric Mountain Music Group, quienes firmaron contrato con el grupo.

Fue así que Cement Stars lanzó, a inicios de 2011, un single llamado "Small seas", que precedió a la publicación (en formato digital y en vinilo) del EP "Form & Temper", siempre con Electric Mountain, compuesto por 6 temas: "Passable ghost", "Holograms", "Fractals", "Misguided sons", "Ivy" y "Run with the night". El grupo se encuentra actualmente compartiendo la gira de promoción de este EP con otro grupo llamado Modern Man, recorriendo el sudeste de los Estados Unidos.

Hoy les presentamos el vídeoclip de la canción "Passable ghost", que presenta un collage de escenas de la película de terror "Carnival Of Souls", dirigida en 1962 por Herk Harvey. Si son aficionados del Shoegaze y del Dream Pop, seguramente disfrutarán de este buen grupo, al que pueden seguir a través de su perfil en Facebook.

ROXY MUSIC - Avalon (1982)

En 1982, año del lanzamiento de "Avalon", su octavo y último disco en estudio hasta la fecha, Roxy Music, importante banda británica, tenía como miembros a Bryan Ferry (voz/teclados/guitarra), Andy Mackay (saxofón/oboe), Phil Manzanera (guitarra), Neil Hubbard (guitarra), Alan Spenner (bajo), Jimmy Maelen (percusión) y Andy Newmark (batería). Dicho trabajo, editado por Warner Bros. con Rhett Davies como productor, fue #1 del UK Albums Chart y del Australian Albums Chart.

Hoy recordamos la canción que dió nombre a ese álbum, una gran balada escrita por Bryan Ferry, en la que colaboraron también Yanick Etienne y Fonzi Thornton, en los coros. Los otros singles del disco fueron "More than this" y "Take a chance with me".

Los inicios de Roxy Music, considerada como una banda pionera del Art Rock, Glam Rock, New Wave y New Romantic, datan de 1971, en Londres, Inglaterra, cuando además de Ferry, Manzanera y Mackay, participaron como integrantes iniciales Graham Simpson (bajo), Brian Eno (sintetizadores), David O'List (guitarra) y Dexter Lloyd (batería). Un dato interesante es que, un año antes de fundar Roxy Music, Bryan Ferry había audicionado para reemplazar a Greg Lake como vocalista de King Crimson, y aunque debido a su registro vocal no fue elegido por Robert Fripp y Pete Sinfield para el puesto, ambos quedaron muy impresionados con su voz, ayudando después a Roxy Music a conseguir un contrato con el sello E.G. Records.

La discografía de Roxy Music incluye previamente los discos "Roxy Music" (1972), "For Your Pleasure" (1973), "Stranded" (1977), "Country Life" (1974), "Siren" (1975), "Manifesto" (1979) y "Flesh And Blood" (1980). Entre 1983 y 2001, el grupo se mantuvo inactivo, hasta que Ferry, Manzanera, Mackay y el baterista Paul Thompson decidieron volver a los escenarios, con la negativa inicial de Brian Eno (hoy convertido en uno de los mejores productores musicales del mundo), de retomar el trabajo con sus ex-compañeros, desde su alejamiento en 1973. Sin embargo, en 2005, Bryan Ferry anunció públicamente que Eno había aceptado volver a colaborar con el grupo, aunque no saldría de gira con ellos. Hasta el día de hoy, no hay noticias aún de un posible nuevo disco de Roxy Music.

FOBIA - El crucifijo (1990)

"Fobia" (BMG Ariola, 1990) fue el disco debut de la banda del mismo nombre, en el cuál se encuentra el oscuro tema "El crucifijo", que recordamos hoy en El Viaje Sónico y de la que ya hablamos en un post anterior. Esta agrupación fue fundada en 1987 en la Ciudad de México, con un estilo influenciado inicialmente por el Post-Punk, para más adelante moverse a un estilo más cercano al Alternative Rock.

La alineación original de Fobia estuvo compuesta por Leonardo "Leo" de Lozanne (voz/guitarra/armónica), Javier "El Cha!" Ramírez (bajo), Iñaki Vázquez (teclados/coros), Francisco "Paco" Huidobro (guitarras/coros) y Gabriel Kuri (batería/percusión/secuencias). En su ya mencionado primer álbum, sobresalen los temas "Dios bendiga a los gusanos", "El microbito" y "La iguana".

