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Tras formar parte, entre los años 1992 y 1983, del dúo Yazoo junto al ex-fundador de Depeche Mode, Vince Clarke, Geneviève Alison Jane Moyet, más conocida como Alison Moyet, continuó su carrera como solista, etapa en la que nos centramos en el post del día en nuestro blog.
Nacida en Billericay, Inglaterra, el 18 de Junio de 1961, Moyet trabajó a los 16 años como afinadora de pianos, para luego formar parte de bandas como The Vandals, The Screamin' Ab Dabs, The Vicars y The Little Roosters, antes de unirse a Vince Clark en Yazoo. Ya separada de éste, Moyet editó en 1984 su primer álbum en solitario, titulado "Alf", producido por Steve Jolley y Tony Swain para CBS Records, del cuál no podemos dejar de mencionar a la espectacular balada "Invisible".
Su segundo disco solista fue "Raindancing" (CBS/Columbia, 1987), que fue #1 en Noruega y Nueva Zelanda, y #2 en el Reino Unido, en donde obtuvo un Doble Disco de Platino. Para nosotros, la mejor canción de este álbum, de lejos, es "Is this love?", que fue lanzado en Noviembre de 1986 como el primer single promocional del disco, y que fue co-escrito y producido por Dave Stewart (miembro de Eurythmics junto a la gran Annie Lennox), quien en este caso usó el seudónimo de Jean Guiot. Este track llegó al #1 del European Singles Chart, ubicándose además dentro del Top 5 en los rankings de países como Bélgica, Irlanda, Noruega, Sudáfrica, Suecia y el Reino Unido, en el que podemos disfrutar de la hermosa voz de esta gran cantante.
La discografía de Alison Moyet, que se vió temporalmente interrumpida entre los años 1995 y 2000, por problemas con su sello de entonces, Sony Music, se completa con los discos "Hoodoo" (CBS, 1991), "Essex" (CBS, 1994), "Hometime" (Sanctuary Records, 2002), "Voice" (Sanctuary Records, 2004) y "The Turn" (W14 Music, 2007), incluyendo los compilatorios "Singles" (1995), "The Essential Alison Moyet" (2001) y "The Best Of: 25 Years Revisited" (2009), todos ellos publicados por Sony Music Entertainment. Según ha anunciado la propia cantante, en estos momentos se encuentra trabajando en un nuevo álbum, bajo la producción del inglés Guy Sigsworth (quien fuera parte de Frou Frou junto a Imogen Heap), y que se espera sea lanzando a comienzos de 2013.
Changó, Shangó o Sàngó (en el dialecto nigeriano Yoruba), es considerado como el Orisha o Divinidad de los truenos, los rayos, la justicia, la virilidad, la danza y el fuego, quien además está relacionado con Santa Bárbara en la Santería (práctica de carácter religioso que fusiona creencias católicas con la cultura tradicional yoruba), muy conocida en países latinoamericanos como Cuba, Puerto Rico, República Dominicana, Panamá, Brasil, Colombia y Venezuela.
Es justamente en este último país en donde, en 1994, y específicamente en la ciudad capital de Caracas, se fundó una banda que tomó el nombre de este deidad: King Changó, que fusiona Reggae, Ska, Salsa y Cumbia, integrada por José Andrés "Blanquito Man" Blanco (voz/percusión), Luis Eduardo "Negrito Man" Blanco (teclados/cuatro venezolano/percusión), Miguel Oldenburg (guitarra), Glenda Lee (bajo), Martín Adrián "Martín Perna" Cunnigham (saxo tenor), Fernando Vélez (percusión), Mike Wagner (trombón/guitarra) y Luis "El Pulpo" Ruiz (batería/percusión).
Poco después de emigrar a Nueva York y consolidarse como banda, King Changó llamó la atención de David Byrne (líder de los célebres Talking Heads), quien firmó al grupo para su sello de World Music llamado Luaka Bop, compañía con la cual editaron en 1996 su disco debut homónimo, compuesto por 13 canciones llenas de ritmo y sabor latino, entre las que destaca nítidamente la canción "Melting pot", que compartimos con ustedes en este post.
Cuatro años más tarde, el combo venezolano presentaría su segundo álbum (y último hasta la fecha), titulado "El Regreso del Santo", en el que empezaron a añadir elementos de Trip-Hop y Drum 'n' Bass. Sin embargo, en 2003, King Changó entró en una prolongada pausa, la misma que parece haber terminado en 2010, cuando el grupo retomó sus presentaciones en vivo, aún sin nuevo material discográfico a la vista. Si quieren estar informados de las novedades de esta muy buena banda, síganlos a través de su cuenta en Facebook.
