GINO VANNELLI - Wild horses (1987)

Nacido en Montreal, Canadá, el 16 de Junio de 1952, este gran cantante y compositor estudió Música en la prestigiosa McGill University de su ciudad natal. Más adelante, se mudó a los Estados Unidos, primero a la ciudad de Nueva York y después a Los Angeles, junto a sus hermanos Joe, Gino y Ross. Su primer disco fue editado en 1973 por A&M Records, bajo el título de "Crazy Life", en el que Gino contó con el apoyo de su hermano Joe, quien trabajaría junto a él a lo largo de su carrera.

Vannelli lanzaría 5 álbumes más con A&M Records: "Powerful People" (1974), "Storm At Sunup" (1975), "The Gist Of The Gemini" (1976), "A Pauper In Paradise" (1977) y "Brother To Brother" (1978). Gracias a la canción "I just wanna stop" de este último disco, que fue #1 en Canadá y #4 en los Estados Unidos, obtuvo su primera nominación a los Grammy Awards, además de ganar un Juno Award (el Grammy Canadiense) como Mejor Artista Masculino, galardón que repetiría en 1976 y 1979. Sus dos siguientes álbumes fueron "Nightwalker" (Arista Records, 1981) y "Black Cars" (Disques Dreyfur/Polydor Records, 1984), con el que ganaría otra vez, junto a su hermano Joe, el Juno Award a Mejor Ingeniería de Grabación.

"Big Dreamers Never Sleep" (Disques Dreyfus, 1987) es el disco en donde se encuentra la excelente canción que recordamos hoy, "Wild horses", una elegante composición que combina elementos de Rock, Pop y Jazz, por el que los hermanos Vannelli volvieron a ganar el Juno Award a Mejor Ingeniería de Grabación aquel año. A pesar de no ser el más exitoso de sus temas, éste es para nosotros uno de los puntos más altos en la carrera musical de Gino Vannelli.

Otro de sus mejores discos fue "Canto" (BMG, 2002), más enfocado en la Música Clásica, en el que se incluyen composiciones cantadas en diferentes idiomas como italiano, francés, inglés y español. Hasta la fecha, Gino Vannelli ha publicado en total 16 discos, siendo los más recientes "Stardust In Sand" y "The Best And Beyond", lanzados respectivamente en 2009 y 2010.

INSPIRAL CARPETS - Two worlds collide (1992)

Inspiral Carpets es otra de las bandas más representativas de la escena musical conocida mundialmente como Madchester, junto a grupos como The Charlatans, The Stone Roses y Happy Mondays. Se formó en 1983 en la localidad de Oldham, ubicada a las afueras de Manchester, Inglaterra, siendo curiosamente una agrupación de Punk y Gararge Rock, conformada por Stephen Holt (voz), Graham Lambert (guitarra) y Craig Hill (batería), completándose recién en 1987 con el ingreso del bajista David Swift y el tecladista Clint Boon. En 1989, Holt y Swift se separaron de la banda, siendo reemplazados por Tom Hingley y Martyn "Bungle" Walsh, respectivamente.

A lo largo de su trayectoria, Inspiral Carpets llegó a publicar 5 álbumes de estudio: "Dung 4" (Cow Records, 1989, en formato cassette), "Life" (Mute Records, 1990), "The Beast Inside" (Mute Records, 1991), "Revenge Of The Goldfish" (Mute Records, 1992) y "Devil Hopping" (Mute Records, 1994). También editaron 2 EPs, "Planecrash" (1988) y "Trainsurfing" (1989), así como 5 compilatorios. En 1995, tras finalizar su relación contractual con el sello Mute Records, Inspiral Carpets anunció su disolucion.

Un dato bastante interesante sobre este grupo fue que, en 1988, un aún desconocido Noel Gallagher trabajó con ellos como parte de su equipo técnico, específicamente como roadie (asistente de escenario), encargado de las guitarras. Como todos sabemos, 3 años después Noel se uniría a su hermano Liam para encabezar la archifamosa banda Oasis. Como muchos otros grupos, Inspiral Carpets decidió reagruparse en 2003, manteniéndose activos hasta hoy, con la misma formación que tenían en 1995, es decir, con Hingley, Boon, Lambert, Gill y Walsh.