Poco a poco, Fobia fue ganándose un lugar en la escena rockera mexicana, saliendo de gira con Caifanes, Maná, Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio y Los Amantes de Lola, grupos que entonces conformaban la primera línea de avanzada de ese país. Su segundo disco fue "Mundo Feliz" (BMG Ariola, 1991), que fue producido por Marteen, en el que recomendamos escuchar la canción "El diablo". Fobia volvió a trabajar con el mismo productor en su tercer álbum, "Leche" (BMG Ariola, 1993), que marcó la salida de Gabriel Kuri, quien fue reemplazado sucesivamente por Jorge "La Chiquis" Amaro y Javier "Jay" de la Cueva (cuya trayectoria musical incluye otros grupos mexicanos como Víctimas del Doctor Cerebro, Molotov y Moderatto).

La carrera de Fobia continuó con el disco "Amor Chiquito" (BMG Ariola, 1995), producido por Gustavo Santaolalla y Aníbal Kerpel. La banda se separó en 1997, reagrupándose en 2003 y mantiéndose en actividad hasta la fecha, con una alineación actual conformada por Paco Huidobro, Leo de Lozanne, Federico Fong (ex-bajista de Caifanes), Darío González y Mauricio Clavería (ex-baterista de los chilenos La Ley).

JORGE DREXLER - 12 segundos de oscuridad (2006)

Hoy recordamos otra gran canción del cantautor uruguayo Jorge Abner Drexler Prada, uno de los mejores letristas latinoamericanos que hemos conocido en las últimas décadas.

"12 segundos de oscuridad" fue la canción que dió nombre al noveno álbum de Drexler, editado en 2006 por el sello español DRO Atlantic. Este gran disco contó con la producción musical del también uruguayo Juan "Campo" Campodónico, conocido anteriomente por su participación como músico en las bandas charrúas Peyote Asesino y Plátano Macho, además de haber integrado el combo rioplatense Bajofondo, junto a Gustavo Santaolalla, Luciano Supervielle, Verónica Loza, Martín Ferres, Javier Casalla y Gabriel Casacuberta. Además, Campodónico produjo ese mismo año el álbum "Raro", de sus compatriotas El Cuarteto de Nos, de quienes ya hemos hecho un post en el blog.

Volviendo a hablar de la canción que origina el post de hoy, cabe resaltar la excelente letra escrita por Drexler, quien de manera muy poética logra hacer una letra sobre un faro, con frases de una belleza suprema. Un ejemplo de ésto: "...Un faro quieto nada sería, guía mientras no deje de girar...no es la luz lo que importa en verdad, son los 12 segundos de oscuridad...".

Otras grandes canciones de este disco, con letras igual de soberbias, y que no deben dejar de escuchar, son "Disneylandia", el muy buen cover en onda acústica de "High and dry", de los ingleses Radiohead, "La infidelidad en la era informática" o "El otro engranaje". Insistimos en que, para nosotros, Jorge Drexler es uno de los mejores escritores musicales sudamericanos de la actualidad, que no debe pasar desapercibido por nadie que guste y aprecie la música hecha con buen gusto. Esperamos que disfruten de este gran tema. Buen fin de semana para todos!

LINKIN PARK - Numb (2003)

Linkin Park es una banda fundada en 1996 en Agoura Hills, California, caracterizada por una propuesta musical bastante interesante, que mezcla Alternative Rock, Rap y Nu Metal, con un resultado contundente. Este grupo nació por iniciativa de Mike Shinoda (voz/guitarra/teclados), Brad Delson (guitarra/coros) y Rob Bourdon (batería), quienes se conocieron en la escuela secundaria, formando entonces una banda que se llamó Xero, a la que se sumaron Joe Hahn (tornamesas/teclados/samplers/coros), Dave "Phoenix" Farrell (bajo/coros) y Mark Wakefield (voz).

Tras la partida de Wakefield en 1998, Xero convocó como nuevo vocalista a Chester Bennington, quien provenía de un grupo de Post-Grunge llamado Grey Daze. En ese momento, Xero cambió su nombre por el de Hybrid Theory, que luego volvió a modificarse por el de Linkin Park, en homenaje al Lincoln Park, ubicado en la localidad californiana de Santa Monica. También en 1998, el bajista Dave "Phoenix" Farrell dejó su lugar a Kyle Christener, aunque volvió en el año 2000. El disco debut de Linkin Park llevó el nombre antiguo del grupo, "Hybrid Theory", siendo editado en 2000 por Warner Bros. Records, con la producción musical de Don Gilmore. Este trabajo no paso desapercibido, gracias a poderosas canciones como "One step closer", "Crawling" o "In the end", que los encumbraron a la cima del éxito.