Tras sorprendernos gratamente con su disco debut, "Enter The Characters", del cuál posteamos en su momento la canción "Justine", el cuarteto de Indie Rock belga Customs volvió a dar la hora con "Harlequins Of Love", su segunda producción discográfica que fue lanzada al mercado el 23 de Setiembre de 2011, a través de los sellos Noisesome Recordings y EMI, el mismo que fue grabado y producido por Jo Francken entre Abril y Mayo del 2011 en los ICP Studios (Bruselas - Bélgica) y Motor Music Studio (Mechelen - Bélgica), y masterizado en los renombrados Abbey Road Studios (Londres - Inglaterra) por Geoff Pesche, el mismo ingeniero que trabajó en su álbum debut.
Compuesto por 10 temas de muy buen factura, entre los que podemos mencionar a "Samstag, Im Lido", "Only after dark", "Your roses", "The house will win", "Velvet love" y "Toupee", este nuevo disco de Kristof Uittebroek (voz/guitarra), Jelle Janse (guitarra), Joan Govaerts (bajo) y Ace Zec (batería), mantiene la frescura de su predecesor en sus canciones, gracias a sus marcadas bases rítmicas y sus acertados arreglos de guitarras. Cabe mencionar que en el "Harlequins Of Love", los Customs contaron con el aporte de Steven Vervaet (piano), en los tracks "Minuet for a gentleman" e "Insanity's famous last words", y de Yannic Fonderie, encargado de los teclados y programaciones.
Hoy queremos compartir con ustedes el tema "Harlequins", que fuera el primer single de promoción de este nuevo trabajo de los belgas, y que llegó hasta la posición #2 de los charts en su país. Además de realizar giras por toda Europa presentando este disco, el vocalista Kristof Uittebroek se encuentra trabajando en simultáneo en un proyecto paralelo llamado August Albert, del que pueden conocer más en su respectiva página web.
Si quieren darle una escuchada a todos los temas del disco, los invitamos a visitar el website oficial de Customs: www.customstheband.com. Saludos a todos!
Estamos de vuelta! Muchas cosas importantes nos han pasado durante el tiempo que estuvimos en estado de hibernación forzada: nos mudamos de casa, con todo el desorden inicial que eso conlleva, y sobre todo, pasamos la barrera de las 100,000 visitas! Pero ya instalados en nuestro nuevo centro de operaciones, retomamos nuestro viaje sónico con más buena música, dándoles gracias a ustedes, como siempre, por acompañarnos en esta aventura.
Nuestro post de hoy se enfoca en Babes in Toyland, una interesantísima banda de Alternative Rock/Punk Rock/Grunge fundada en 1987 en Minneapolis, Minnesota por Kat Bjelland (guitarra) y Lori Barbero (batería), a las que se sumaron inicialmente Cindy Russell (voz) y Chris Holetz (bajo), quienes duraron muy poco tiempo en el grupo. Tras su partida, Barbero y Bjelland, quien asumió además el rol de cantante, convocaron para el bajo a Courtney Love (la hoy viuda del ícono grunge Kurt Cobain y lideresa de Hole), quien en 1985 había formado con Bjelland otra agrupación llamada Pagan Babies. Sin embargo, Love fue echada de Babes in Toyland a las pocas semanas, para dar paso a Michelle Leon, quien se mantendría hasta 1991.
Bajo la batuta del productor Jack Endino, y con el sello Twin/Tone Records, el trío dió luz verde en 1990 a "Spanking Machine", su disco debut, que fue bastante bien recibido por la potencia de canciones como "Swamp pussy", "Vomit heart", "Dust cake boy" o "Dogg", que hicieron que otros músicos, como el guitarrista Thurston Moore (de Sonic Youth) se declararan seguidores de las Babes in Toyland. Varias de las canciones que quedaron fuera de este primer disco fueron editadas ese mismo año en un EP titulado "To Mother", lanzado en un principio por Southern Records, y más tarde por Twin/Tone Records.
"Fontanelle" (Reprise Records, 1992) fue el segundo de sus 3 álbumes en estudio, que fue co-producido por Lee Ranaldo (el otro gran guitarrista de Sonic Youth) y la propia Kat Bjelland. Poco después de iniciar las grabaciones de este disco, Michelle Leon dejó al grupo tras la muerte de su novio, Joseph "Joe" Cole, quien era roadie de Black Flag y Rollins Band. Su lugar fue ocupado entonces por Maureen Herman. Con temas como "Bruise violet", "Spun", "Real eyes" y "Handsome and Gretel", este disco llegó hasta el lugar #24 del UK Albums Chart. Siempre con el sello Reprise, las Babes in Toyland editaron el EP "Painkillers" (1993) y el álbum "Nemesisters" (1995), que fue producido por Tim Mac siendo su último trabajo oficial en estudio, del que les traemos la canción "Sweet '69", que escaló hasta el puesto #37 del Modern Rock Tracks Chart de Billboard. Tras varios cambios más en su alineación, este grupo se desarmó oficialmente en 2001, con Kat Bjelland formando un nuevo proyecto musical, llamado Katastrophy Wife.