La canción que recordamos en este post sabatino, "Two worlds collide", pertenece al álbum "Revenge Of The Goldfish" de 1992, que fue producido por Pascal Gabriel, y que alcanzó el lugar #17 del UK Albums Chart. Dicho tema fue además #8 en el Modern Rock Tracks Chart de la revista estadounidense Billboard, siendo el single más exitoso de los Inspiral Carpets en ese país.

LE TIGRE - Deceptacon (1999)

La música no siempre tiene que ser necesariamente "seria". A veces, es bueno ser simple, lúdico y descaradamente fresco, algo que saben hacer muy bien estas tres chicas (sí, tres chicas, aunque no lo parezca a primera impresión) provenientes de Nueva York, una cuna inacabable de buena música. El post del viernes viene a cargo de: Le Tigre.

Su creación se dió en 1998, cuando Kathleen Hanna, ex-lider de Bikini Kill en la voz, Johanna Fateman en guitarra, teclados y secuencias, y Sadie Benning, también en voz, se unieron para dar vida a este grupo que combina guitarras Punk con bases rítmicas influenciadas por el Electroclash y el New Wave, con letras directamente enfocadas en el feminismo y temas socio-políticos. Fue así que, con la colaboración del productor Chris Starney, Le Tigre editó su álbum debut homónimo en 1999, con el sello independiente Mr. Lady Records, con sede en San Francisco. Uno de los tracks más populares del disco fue "Hot topic", en el que se menciona a mujeres admiradas por el trío, como Yoko Ono, Cibo Matto y Aretha Franklin, entre otras. Pero la canción que sobresale largamente en este álbum es "Deceptacon", que es una excelente muestra del estilo musical del grupo, cantado magistralmente por Kathleen Hanna y con un ritmo que se hace bastante pegajoso.

Antes de comenzar a grabar su segundo disco, Sadie Benning decidió dar un paso al costado, permitiendo el ingreso de Jocelyn Samson (aka JD Samson) en el año 2000. La nueva formación dió forma al segundo disco de Le Tigre, llamado "Feminist Sweepstakes" (Mr. Lady Records, 2001), que además fue el primero en ingresar a los rankings de su país, alcanzando la posición #43 del Top Independent Albums Chart de Billboard. El más reciente trabajo de estas chicas ha sido "This Island", publicado en 2004 por Universal Records, teniendo como productores a Nick Sansano y Ric Ocasek, frontman de The Cars. Con este trabajo, alcanzaron la cúspide de su fama, al llegar al puesto #5 del Top Heatseekers Albums Chart de Billboard, gracias a buenas canciones como "After dark", "TKO" o "I'm so excited", cover del tema original de The Pointer Sisters, grabado en 1982.

Tras decidir tomar una pausa entre 2006 y 2007, tiempo en el que sus integrantes se enfocaron en algunos proyectos paralelos, Le Tigre anunció en Junio de 2009 que estaban colaborando con la cantante Christina Aguilera en el cuarto disco de esta cantante de Pop, titulado "Bionic". Los dejamos a continuación con una versión en vivo de la canción "Deceptacon", realizada en el talk-show "Last Call with Carson Daly".

NADA SURF - Ice on the wing (2008)

Nada Surf es una banda de Alternative/Indie Rock de Nueva York, Estados Unidos, fundada en 1992 e integrada por Matthew Caws (voz/guitarra) y Daniel Lorca (bajo/coros). Tras contar con un baterista llamado simplemente Dan por poco tiempo, quien fue reemplazado en un principio por Aaron Conte, hasta que en 1995 Ira Elliot (ex-integrante de Fuzztones) ingresó en lugar de Conte para consolidarse como baterista de la banda.

Este grupo, aún con Conte en la batería, editó un EP en 1995, titulado "Karmic", con el sello No.6 Records. Un año más tarde, se lanzó "High/Low" el primer disco oficial de Nada Surf, producido por Ric Ocasek (vocalista y guitarrista de The Cars) para Elektra Records, en donde destacó el tema "Popular", que llegó al lugar #11 del Modern Rock Tracks Chart de Billboard. Para 1998, el trío publicó su segundo álbum, "The Proximity Effect" (MarDev Records), que tuvo a Fred Maher como productor, seguido de "Let's Go" (EMI/Barsuk Records, 2002) y "The Weight Is A Gift" (Barsuk Records, 2005), que fue producido por Louie Lino y Chris Walla (guitarrista de Death Cab for Cutie).