Su senda triunfal continuó en ascenso con su segunda producción, "Meteora" (Warner Bros., 2003), de nuevo con Don Gilmore como productor, que lideró los rankings de Estados Unidos, Austria, Bélgica, Alemania, Irlanda, Italia, Nueva Zelanda y el Reino Unido, con más de 22 Discos de Platino por sus ventas a nivel mundial.

Uno de los mejores temas de "Meteora" es "Numb", que fue su tercer single de promoción, siendo el #1 del Mainstream Rock Tracks Chart y del Modern Rock Tracks de la revista estadounidense Billboard. El vídeoclip de esta canción, dirigido por Joe Hahn, fue filmado en las ciudades de Praga (República Checa) y Los Angeles, siendo protagonizado por la actriz estadounidense Briana Evigan. Un año más tarde, Linkin Park se unió al rapero Jay-Z (actual esposo de la cantante Beyoncé Knowles), para combinar a "Numb" con "Encore", tema de Jay-Z, en un nuevo single que se llamó "Numb/Encore", que fue incluído en un disco en conjunto que se denominó "Collission Course".

THE ART OF NOISE featuring DUANE EDDY - Peter Gunn (1986)

Formada en Londres, Inglaterra, en 1983, y disuelta en 2000, The Art of Noise fue una agrupación muy importante en las escenas del Synth-Pop y la New Wave, que tomó su nombre de un documento escrito en 1913 por el compositor futurista italiano Luigi Russolo a su colega y amigo Francesco Balilla Pratella, titulado "L'Arte dei Rumori", en la que Russolo argumentaba que para él, y ya en ese entonces, el oído humano se estaba acostumbrando al ruido, velocidad y energía de los ambientes urbano-industriales.

El carácter avant-garde del concepto sonoro de The Art of Noise se entiende por su alineación original, integrada por los productores Gary Langan y Trevor Horn, el programador J.J. Jeczalik, la arreglista Anne Dudley y el periodista musical Paul Morley. A lo largo de su trayectoria, este grupo editó 5 álbumes en estudio: "Who's Afraid Of The Art Of Noise?" (ZTT, 1984), "In Visible Silence" (China/Chrysalis, 1986), "In No Sense? Nonsense!" (China/Chrysalis, 1987), "Below The Waste" (China/Polydor, 1989) y "The Seduction Of Claude Debussy" (ZTT/Universal, 1999), además del EP "Into Battle With The Art Of Noise" (ZTT/Island, 1983) y 11 compilatorios.

Su segundo disco, "In Visible Silence" fue el más exitoso de la carrera de The Art of Noise, llegando al lugar #18 del UK Albums Chart, bajo la producción musical de Anne Dudley, J.J. Jeczalik y Gary Langan. En este trabajo, destacó claramente una versión del tema "Peter Gunn", originalmente compuesto por Henry Mancini en 1958 (y que pueden oír aquí), para la apertura de la serie de televisión policial del mismo nombre, que se emitió en Estados Unidos entre 1958 y 1961. En la versión de The Art of Noise, participó el guitarrista estadounidense Duane Eddy, y gracias a este cover, el grupo llegó a liderar el Rolling Stone Magazine Chart, ganando en 1986 el Grammy Award por Mejor Canción Instrumental de Rock.

Ese mismo año, se editó un vídeo en concierto del grupo, titulado "The Art of Noise in: Visible Silence", filmado durante una presentación en el teatro Hammersmith Odeon de la localidad inglesa de Hammersmith. The Art of Noise se disolvió en el año 2000, época en la que había quedado como un cuarteto, integrado por Anne Dudley, Trevor Horn, Paul Morley y el inglés Laurence "Lol" Crème (guitarra/teclados).

ANTHRAX featuring PUBLIC ENEMY - Bring the noise (1991)

"Crossover" es un término empleado cuando una artista o banda combina elementos de géneros diferentes musicales. Un muy buen ejemplo de esta fusión es la que les traemos hoy, con un tema que combina la fuerza y contundencia del Heavy/Thrash Metal con la rítmica verbal del Hip-Hop, a cargo de dos agrupaciones estadounidenses que representan referencias innegables en sus respectivos géneros: Anthrax y Public Enemy.