Otro domingo más en nuestro blog. Como todos los domingos, hoy dedicamos el post a una balada, y lo hacemos con un artista de una larga trayectoria, ganador en seis oportunidades de los Grammy Awards, y miembro selecto del Songwriter's Hall of Fame y del Rock and Roll Hall of Fame, con un total aproximado de 150 millones de discos vendidos. Nos estamos refiriendo al gran Billy Joel.
Nacido bajo el nombre de William Martin Joel, este cantautor y pianista nació el 9 de Mayo de 1949 en el barrio de The Bronx, Nueva York, siendo hijo del alemán Helmuth Joel y de la inglesa Rosalind Nyman. Debido a que su padre era pianista, Billy aprendió a tocar dicho instrumento a muy temprana edad. Ya en su etapa adolescente, Billy se dedicó además al boxeo amateur, actividad que abandonó cuando sufrió la rotura de su tabique nasal en uno de sus combates. Con tan solo 14 años, fundó un grupo con el que hacía covers de bandas británicas, llamado The Echoes, que luego se convirtió en The Emeralds y más tarde en Lost Souls. Dos años después, Joel dejó a Lost Souls y se sumó a The Hassles, con quienes publicó 2 discos, para luego crear el dúo Attila.
Ya como solista, Billy Joel grabó su primer álbum en 1971, que llevó por título "Cold Spring Harbor" y fue editado por Family Productions con Artie Ripp como productor musical, al que siguieron los discos "Piano Man" (1973), "Streetlife Serenade" (1974), "Turnstiles" (1976) y "The Stranger" (1977), todos ellos publicados a través de Columbia Records, y merecedores de 16 Discos de Platino por sus ventas, lo que lo convirtió en una estrella de primera a nivel mundial.
Su sexto álbum en estudio, que llegó (por primera vez en la carrera de Joel) a ser #1 en los rankings de Australia, Canadá, Nueva Zelanda y los Estados Unidos, se llamó "52nd Street" , lanzado en 1978 nuevamente por Columbia Records, con Phil Ramone como responsable de la producción musical, en el que Billy Joel se encargó de la voz y el piano, con la colaboración de renombrados músicos como Dave Grusin, Peter Cetera y Liberty DeVitto. Nuevamente, este trabajo fue un éxito total, ganando 2 Grammy Awards, como Mejor Disco del Año y como Mejor Interpretación Vocal Masculina Pop. Hoy recordamos la que, para nosotros, es la mejor canción del álbum, la preciosa balada "Honesty", una muestra del gran talento de Joel como compositor, que consiguió impregnarle a este tema un sentimiento tal, que la ha convertido en todo un clásico, y que también fue nominada al Grammy por Mejor Canción del Año.
Cada cierto tiempo, aparecen por ahí algunos charlatanes que predicen que ocurrirá un terremoto en alguna parte del mundo. Para los que estamos informados de la naturaleza de estos fenómenos naturales, estas predicciones no son más que estrategias de dichos personajes para captar un poco de notoriedad internacional. En esta ocasión, las "ufólogas" (sic) rusas Victoria Popova y Lidia Andrianova han pronosticado que el día de mañana, 21 de Setiembre de 2012, un fuerte movimiento sísmico tendrá lugar en las costas de Perú, seguido de un tsunami de proporciones apocalípticas, lo que ha generado, como se esperaba, una especie de "psicosis colectiva".
Como a nosotros no nos preocupan estas trivialidades, se nos ocurrió postear hoy una canción que nos gusta mucho, con una temática alusiva a la noticia en mención. "Cuando pase el temblor" formó parte del disco "Nada Personal", el segundo en la trayectoria de la hoy mítica banda argentina Soda Stereo (una de nuestras favoritas de siempre), que fue publicado en Noviembre de 1985 por Sony Music, que constituye un punto muy importante del trío conformado por Gustavo Adrián Cerati Clark (voz/guitarra), Héctor Pedro Juan Bosio Bertolotti (aka Zeta Bosio, bajo) y Carlos Alberto Ficicchia Gigliotti (aka Charly Alberti, batería).
Con canciones memorables como "Si no fuera por...", "Danza rota", "Juego de seducción", "Estoy azulado", "Imágenes retro", "Ecos", "Nada personal" o "El cuerpo del delito", este disco fue grabado en los Estudios Moebio de Buenos Aires por el Ingeniero de Sonido Mariano López, bajo la producción de la propia banda.