El quinto disco de Nada Surf sería "Lucky", editado en Febrero de 2008 por Barsuk Records, con John Goodmanson en la producción, que llegó al puesto #8 del Top Independent Albums Chart de la Billboard. En este trabajo colaboraron diversos amigos de la banda, como Juliana Hatfield (en la canción "I wanna take you home"), Ben Gibbard de Death Cab for Cutie (en "See these bones") y Coralie Clément (en "The fox"). El buen tema que posteamos hoy, "Ice on the wing", también contó con el apoyo del guitarrista y cantante del grupo The Long Winters, John Roderick, y de Martin Wenk, miembro de la banda de Folk Rock, Calexico, quien grabó los vientos de metal. Otros temas destacados de esta producción fueron "Weightless" y "Beautiful beat".

La más reciente producción discográfica de Nada Surf ha sido "If i Had Hi-Fi", publicada en 2010 por MarDev Records, que es un disco de covers de los temas favoritos de los miembros de la banda, pertenecientes a otros artistas. Destacan en este trabajo, sus versiones de "Enjoy the silence" (de Depeche Mode), "Question" (de Moody Blues), "Evolución" (de los españoles Mercromina) y "Love and anger" (de Kate Bush). En estos momentos, Nada Surf se encuentra trabajando en nuevos temas, los cuáles se espera conformen el nuevo y séptimo disco de la banda, a lanzarse en lo que resta de 2011.

DUNCAN DHU - Palabras sin nombre (1989)

Aristogatos y Los Dalton fueron dos bandas españolas cuya fusión dió origen a una de las agrupaciones más importantes del rock ibérico en los 80's, cuyo nombre fue tomado de uno de los personajes del libro "Kidnapped", escrito por el escocés Robert Louis Stevenson en 1886: Duncan Dhu.

La formación original de Duncan Dhu, que se fundó en 1984 en San Sebastián (o Donostia, en euskera), ciudad ubicada en el País Vasco, España, estuvo conformada por Mikel Erentxun, Diego Vasallo y Juan Ramón Viles. Erentxun, nacido en Caracas, Venezuela, pero de nacionalidad española, fue el cantante de Aristogatos, mientras que Vasallo y Viles fueron miembros de Los Dalton, como vocalista/bajista y baterista, respectivamente. El estilo musical de Duncan Dhu se circunscribe dentro del Pop Rock, habiendo publicado, hasta su separación en 2001, 8 álbumes en estudio, 1 en vivo y 2 recopilatorios.

En 1989 editaron "Autobiografía", quinto disco de su trayectoria, que además fue su primer álbum doble y el primero en editarse en CD, en el que Diego Vasallo se estrenó como vocalista, cantando algunos temas. Otro dato importante es que este trabajo marcó el inicio de Duncan Dhu como dúo, tras el alejamiento de Juan Ramón Viles meses antes. "Autobiografía", producido por Colin Fairley, fue editado en España por el sello Grabaciones Accidentales, además de ser lanzado en los Estados Unidos por Sire Records, y en Japón por JVC Records. El impacto internacional de este disco fue tal, que fueron nominados a los Grammy Awards de ese año, en la categoría de Mejor Artista Latino.

Hoy posteamos la canción "Palabras sin nombre", perteneciente a ese álbum doble, aunque la versión del vídeo pertenece a un concierto grabado en 1995 en el Teatro Victoria Eugenia de su ciudad natal, realizado para celebrar el 10mo. aniversario de la fundación de Duncan Dhu, que además fue editado como disco doble ese año. Actualmente, la dupla Erentxun/Vasallo se ha reunido unas cuantas veces en vivo tras su disolución como banda, mientras que Erentxun ha continuado su trayectoria como solista, de manera bastante exitosa.

ELEKTRONNOE OBLAKO - Strannik (2010)

Navegando para escuchar nueva música hace unos días, nos encontramos con esta interesante banda de Synth-Pop proveniente de Samara, Rusia, cuyo nombre en esa lengua (Электронное Облако) se puede traducir como Nube Electrónica: Elektronnoe Oblako.