"Bring the noise" es una canción de Hip-Hop originalmente grabada en 1987 por Public Enemy, para el soundtrack de la película "Less Than Zero", dirigida por el inglés Marek Kanievska. Public Enemy se fundó en Long Island, New York, en 1982, y su alineación más recordada estuvo conformada por Carlos Douglas Ridenhour (aka Chuck D, voz), William Drayton (aka Flavor Flav, voz), Khari Wynn (guitarra), Lord Aswod (aka DJ Lord, tornamesas) y Professor Griff (voz). Al año siguiente, el combo neoyorkino incluyó a "Bring the noise" en su segundo álbum, llamado "It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back", que fue editado por Def Jam Records y producido por Chuck D, Rick Rubin y Hank Shocklee.

Por otro lado, Anthrax es también una banda nacida en New York en 1981, cuyo estilo se circunscribe al Heavy, Thrash y Speed Metal. En 1991, este grupo compuesto entonces por Joey Belladonna (voz), Scott Ian (guitarra/coros), Dan Spitz (guitarra/coros), Frank Bello (bajo/coros) y Charlie Benante (batería/percusión), publicó con Island Records el álbum "Attack Of The Killer B's", que incluía lados-B, covers y rarezas de Anthrax, producido por Mark Dodson y Charlie Benante.

En ese trabajo, Anthrax presentó una contundente versión de "Bring the noise", en la que participaron Chuck D y Flavor Flav, siguiendo la senda marcada por Aerosmith y Run DMC, quienes en 1986 lanzaron una versión conjunta de "Walk this way", que fue bien recibida tanto por los headbangers como por los rappers, al punto que ambas bandas hicieron una gira juntos. El vídeoclip que pueden ver a continuación muestra a ambos grupos en el escenario, con algunos invitados, como el también músico y actor Tracy Marrow (aka Ice-T).

COLDPLAY - The scientist (2002)

Setiembre de 1996. University College London. Fue aquí que comenzó la historia de Coldplay, banda que con sus 5 álbumes de estudio publicados hasta hoy, se ha convertido en un innegable referente actual del Pop británico, y cuyos inicios reseñamos hoy en el blog.

Fue en aquella época estudiantil que Chris Martin (voz) y Jonny Buckland (guitarra/coros) se conocieron, fundando al poco tiempo una agrupación llamada Pectoralz junto a Guy Berryman (bajo/coros), quien también fue su compañero de estudios. Tras mudar de nombre por el de Starfish, el cuarteto se terminó de definir en 1997 con el ingreso de Will Champion (batería/percusión/coros). Por sugerencia de otro músico amigo, Tim Crompton, el cuarteto londinense adoptó el nombre definitivo de Coldplay ese mismo año. Un dato curioso es que Martin invitó entonces a un tecladista a sumarse como quinto miembro de Coldplay, invitación que fue rechazada por dicho personaje, quien estaba comenzando otro proyecto musical. Dicho tecladista era Tim Rice-Oxley, y ese otro proyecto musical era Keane.

Tras editar en 1998 su primer EP, "Safety", de forma independiente, Coldplay editó en 1999 otro EP llamado "The Blue Room". Recién en Julio de 2000, a través de los sellos Capitol y Parlophone Records, el cuarteto presentó su primer álbum, co-producido junto a Ken Nelson y Chris Allison, llamado "Parachutes", que fue #1 en el Reino Unido, con 7 Discos de Platino por sus ventas solo en el territorio británico. Este éxito se debió en gran parte a canciones sobresalientes como "Don't panic", "Yellow" y "Trouble".

Su meteórico ascenso terminó de consolidarse con su siguiente álbum, "A Rush Of Blood To The Head" (Capitol/Parlophone, 2002), de nuevo con Ken Nelson como productor musical. Este disco volvió a ser un suceso en ventas, encabezando los rankings del Reino Unido, Australia, Canadá, Alemania, Irlanda, Brasil, Argentina, Dinamarca, Suiza y Noruega, llegando al lugar #5 del Billboard 200 en los Estados Unidos. Por si fuera poco, ganaron 3 Grammy Awards, 2 Brit Awards y un Q Award, entre otros premios a nivel mundial. Los mejores temas de este gran disco son, para nosotros, "In my place", "Clocks", "Got put a smile upon your face" y "The scientist", una hermosa balada, cuyo vídeoclip, reproducido en retroceso, fue dirigido por el también inglés Jamie Thraves, ganando en 2003 los MTV Video Music Awards a Mejor Vídeo de un Grupo, Mejor Dirección y Vídeo Sobresaliente.