"Cuando pase el temblor" fue compuesta por Gustavo Cerati, y se le ha dado diversas interpretaciones a su letra: algunos leen entre líneas que se trata de una metáfora sobre el orgasmo, mientras que otros la relacionaron con tragedias naturales, sociales o personales. Por ejemplo, en Chile, la gente la tomó como himno tras la caída del régimen del dictador Augusto Pinochet. En cuanto a su sonido, este tema tiene marcadas influencias de la música andina, con arreglos que simulan instrumentos usados en esa región como las chacchas, el charango y los sikus, que combinan influencias de géneros musicales como el Reggae y el Carnavalito (muy característico de ciudades del norte argentino como Jujuy, Salta, Catamarca o Tucumán). El vídeoclip, dirigido por Alfredo Lois, fue grabado en las ruinas de la fortaleza de Pucará de Tilcara, ubicadas en la Quebrada de Humahuaca, en la provincia argentina de Jujuy.
Richard David Court nació en Beckenham, Inglaterra, el 6 de Marzo de 1952. Probablemente muy pocos lo conocen por su nombre de pila, ya que tras vivir en países como Kenia, Dinamarca, Yemen del Sur, Italia, Alemania y Escocia, terminó en 1972 asentándose en Brasil, específicamente en la ciudad de São Paulo, gracias a su amistad con los miembros de la banda Os Mutantes (integrada por Rita Lee, Sérgio Dias y Arnaldo Baptista). Fue así que Court decidió adoptar el nombre artístico con el que se hizo famoso en toda Latinoamérica: Ritchie.
Inicialmente, este cantautor formó parte de Scaladácida, grupo conformado también por Fabio Gasparini (guitarra), Sergio Kaffa (bajo) y Azael Rodrigues (batería), con quienes trabajó solo por un año, ya que en 1973 decidió mudarse a Río de Janeiro con su esposa, la arquitecta y diseñadora Leda Río Zuccarelli. Ya en Río, formó parte de otro proyecto musical llamado A Barca do Sol, esta vez como flautista, junto a Vimana Boden, Santos Lulu, Luiz Fernando Gama y Simas, hasta que después decide continuar su carrera como solista.
Su primer disco en solitario fue "Vôo de Coração", publicado por Sony Music en 1983, en el que Ritchie se encargó de la voz, teclados y flauta, y en donde además colaboró el guitarrista Steve Hackett, ex-miembro de Genesis y GTR. Este álbum, que llegó a vender más de un millón de copias, contenía además la canción que convertiría a Ritchie en un suceso en muchos países de Sudamérica por aquellos años: "Menina veneno", que también fue grabada en una versión en español, bajo el nombre de "Mi niña veneno".
La carrera musical de Ritchie continuó con los álbumes "E A Vida Continua" (1984), "Circular" (1985), "Loucura E Mágica" (1987), "Pra Ficar Contigo" (1988), "Sexto Sentido" (1990), "Tigres De Bengala" (1993), "Auto-Fidelidade" (2002) y "Outra Vez" (2009), siendo este último un disco en vivo grabado en estudio. A ellos se suman el recopilatorio "O Melhor De Ritchie" (1985), el disco en vivo "Anos 80 - Multishow" (2005) y una edición remasterizada y conmemorativa por los 25 años de la publicación de "Vôo de Coração", lanzada en 2008.
Un nuevo domingo en el blog, esta vez con una increíble balada y un vídeo sobresaliente, a cargo de R.E.M., una banda de la que ya nos hemos ocupado en varias oportunidades anteriores y que está entre nuestras favoritas.
La canción que posteamos hoy, "Everybody hurts", fue uno de los singles del "Automatic For The People", octavo álbum del cuarteto de Athens, Georgia, conformado por Michael Stipe (voz), Mike Mills (bajo), Peter Buck (guitarra) y Bill Berry (batería), y que fuera publicado en Octubre de 1992 por Warner Bros. Records, con la producción musical de Scott Litt. Este disco tuvo la intención, según declararon los propios miembros del grupo, de alejarse un poco del estilo de su anterior disco, el celebrado "Out Of Time" de 1991.
Aunque los 4 integrantes de R.E.M. participaron en la composición de la canción, el baterista Bill Berry tuvo una actuación preponderante, a pesar de que finalmente no tocó en la canción (ya que ésta no tiene batería, sino patrones de ritmo de una Univox Drum Machine). Otro dato interesante de este single, que llegó al Top 10 en Australia, Canadá, Francia, Irlanda y el Reino Unido, fue que los arreglos de cuerdas fueron escritos por el ex-bajista de Led Zeppelin, John Paul Jones.
Como ya dijimos al inicio de este post, uno de los puntos más altos de esta muy buena canción es su extraordinario vídeoclip, uno de los más sentimentales que recordemos, mérito de su director, el ingles Jake Scott, cuya temática está influenciada por la escena inicial de la película "8½", dirigida en 1963 por el italiano Federico Fellini. El vídeoclip de "Everybody hurts", en blanco y negro, fue filmado cerca del Fredericksburg Road Bridge en San Antonio, Texas, y fue considerado en el año 2007 entre el Top 5 de los Vídeos Musicales Más Memorables de la cadena MuchMoreMusic. Por si fuera poco, artistas famosos como Paul Anka, Joe Cocker, The Corrs, Meat Puppets, Patti Smith, Bonnie Tyler, Coldplay y Tangerine Dream han hecho sendos covers de este bellísimo tema.