No ha sido fácil conseguir mucha información sobre ellos, pero hasta donde hemos podido investigar, Elektronnoe Oblako se concibió en sus inicios, a mediados de la década pasada, como un trío conformado por Roman Shamis (voz), Andrei Lukijan (sintetizadores) y Paul Zolin (programación). Poco después, Zolin se separó del grupo, para iniciar otro proyecto electrónico bajo el nombre de Purple Fog Side, dejando a Shamis y Lukijan como un dúo desde entonces.

En 2005, Elektronnoe Oblako editó dos EPs con el sello ruso Wlastelin Records: "Mechtatel" ("Мечтатель") y "Provocation Sleep" ("Провокация Сна"). El año pasado, la dupla ha publicado, a través de su página en MySpace (www.myspace.com/elektronnoeoblako) varios temas nuevos, entre los cuáles están "Melancholy" ("Грусть"), "Korabl" ("Корабль") y "Strannik" ("Странник"). Esta última canción es la que más nos ha gustado, por lo que la compartimos con ustedes el día de hoy. Como ellos mismos mencionan, dentro de sus influencias musicales se encuentran otras bandas rusas como Arrival y Technologia, así como los alemanes Kraftwerk y los británicos Depeche Mode.

Sin lugar, Elektronnoe Oblako será un grupo al que trataremos de seguir la pista, y del que trataremos de mantenerlos informados. Mientras tanto, disfruten de "Strannik", en una versión en vivo.

AFRIKA BAMBAATAA & THE SOULSONIC FORCE - Planet Rock (1982)

Afrika Bambaataa es un DJ estadounidense nacido en el barrio del Bronx en Nueva York en la década de los 50's, considerado como un ícono musical por su aporte al desarrollo de lo que hoy se conoce como Hip-Hop, siendo uno de los 3 DJs que crearon el Break-beat (junto con Kool DJ Herc y Grand Wizard Theodore), además de ser un referente muy importante de géneros como la Electrónica, el Disco, el Rap y el Funk. Por todos estos aportes, se le conoce por los apelativos de "The Godfather of Hip-Hop" ("El Padrino del Hip-Hop"), "Amen Ra of Hip-Hop Culture" ("Amen Ra de la Cultura Hip-Hop") o "Father of the Electro Funk Sound" ("Padre del Sonido Electro Funk").

Inclusive, varios investigadores le dan a este artista el crédito de dar nombre al género musical conocido hoy en día como Hip-Hop, cultura que agrupa 4 elementos primordiales: el Rapping (arte de "rapear"), el Scratching/DJing (arte de hacer sonidos al arrastrar rápidamente la aguja sobre discos de vinilo), el Breakdancing o B-boying (arte de bailar haciendo complicadas piruetas) y el Graffiti (arte gráfico de intervención urbana). Sería en 1982 que Afrika Bambaataa creó un grupo de músicos de Rap al que denominó The Soulsonic Force, que estuvo integrado por Mr. Biggs, Pow Wow y Emcee G.L.O.B.E.

Ese mismo año, Afrika Bambaataa & the Soulsonic Force lanzaron el single "Planet Rock", considerado un hito musical, que marcó una pauta sonora para lo que posteriormente serían el Hip-Hop, Dance, Techno y House. Esta canción fue producida por Arthur Baker, en el que también colaboraron las cantantes Marvella Murray, Yvette Murray, Melissa Johnson y Sandra Wheeler, y en ella se usaron elementos de otros temas como "Trans-Europe Express" y "Numbers" (de los alemanes Kraftwerk), y "Riot in Lagos" (de los japoneses Yellow Magic Orchestra), tanto en la melodía como en la base rítmica. Bambaataa también ha mencionado como influencias importantes en este trabajo a George Clinton y Gary Numan.

Otro dato interesante es que en esta composición se utilizaron instrumentos musicales electrónicos considerados hoy como clásicos, como la caja de ritmos TR-808 (Roland), el sampler CMI Series II de 8-bits (Fairlight), los sintetizadores Micromoog (Moog) y Prophet 5 (Sequential Circuits), y el procesador PCM41 (Lexicon). Cabe mencionar también que en 2001, el productor y artista Paul Oakenfold hizo un excelente remix de esta canción, el mismo que fue incluído en el soundtrack de la película "Swordfish", dirigida por Dominic Sena.