RADIO FUTURA - Escuela de calor (1984)

Surgidos en Madrid, España, en 1979, Radio Futura es otra de las bandas de Pop Rock que formaron parte de la llamada "Movida Madrileña" de la década de los 80's, junto a otros actos como Nacha Pop, Alaska y Dinarama, Gabinete Caligari o Mecano. Se atribuye el nombre de la banda al pintor y cantante Manuel Campoamor (miembro de Kaka de Luxe y Pegamoides), quien simplificó el nombre de la estación de radio italiana llamada Radio Ciudad Futura. Su primera formación tuvo como integrantes a Santiago "Juan Perro" Auserón (voz/guitarra), su hermano Luis Auserón (bajo), Enrique "Kike" Sierra (guitarra), Herminio Molero (sintetizadores), Javier Pérez Grueso (percusión electrónica/voz) y Carlos "Solrac" Velásquez (batería), quien ingresó en 1980.

Su primer disco se editó en 1980 por el sello Hispavox, llevando por título "Música Moderna". Poco tiempo después de su lanzamiento, Molero y Pérez Grueso se separaron de Radio Futura, dejando el grupo al mando de los hermanos Auserón y de Enrique Sierra, quienes se mantuvieron como eje central de la banda hasta su separación en 1992.

"La Ley Del Desierto / La Ley Del Mar", sería su segundo álbum en estudio, publicado en 1984 por Ariola Eurodisc. Este disco fue concebido como un trabajo dividido en 2 partes. El lado-A contiene canciones influenciadas por el Punk, el Pop y el Funk, mientras que el lado-B tiene un sonido con raíces más latinas, línea que marcaría el trabajo posterior de Radio Futura. Hay 2 canciones que reflejan muy bien la dicotomía de este álbum: por un lado tenemos a "Escuela de calor", que posteamos hoy, mientras que la segunda parte tiene en "Semilla negra" uno de sus momentos más brillantes.

Como ya dijimos, la trayectoria de Radio Futura se truncaría tras haber editado 6 álbumes más en estudio, siendo el último de ellos "Rarezas" (BMG Ariola, 1992). El pasado 17 de Febrero de 2012, su guitarrista fundador, Enrique Sierra, falleció a la temprana edad de 55 años, debido a complicaciones derivadas de una larga enfermedad renal, lo que terminó de desvanecer la ya remota posibilidad de un retorno del grupo.

MARISA MONTE - Cérebro Eletrônico (1995)

Marisa de Azevedo Monte es una artista nacida en Rio de Janeiro, Brazil, el 1ro. de Julio de 1967, siendo en la actualmente una de las mejores representantes de la música carioca. En su adolescencia, ingreso a la Escola Nacional de Música con la intención de estudiar canto lírico, para a los 19 años emigrar a Roma para intentar hacer una carrera en el circuito de la Ópera. Tras volver años después a su país natal, se reencontró con la Música Popular Brasilera (MPB) y el Rock Brasilero de entonces, influencia que la terminaría marcando de por vida.

La música de Marisa Monte refleja pues todo ese crisol de géneros que la artista ha cultivado a lo largo de su vida: Lírica, Jazz, Bossa Nova, Funk, Samba, Blues y Rock. Ello se manifiesta magistralmente en los 9 álbumes que esta excepcional cantante ha editado hasta ahora: "MM" (1988), "Mais" (1991), "Verde Anil Amrelo Cor De Rosa E Carvão" (1994), "Rose And Charcoal" (1994), "Barulinho Bom - Uma Viagem Musical" (1995), "Memórias, Crônicas E Declarações De Amor" (2000), "Infinito Particular" (2006), "Universo Ao Meu Redor" (2006) y "O Que Vocé Quer Saber De Verdade" (2011), que en conjunto han llegado a vender más de 10 millones de copias a nivel mundial.

Hoy les presentamos el tema "Cérebro eletrônico", un cover de la canción originalmente grabada por el también soberbio Gilberto Gil, uno de los máximos íconos de la MPB y del movimiento musical brasilero de los 60's conocido como Tropicália, en el disco del mismo nombre publicado en 1969 por Universal Music (y que pueden escuchar aquí).