Synth-Pop e Indietrónica es la combinación que plantea la propuesta sónica de Entre Ríos, banda fundada en el año 2000 en Buenos Aires, Argentina, cuando dos ex-miembros del grupo Tus Hermosos, Sebastián Carreras (samplers/teclados) y Gabriel Lucena (programaciones/sintetizadores), se unieron a la dibujante y autora de libros ilustrados Marisol "Isol" Misenta.
"Litoral" (Índice Virgen, 2000) fue el primer EP del trío porteño, compuesto por 5 temas: "Bajo", "Litoral", "Si fuimos", "Por tí" y "Tuve", en los que los arreglos electrónicos de Carreras y Lucena servían como marco para la melodiosa y tierna voz de Misenta, que los llevó a ser mencionados entonces por su compatriota Gustavo Cerati como banda revelación en una encuesta realizada por el diario argentino Clarín. Un año más tarde, Entre Ríos editó su segundo EP, "Temporal", nuevamente con Índice Virgen y con otras 5 canciones.
El primer álbum llegaría en 2002, con el nombre de "Idioma Suave", seguido ese mismo año por "Sal", que fue publicado por el sello indie español Elefant Records, y considerado por publicaciones como Rolling Stone Argentina y Les Inrockuptibles entre los mejores discos del año. Con cinco producciones más a cuestas, siendo la última de ellas "Era" (2011), Entre Ríos ha sufrido múltiples variaciones desde 2005, cuando Paula Meijide reemplazó a Isol Misenta. Poco a poco, la fama del grupo fue extendiéndose a otros países como Colombia, México, Uruguay, Chile y Perú.
El único miembro fundador que se mantiene en la banda es Sebastián Carreras, tras el alejamiento de Gabriel Lucena en 2009, quien en la actualidad forma parte de Miranda! (otra agrupación argentina heredera del legado musical de Entre Ríos). Hoy en día, completan el line-up del grupo: Julieta Brotsky (voz/sintetizadores), Pablo Carreras (bajo), Gonzalo Campos (guitarra) y Romina D'Angelo (batería), quienes acompañan a Sebastián Carreras, que además ha lanzado un álbum solista, bajo el seudónimo de Ondo, titulado "Uno".
Axel Reinemer (secuencias), Stefan Leisering (congas), Paul Kleber (bajo), Sebastian Studnitzky (piano/teclados), Arne Jansen (guitarra), Sebastian Borkowski (saxofón/flauta), Stefan Ulrich (trombón) y Carl-Michael Grabinger (batería), son los integrantes de Jazzanova, un colectivo musical de Berlín, Alemania, al que pertenecen también los DJs y productores Alexander Barck, Class Brieler, Jürgen von Knoblauch y Roskow Kretschmann, quienes en 1995 formaron esta agrupación que mezcla el Jazz, Latin Jazz, Soul, Funk, Chill Out y Electrónica de una forma muy moderna e interesante.
En sus inicios, este grupo se caracterizó por realizar remixes para una larga lista de artistas cultores del Nu-Jazz y del Chill Out de diferentes partes del mundo, que los hicieron conocidos. En 1997, el núcleo central de Jazzanova (conformado por Barck, Brieler, von Knoblauch, Kretschmann, Leisering y Reinemer) se animó a fundar su propio sello musical independiente, llamado Sonar Kollektiv, con el cuál han editado varios de sus trabajos y los de muchos otros artistas.
La discografía oficial de Jazzanova se inició en 2002, con el lanzamiento del disco "In Between", compuesto por 17 temas entre los que les recomendamos "Hanazono", "Soon", "E-Ovation", "Keep falling" y "Sub-Atlantic". Su segunda producción discográfica propia llegaría recién en 2008, bajo el nombre de "Of All The Things", bajo el sello Verve Records, en que contaron con varios cantantes invitados como Phonte, Paul Randolph, Ben Westbeech, Jose James, Leon Ware, Joe Dukie, Pedro Martins y Bembé Segue.
Hoy compartimos con ustedes una versión en vivo de la canción "Let it go", perteneciente al más reciente disco de los alemanes, "Funkhaus Studio Sessions" (Sonar Kollektiv, 2012), que fue grabado en los GDR Rundfunk Orchestra Studios de Berlín. En este trabajo, Jazzanova volvió a invitar a Paul Randolph a participar como vocalista invitado, para coronar el impecable trabajo instrumental del grupo.