FROU FROU - It's good to be in love (2002)

"Details" fue el único disco editado hasta la fecha por esta buenísima dupla del Reino Unido, conformada por el compositor, productor y músico Guy Sigsworth y la cantante Imogen Heap. Dicho trabajo fue lanzado en 2002 en ese país por Island Records, mientras que en los Estados Unidos fue publicado por MCA Records.

Ambos artistas se conocieron cuando Heap fue invitada a grabar algunas voces para la entonces banda de Sigsworth, llamada Acacia, a mediados de la década de los 90's. Dicha colaboración motivó que la cantante empezara a participar como invitada en las giras de Acacia, para luego grabar la mayoría de los temas del disco "Cradle" (Warner Music, 1997), el único álbum de aquella banda. Al año siguiente, Sigsworth le devolvió el favor a la cantante al colaborar en "iMegaphone", el primer álbum como solista de Imogen Heap.

En 2001, Guy Sigsworth decidió crear un nuevo proyecto musical, al que denominó Frou Frou, cuyo nombre se deriva del poema "Ma Bohème", escrito en 1870 por el francés Jean Arthur Rimbaud. Al necesitar una cantante para el proyecto, la primera persona en la que pensó Sigsworth fue, obviamente, Imogen Heap, cuya carrera en solitario estaba en aquellos momentos en un momento de incertidumbre, debido a que su compañía discográfica había quebrado, anulando su contrato. Por ello, la cantante aceptó la propuesta de Sigsworth y se integró a Frou Frou.

El estilo musical de las composiciones de Frou Frou incorpora elementos de Electrónica, Trip-Hop, Pop y Rock, influencias que se vieron reflejadas en el disco "Details", co-producido por ambos, que tuvo com sencillos a los temas "Breathe in", "Let's go", "Must be dreaming", y "It's good to be in love". Este trabajo logró colocar a Frou Frou en el foco de la atención de la prensa musical británica, fama que llegó hasta Asia y Norteamérica. A pesar de separarse en 2003, ambos han continuado realizando algunos trabajos juntos, como la canción "Holding out for a hero", que fue incluída en el soundtrack de la película animada "Shrek 2", co-dirigida en 2004 por Andrew Adamson, Kelly Asbury y Conrad Vernon, además de trabajar en el tema "Over to you" para la cantante de Pop Britney Spears. Desde su separación, Imogen Heap ha continuado su carrera como solista, trayectoria de la que ya hablamos en el blog, y que pueden leer aquí.

TIHUANAKU - Cuzco (La ciudad de los hijos del sol) (1992)

A comienzos de la década de los 90's, comenzaron a surgir en Europa algunos proyectos de Electrónica interesados en incorporar instrumentos musicales que hasta el día de hoy se utilizan en el folklore andino peruano, principalmente de viento, como las antaras, zampoñas y quenas. Esta fusión originó resultados bastante interesantes e innovadores para aquella época, entre los que destacaron nítidamente Atahualpa (de quienes tenemos aún pendiente hacer un post), y Tihuanaku, a quienes reseñamos en esta ocasión.

Tihuanaku surgió en España, encabezado por P. J. Lanzagorta, quien también fue el artífice de otros proyectos musicales como Arketipo, Cam-Mon y Superlux. Lanzagorta también usó en algunas ocasiones el seudónimo de Snoop. Fue así que en 1992, se publicó un single denominado "Cuzco (La ciudad de los hijos del sol)", a través del sello Max Music. A pesar de hacer referencia a la capital de Imperio Incaico, una de las culturas pre-colombinas más importantes de la historia, Lanzagorta cometió curiosamente un terrible error al diseñar la portada del single, en el que se muestra un dibujo de ruinas Aztecas, otra de las importantes culturas que se desarrolló en los territorios del actual México, y que no tiene nada que ver con el título y la temática del tema. Incluso, este gravísimo error se mantiene en el lado-B de dicho sencillo, en que se incluye un remix de esta canción, denominada "Azteca Version".