Marisa Monte adaptó esta canción con toques de Jazz, Funk, Pop Rock y Bossa Nova en 1995, como parte de su disco doble "Barulinho Bom - Uma Viagem Musical", que fue producido por Monte, Carlinhos Brown y Arto Lindsay para la filial brasilera de EMI Music. Este trabajo incluye el el disco 1 versiones en vivo, mientras que el disco 2 presenta únicamente versiones grabadas en estudio, entre las que también les recomendamos oír "Magamalabares", "Chuva no brejo" y "Tempos modernos". Los invitamos ha disfrutar de esta delicia de canción.

EDITORS - Lullaby (2007)

"Radio 1 Established 1967" fue un álbum doble editado por Universal Music en Octubre de 2007, para celebrar el 40vo. Aniversario de la estación radial BBC Radio 1. Estuvo conformado por 40 covers realizados por igual número de artistas, entre los que se incluyen Kaiser Chiefs, Amy Winehouse, The Twang, Hard-Fi, Foo Fighters, Stereophonics, Groove Armada, Just Jack, Kasabian y Keane. Entre los temas versionados se encontraban composiciones de artistas como Bob Dylan, Elton John, The Kinks, Roxy Music, David Bowie, The Police, The Jam, R.E.M. o Jamiroquai.

Una de las canciones que más nos gustaron al oír el disco 2 de este compilatorio fue la muy interesante adaptación que hizo Editors, cuarteto de Indie Rock y Post-Punk de Stafford, de "Lullaby", el genial tema grabado originalmente en 1989 por los célebres The Cure, que formó parte de "Disintegration", uno de los mejores trabajos de Robert Smith y compañía.

Editors, que ya lleva 3 álbumes en estudio hasta la fecha, ha anunciado que este 2012 estará lanzando su cuarta producción discográfica, cuyo nombre aún se desconoce. Este buen cuarteto inglés, conformado por Tom Smith (voz/guitarra/piano), Chris Urbanowicz (guitarra/sintetizadores), Russell Leetch (bajo/coros) y Ed Lay (batería/percusión), formó parte del movimiento llamado Post-Punk Revival, que en la década pasada decidió tomar la posta y volver a poner en valor a dicho género musical, surgido en los 70's, que ha tenido a The Cure como uno de sus máximos exponentes.

La acertada versión de Editors, mantiene el tinte oscuro y depresivo de la canción original, con algunos matices novedosos, por lo que creemos que vale la pena escucharla. Esperamos que la disfruten. Saludos a todos!

AUTOKRATZ featuring PETER HOOK - Becoming the wraith (2011)

Ya nos habían llamado la atención con "Always more", uno de los singles de su primer disco de 2009, "Animal". Hoy volvemos a hablar de ellos, para reseñar su también muy recomendable segundo álbum, titulado "Self Help For Beginners", que fue publicado en Mayo del año pasado por Bad Life Records. Nos estamos refiriendo a los londinenses AutoKratz.

Siempre integrado por David Cox (voz/guitarra/secuencias) y Russell Crank (guitarra/secuencias), este dúo ha vuelto a sacudir la escena electrónica internacional con su nuevo trabajo, contando con la importante colaboración de varios íconos de la escena musical británica: Andrew Innes (guitarrista de los geniales Primal Scream), Peter Hook (cuyo amplio prontuario artístico como bajista incluye bandas de primer nivel como Joy Division, New Order, Revenge, Monaco y Freebass), y el productor Jagz Kooner (quien ha trabajado con Primal Scream, Kasabian, Massive Attack, Garbage, Ladytron y un larguísimo etcétera).

El primer single del "Self Help For Begginers" fue "Opposite of love", que fue seguido por la excelente canción que les traemos hoy, "Becoming the wraith", en donde Peter Hook pone su sello distintivo, es decir, sus inconfundibles líneas de bajo. Sin duda alguna, la participación de estos grandes músicos invitados ha sido una excelente estrategia de AutoKratz para mantenerse en la mira mundial, sin desmerecer para nada la ya comprobada calidad compositiva de la dupla Cox/Crank.

Otro tema que les recomendamos escuchar de este gran segundo disco de los británicos es "Fireflies". La vigencia de la herencia del Synth-Pop de los 80's está totalmente garantizada con bandas como AutoKratz, que esperemos nos sigan deleitando por mucho tiempo más con composiciones de gran calidad como ésta. Más información sobre ellos, en su website oficial, o en MySpace.