Seguramente muchos de ustedes se sorprenderán al saber que esta artista se mantiene en actividad hasta hoy. A pesar de haber nacido en Febrero de 1960 en Beirut, Líbano, posee la nacionalidad italiana, al ser hijo de un diplomático italiano y una cantante estadounidense. Aunque su nombre de pila es Paul Mazzolini, la gran mayoría lo ubica por su alias artístico, Gazebo.
Con una discografía que comprende 11 álbumes en total hasta la fecha, Gazebo se hizo popular a inicios de los 80's con una de las canciones de su disco debut, titulado simplemente "Gazebo", publicado por Baby Records en 1983. Dicha canción, una de las 8 que incluyó el álbum en mención, le bastó para ganarse un lugar en la memoria de muchos: "I like Chopin", que fue producida por Pierluigi Giombini, quien además compuso la música de la misma, considerada como un himno del llamado Italo Disco, género musical surgido a finales de la década de los 70's en la Península Itálica, cuyo nombre se asigna a Bernard Mikulski, y con un sonido que se derivaba del New Wave y Synth-Pop.
"I like Chopin" llegó a liderar los rankings musicales en países como Alemania, Suiza, Austria e Italia, además de entrar dentro del Top Ten en Holanda y Japón, país en el que ha sido versionada en décadas posteriores por diversos artistas como Asami Kobayashi, Atsushi Sakurai y Ryuichi Kawamura. Otros temas destacados de este primer disco de Gazebo fueron "Love in your eyes", "Masterpiece", "Gimmick!" y "Lunatic".
Sus trabajos posteriores fueron "Telephone Mama" (1984), "Univision" (1986), "The Rainbow Tales" (1988), "Sweet Life" (1989), "Scenes From The News Broadcast" (1991), "Portrait" (1994), "Viewpoint" (1997), "Portrait & Viepoint" (2000), "Ladies! The Art Of Remixage" (2007) y "The Syndrome" (2008). Además, su más reciente sencillo, "Queen of burlesque", fue presentado en Mayo de 2011 a través de iTunes. Para más información actual de Gazebo, les recomendamos visitar su página web oficial.
Desde Santiago, Chile, recordamos hoy viernes en el blog a Christianes, una banda de Dream Pop, fundada en 1989 por Christian Arenas (voz/guitarra) y Cristián Heyne (bajo/programación), lo que explica el nombre del grupo, que se caracterizó por ser bastante reacios a la exposición mediática, motivo que tal vez limitó de cierta forma su fama, a pesar de lo cuál llegaron a cosechar una buena legión de seguidores en toda Latinoamérica.
Arenas y Heyne dieron vida a este proyecto musical cuando eran aún adolescentes, centrándose en un primer momento en hacer covers de The Cure. Fue recién en 1990, con el ingreso del también cantante y guitarrista Juan Carlos Oyarzún, que Christianes comenzó a componer sus primeros temas. Este impulso se vió frenado en parte en 1992, con el alejamiento de Oyarzún, quien posteriormente formaría parte de otro grupo llamado Justine. Esta salida llevó a la dupla Arenas/Heyne a buscar un nuevo vocalista, eligiendo finalmente a una estudiante de danza con poca experiencia en el canto, llamada Evelyn Fuentes, con quien empezaron a variar su sonido hacia un estilo más cercano a bandas como My Bloody Valentine o Cocteau Twins.
Su primer sencillo en ser difundido por las radios chilenas fue "Sol", que les abrió las puertas para colocar otras 4 canciones en la banda sonora de la teleserie "Top Secret", gracias a lo cuál lograron llamar la atención de la compañía discográfica EMI Odeón, que decidió firmar a Christianes en 1995. Fue así que, en la segunda mitad de ese año, el trío chileno dió vida a su primer y único disco, "Ultrasol", compuesto por 16 tracks y que tuvo como caballo de batalla al tema "Mírame solo una vez", una buena canción que combina guitarras y arreglos de cuerdas que complementan el peculiar estilo de cantar de Evelyn Fuentes, que llevaron a compararla con otras vocalistas latinas como Jeanette (la de "Soy rebelde" o "Corazón de poeta") o la española Ana Torroja, frontwoman del excelente trío Mecano.
Para sus presentaciones en vivo (que fueron bastante escasas), Christianes contó con el apoyo de Denver (guitarra) y Juan Patricio Fuenzalida (batería). Al mismo tiempo, Cristián Heyne comenzó a trabajar en forma paralela con otra banda llamada Shogún, que poco a poco fue absorbiendo su atención, originando que en 1997 la historia de Christianes llegara prematuramente a su fin. Tras la separación, Christian Arenas desapareció de la escena musical chilena, Evelyn Fuentes volvió al ambiente de la danza, mientras que Cristián Heyne continuó su carrera como productor y músico.