Ese mismo año, este tema fue incluído también en el compilatorio "Máquina Total 4", también publicado por Max Music, en el que aparecen otros actos como Interactive, Dream Frequency, Nomad, Chimo Bayo y Prophetia. A pesar de las incongruencias históricas y geográficas antes mencionadas, no podemos dejar de reconocer que ésta fue una canción que marcó toda una tendencia en la Electrónica, Techno y House europeos de aquellos años, que vale la pena recordar. Hasta donde sabemos, "Cuzco" fue la única publicación que hizo Lanzagorta bajo el nombre de Tihuanaku.

Cuzco, parte actual del territorio peruano, es uno de los lugares turísticos más importantes de Latinoamérica, por su rica historia y su cercanía a Machu Picchu, fortaleza Inca que acaba de cumplir 100 años de su descubrimiento por el arqueólogo estadounidense Hiram Bingham, y que en 2007 fue declarada como una de las Nuevas Maravillas del Mundo, a parte de ser considerada como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

PAULA COLE - Where have all the cowboys gone? (1996)

Nacida en Rockport, Massachusetts, un 5 de Abril de 1968, esta cantante y compositora siempre ha estado entre nuestras favoritas, por su melodiosa voz y su gran calidad de interpretación, que le añade a sus canciones mucho carácter, a veces con una cuota de melancolía y otras de fuerza, cualidad que consideramos muy importante y que pocos intérpretes logran desarrollar tan bien. Por ello, hemos decidido dedicarle el post del viernes: Paula Cole.

Durante su juventud, Cole fue estudiante en la prestigiosa Berklee College of Music de Boston, en donde estudió Canto e Improvisación de Jazz. Sus ya mencionadas cualidades interpretativas hicieron que se le ofreciera un contrato con un sello especializado en dicho género musical, que la artista rechazó. En 1993, fue convocada por Peter Gabriel para participar en su gira Secret World Live, encargándose de los coros. Tras culminar dicha gira en 1994, Paula Cole firmó su primer contrato discográfico con el sello Imago Records, editando en Julio de aquel año su disco debut, titulado "Harbinger", con la producción de Kevin Killen, estableciéndose como una cantante de Pop Rock.

Sin embargo, su éxito se consolidaría con su segundo álbum, "This Fire" (Imago Records/Warner Bros. Records, 1996), en donde Cole se encargó de ejecutar y grabar varios instrumentos: piano, teclados, guitarra, bajo, xilófono, didjeridoo y clarinete, además de cantar y hacer beat-boxing (que es la capacidad de producir con la boca ritmos de batería y percusión). El disco vendió más de 2 millones de copias, por lo que recibió un Doble Disco de Platino en los Estados Unidos, además de obtener 7 nominaciones a los Grammy Awards, ganando en la categoría de Mejor Artista nuevo.

La canción que recordamos hoy es "Where have all the cowboys gone?", el primer single de "This Fire", por el que Paula Cole fue nominada a Mejor Performance Vocal Pop Femenina y Canción del Año, en donde fue derrotada por otra de nuestras cantantes favoritas, la canadiense Sarah McLachlan. El vídeoclip fue dirigido por Caitlin Felton, siendo también nominado (como Mejor Vídeo Femenino) a los MTV Video Music Awards de 1997. Los siguientes álbumes publicados por esta cantante han sido "Amen" (Imago/Warner Bros. Records, 1999), "Courage" (Decca/Universal Records, 2007) e "Ithaca" (Decca Records, 2010).

ERA - Estelar (2007)

Tras la disolución en 2004 de la banda Índigo, el cantante Iván Fajardo decidió continuar con su carrera musical fundando un nuevo proyecto en Setiembre de 2005 en la ciudad de Lima, Perú, llamado Era. Para ello, se unió a dos ex-miembros del grupo Afonía, el guitarrista Sergio Gonzáles-Otoya y el baterista Álvaro Escobar.

El estilo musical de Era se relaciona con géneros como el Brit-Pop, el Alternative Rock y el Indie Rock, con influencias de actos ingleses como Muse o Coldplay. Dichas influencias se vieron reflejadas en su primera producción discográfica, titulada "Renacer", que fue editada en 2005 por TDV Media, bajo la producción del propio Iván Fajardo y de Jose Eyzaguirre, quien fue un constante colaborador del grupo. En este disco se incluyeron temas de muy buena factura como "Algo", "Delirio", "Tu lamento" y "Escapar", y el track que dió nombre al disco, "Renacer".