CELEBRATE THE NUN - Will you be there (1988)

Celebrate the Nun es un recordado grupo de Synth-Pop de los 80's-90's, creado en Hamburgo, Alemania, en 1986 por iniciativa de Hans-Peter Geerdes (aka H.P. Baxxter, voz) y Hendrik Stedler (aka Rick J. Jordan, teclados), a quienes se unieron, un año después, la hermana de Hans, Britt Geerdes (aka Britt Maxime, teclados/percusión) y Nils Enghusen (aka Slin Thompson, batería).

Ya consolidado como un cuarteto, y siguiendo la senda musical marcada por bandas como los británicos Depeche Mode, Celebrate the Nun editó en 1988 su primer disco, con los sellos EMI (Alemania) y Enigma Records (Estados Unidos/Canadá), bajo el nombre de "Meanwhile". Este álbum destacó por su bien elaborado sonido y sus pegajosas canciones, entre las que sobresalieron "She's a secretary" (#12 del Dance/Club Play Chart de Billboard), "Ordinary town", "Unattainable love", "Strange" y "My jealousy", que los hicieron conocidos también en los Estados Unidos.

El hit más exitoso del "Meanwhile", que fue producido por la banda y Peter Siedlaczek, fue el track #3 del disco, "Will you be there", que llegó a colocarse, en Junio de 1990, en la posición #5 del Dance/Club Play Chart de Billboard, vendiendo más de 30,000 copias en ese país. Ese mismo año, el baterista Slin Thompson se separó del grupo, dejando a Celebrate the Nun como un trío. En 1991, a través de Metronome Records, publicaron "Continuous", su segundo álbum, que tuvo como singles de promoción a "You make me wonder" y "Patience", sin poder repetir el éxito alcanzado con su primer trabajo.

Celebrate the Nun se desintegró en 1992, tras lo cuál, Baxxter y Jordan se unieron a Jens Thele y Ferris Bueller, creando un nuevo proyecto musical en 1993, llamado en un principio The Loop, que en 1994 cambió de nombre por el de Scooter, con el que se mantienen activos hasta el día de hoy. Como dato curioso, mencionaremos que el ex-baterista Slin Thompson formó en 1998 un nuevo grupo junto a Phoen X y Skye Burns, al que denominó Celebrate the None, editando un solo álbum en 2005 con el sello Not On Label, llamado "Popsubculture".

MELISSA ETHERIDGE - I want to come over (1995)

Con una exitosa y reconocida carrera, que la ha llevado a ganar un Academy Award (Óscar), 2 Grammy Awards, 1 Juno Award, 1 Gibson Guitar Award, y ser condecorada como Doctora Honoraria en la prestigiosa Berklee College of Music, Melissa Lou Etheridge es una cantautora y músico estadounidense nacida en 1961 en Leavenworth, Kansas, de quien hablaremos en el post del domingo en El Viaje Sónico.

Su notable y nutrida discografía, que ya lleva 11 álbumes de estudio, 3 discos en vivo y 1 compilatorio, se inició en 1988 con el lanzamiento de "Melissa Etheridge", editado por su casa discográfica de siempre, Island Records. Le siguieron los discos "Brave And Crazy" (1989), "Never Enough" (1992) y "Yes I Am" (1993), con Etheridge compartiendo los roles de producción con profesionales de la talla de Niko Bolas, Kevin McCormick, y Hugh Padgham.

"Your Little Secret" fue su quinto lanzamiento discográfico, publicada en 1995, en el que repitió el tandem de producción con Hugh Padgham. En este trabajo, que escaló hasta el lugar #6 del Billboard 200 Chart, Etheridge contó con la colaboración reconocidos músicos de sesión como John Shanks (guitarra acústica/guitarra eléctrica/teclados), Mark Browne (bajo), Kenny Aronoff y Dave Beyer (batería). Los 3 sencillos de promoción de esta producción fueron "Your little secret", "Nowhere to go" y "I want to come over".

Hoy compartimos con ustedes aquel tercer single, que llegó a encabezar el Canadian Singles Chart. El vídeoclip de "I want to come over" fue dirigido en 1996 por Pam Thomas, y en él destaca la actuación de la actriz y cantante estadounidense Gwyneth Paltrow, casada desde Diciembre de 2003 con el frontman de la banda inglesa Coldplay, Chris Martin, con quien tiene 2 hijos: Apple Blythe Alison y Moses Bruce Anthony. Una gran canción, perfecta para pasar un buen domingo.