Con tres álbumes publicados entre 2001 y 2007, años en los que duró su existencia, Audioslave se convirtió en una de las bandas que lideraron la escena del Alternative Rock de la era post-Grunge, gracias en gran medida al currículum previo de sus integrantes. Su vocalista/guitarrista, Chris Cornell, se había hecho conocido anteriormente por liderar a Soundgarden, uno de los grupos más emblemáticos de la escena Grunge de los 90's, mientras que sus otros 3 miembros, Tim Commerford (bajo/coros), Tom Morello (guitarra) y Brad Wilk (batería), hicieron lo propio junto a Zack de la Rocha en la incendiaria banda Rage Against The Machine.
Tras la disolución de ambas bandas, bastante buenas por cierto, los 4 músicos decidieron reunirse en 2001 en Los Angeles, California, para continuar su carrera musical con este nuevo proyecto, el cuál, según declaró alguna vez el propio Chris Cornell, iba a llamarse originariamente Civilian, nombre que tuvo que ser desechado porque ya estaba siendo usado por otro grupo. Tras elegir el nuevo nombre de Audioslave, los estadounidenses se dieron con la sorpresa de que este nuevo nombre también pertenecía ya a otra agrupación de Liverpool, Inglaterra. Tras llegar a un acuerdo económico, los ingleses aceptaron ceder el nombre a Cornell y compañía, para pasar a llamarse The Most Terrifying Thing.
El primer disco homónimo de Audioslave se editó en Noviembre de 2002, por el sello Epic Records y con el renombrado Rick Rubin como productor. Rápidamente, comenzó a llamar la atención internacional, llegando al puesto #7 del Billboard 200 Chart, gracias a muy buenas canciones como "Like a stone", "I am the highway", "What you are" o "Cochise", que posteamos el día de hoy y cuyo vídeo fue dirigido por el reconocido Mark Romanek. Aunque el sonido de esta canción se asemeja bastante a Rage Against The Machine (por obvias razones), sobresale también por la buena interpretación vocal de Chris Cornell, algo que no sorprende.
Los 2 álbumes restantes de este grupo fueron "Out Of Exile" (Epic/Interscope Records, 2005), producido de nuevo por Rick Rubin, llegando a ser #1 en Estados Unidos, Noruega, Nueva Zelanda y Canadá; y "Revelations" (Epic/Interscope Records, 2006), con Brendan O'Brien como productor musical, que ocupó el mismo lugar en Australia, Canadá y Nueva Zelanda, además de ser #2 en Estados unidos y Finlandia. Como ya dijimos, Audioslave se separó en 2007, tras lo cuál sus miembros decidieron revivir a sus bandas previas, las cuáles se mantienen en actividad hasta el día de hoy.
1967. Buenos Aires, Argentina. Tomando como referencia parte de una frase del libro "El Banquete de Severo Arcángelo", escrito en 1965 por Leopoldo Marechal, que decía: "...padre de los piojos, abuelos de la nada...", el cantante Miguel Ángel Peralta (aka Miguel Abuelo), decide fundar una de las bandas más importantes en la historia del Rock de ese país: Los Abuelos de la Nada. En aquel entonces, se sumaron a la primera etapa de la banda músicos como Alberto Lara (bajo), Eduardo "Mayoneso" Fanacoa (teclados), Micky Lara (guitarra), Norberto "Pappo" Napolitano (guitarra) y Héctor "Pomo" Lorenzo (batería).
En 1968, Los Abuelos de la Nada lanzó su primer single, "Diana divaga", canción co-escrita por Miguel Abuelo y Alberto "Pipo" Lemoud, que fue publicada por el sello CBS Discos bajo la producción de Yako Zeller, teniendo como lado-B a "Tema en flu sobre el planeta". En aquel sencillo colaboraron también Cluadio Gabis (guitarra), Ernesto Zimberlín (violín) y Javier Martínez (batería). Sin embargo, poco después, el grupo decide disolverse, con Miguel Abuelo emigrando a España y "Pappo" Napolitano, quien le había sugerido darle una onda más blusera a la banda, formando Pappo's Blues, otra banda importantísima para la música argentina.
Ya de vuelta en Argentina, a comienzos de la década de los 80's, Miguel Abuelo decide revivir a Los Abuelos de la Nada, convocando entonces a un grupo de músicos que le daría al grupo su condición de banda de culto: Andrés Calamaro (teclados/voz), Gustavo Bazterrica (guitarra/coros), Gerardo "Cachorro" López (bajo/coros), Daniel Melingo (saxo/clarinete/coros) y Polo Corbella (batería). Esta nueva alineación, se encargó de darle a Los Abuelos un estilo más cercano al Pop Rock y al New Wave, que se vió reflejado en el disco "Los Abuelos De La Nada" (Interdisc, 1982), que tuvo como productor nada menos que a Charly García, incluyendo los primeros himnos del grupo, "No te enamores nunca de aquel marinero bengalí", "Sin gamulán" y "Levantando temperatura", éstas 2 últimas compuestas por un entonces joven Andrés Calamaro.
La carrera ascendente de Los Abuelos de la Nada siguió con "Vasos Y Besos" (Interdisc, 1983), en donde sobresalen los temas "Así es el calor" y "Mil horas". El tercer álbum del grupo fue "Himno De Mi Corazón" (DG Discos/Interdisc, 1984), ya con el ingreso del saxofonista Alfredo Desiata en lugar de Daniel Melingo, quien en 1982 fundó Los Twist, además de integrar la banda de Charly García. Sin dudas, la joya de este disco es el tema que abre el mismo, compuesto por "Cachorro" López, "Lunes por la madrugada", todo un hito del Rock latinoamericano de aquella década, que fue el segundo sencillo después de la canción que dió nombre al álbum. Otros tracks resaltantes de este trabajo son "Medita sol", "En la fuente de la unión" y "La fórmula del éxito". El resto de la historia de Los Abuelos de la Nada será motivo de otra publicación, que haremos más adelante. Mientras tanto, disfruten de esta gran canción.
Mientras aguardamos por el lanzamiento de su segundo álbum, que será editado entre Octubre y Noviembre de este año, los dejamos con el más reciente sencillo de Delphic, atractiva banda de Marple Bridge, Inglaterra, cultora del Synth-Pop y la Electrónica de baile.
"Good life", canción que posteamos hoy, tuvo el enorme honor de ser elegida como uno de los 5 temas oficiales de los recientes Juegos Olímpicos Londres 2012, junto a composiciones de otros destacados artistas británicos como Muse ("Survival"), Elton John & Pnau ("Good morning to the night"), Dizzee Rascal ("Scream") y The Chemical Brothers ("Theme from velodrome").
Volviendo a lo que será el nuevo disco del cuarteto conformado por James Cook (voz), Matt Cocksedge (guitarra), Richard Boardman (sintetizadores) y Dan Hadley (batería), aún sin título conocido, se sabe que será producido por Ben Alley y Tim Goldsworthy. Por lo que se puede deducir al oír "Good life", seguramente esta nueva producción de los británicos volverá a sacudir las pistas de baile de todo el mundo, como lo hicieron con "Acolyte", su primer disco.
Disfruten pues de esta buena canción, mientras esperamos lo nuevo de Delphic, de quienes pueden estar al tanto mediante su website oficial o su perfil en Facebook.
Con raíces colombianas, pero nacida en Nueva Jersey, Estados Unidos, el 11 de Marzo de 1969, Soraya Raquel Lamilla Cuevas, conocida en el mundo de la música simplemente como Soraya, fue una talentosa compositora, cantante y productora musical, tristemente fallecida el 10 de Mayo de 2006 en Miami, Florida, después de luchar por varios años contra un cáncer de seno, la misma enfermedad que había cobrado la vida de su madre en 1991.
Tras aprender a tocar guitarra y violín durante su infancia, Soraya comenzó a componer sus primeras canciones durante su adolescencia. Fue recién en 1996, que esta artista publicó su disco debut, "En Esta Noche" (Island Records), que obtuvo múltiples Discos de Platino en alrededor del mundo, debido a que también fue editado en idioma inglés, como "On Nights Like This", al igual que varias de sus siguientes producciones. Gracias a los sencillos de este disco, la carrera de Soraya tuvo un gran impulso en toda Latinoamérica. El primer single, "De repente" ("Suddenly") fue #1 en México, Argentina, Chile, Colombia, España y Estados Unidos, mientras que el segundo sencillo, que recordamos hoy, "Quédate" ("Stay awhile"), consiguió lo mismo en México, Chile, Argentina, España y Estados Unidos.
Su segundo disco bilingüe fue "Torre De Marfil / Wall Of Smiles" (Polydor/Mercury Records, 1997), que tuvo como temas de promoción a "Lejos de aquí", "Si te vas", "París, Cali, Milán" y "Torre de marfil", además de incluir, en la versión en inglés, una canción en francés titulada "J'amerais tant", que llegó a encabezar las listas de Francia, Portugal, Suiza, Alemania y Canadá. Le siguió "Cuerpo Y Alma / I'm Yours" (Universal Music, 2000), su tercer disco, que fue editado el mismo año en que le fue detectado el cáncer de seno, momento desde el cuál la artista comenzó su tratamiento médico y se convirtió en constante activista y colaboradora de instituciones de apoyo a las víctimas de dicha enfermedad.
Sus siguientes producciones musicales fueron "Soraya" (EMI Latin, 2003), también lanzada en versión en inglés, y "El Otro Lado De Mí" (EMI International, 2005). A lo largo de su carrera artística, y debido a su innegable talento, Soraya colaboró también con otros reconocidos artistas como Ryuichi Sakamoto, Aleks Syntek, John Berry, Myriam Hernández, Ricky Martin y Ha-Ash, antes de su lamentable partida. Recordémosla pues con una de sus mejores canciones, como debe ser.