"En mí", una de la baladas del álbum, fue el single de promoción del mismo, cuyo vídeoclip los hizo conocidos en el Perú, además de rotar por canales internacionales de música, como HTV y MTV Latinoamérica. Además, participaron en el concurso Nevolution, auspiciado por la reconocida empresa inglesa Neve y la escuela de sonido SAE, quedando dentro de los 10 primeros lugar a nivel mundial. Igual suerte corrieron en la edición 2006 del International Songwriting Competition de los Estados Unidos, llegando a las semifinales gracias al tema "Algo".

Ya consolidados como una de las mejores propuestas musicales peruanas, Era comenzó a trabajar en su segundo disco, siempre con Jose Eyzaguirre como productor. El resultado fue "Ufocalipsis" (TDV Media, 2007), en donde destacaron las canciones "Fin", "Mi luna estalla", "Opium", "Meggido" y "Estelar", que para nosotros es una de sus mejores composiciones y cuyo vídeo, dirigido por Jesús Sánchez, posteamos en esta ocasión. Ese mismo año, volvieron a participar en el International Songwriting Competition, alcanzando esta vez llegar a las finales del certamen, con la versión en inglés de la canción "Opium". Tras la partida del baterista Álvaro Escobar al extranjero, Era entró en una pausa (que se mantiene hasta hoy), período en el cuál el vocalista Iván Fajardo ha decidido iniciar una carrera en solitario, de la cuál hablaremos en una próxima publicación.

DANZA INVISIBLE - Sin aliento (1986)

Danza Invisible es otra banda de Pop Rock que formó parte de la llamada Movida Madrileña de los 80's. Fundada en 1981 en la ciudad de Torremolinos, ubicada en Málaga, España, tuvo como miembros iniciales a Manolo Rubio (guitarra), Chris Navas (bajo) y Ricardo Texidó (voz/batería), quienes venían de tocar juntos en un grupo de Punk Rock llamado Adrenalina. Meses después, la alineación de Danza Invisible se completó con el ingreso de Antonio Gil (guitarra) y Javier Ojeda (voz), lo que dejó a Ricardo Texidó en la batería y coros.

La discografía de Danza Invisible se inició en 1982 con el lanzamiento del maxi-single "Sueños", a través del sello MR Records, compuesto por 4 temas: "Sueños de intimidad", "Diario oculto", "Danza y magia del ritmo" y "Tu voz". En Setiembre de ese año, participan en el 1er. Concurso de Rock "Alcazaba", organizado por el ayuntamiento de Jerez de la Frontera, ganando el certamen, lo que les permitió grabar otro maxi-single de 3 canciones: "Mis ojos hacia tí", "Gente especial" y "Espíritu ideal", que fue editado por el sello DRO.

Su primer disco oficial fue "Contacto Interior" (BMG/Ariola, 1983), que fue seguido por "Lo Mejor de Danza Invisible" (BMG/Ariola, 1983) y "Maratón" (BMG/Ariola, 1985). En 1986, firmaron con DRO para editar el disco "Música De Contrabando", producido por Chris Nagle, en donde se encuentran dos de sus canciones más conocidas: "El joven nostálgico" y "Sin aliento". Un dato interesante es que en esta producción participó en los coros la por entonces aún desconocida cantante Lisa Stansfield.

Tras editar 6 discos más, Ricardo Texidó decidió separarse de Danza Invisible en 1993, dejando al grupo como un cuarteto desde entonces. La discografía en estudio de Danza Invisible, que se mantiene activa hasta hoy, se completa con los álbumes "Al Compás De La Banda" (1995), "Por Ahora" (1996), "En Equilibrio" (1998), "Efectos Personales" (2001), "Pura Danza" (2003) y "Tía Lucía" (2010). Cabe mencionar que desde el alejamiento de Texidó, el grupo fue modificando su estilo inicial (más ligado al Pop Rock), para acercarse a géneros musicales como la música negra y caribeña, influencias que mantienen hasta el presente.

CHIC - Le freak (1978)

Chic es uno de los referentes más destacados del Disco, Soul, Rhythm & Blues y Funk de la segunda mitad de la década de los 70's. Por ello, los recordamos hoy en el blog con este buenísimo tema.

Los orígenes de Chic tiene su antecedente directo en un grupo de Rock de la ciudad de Nueva York llamado The Boys (después llamado The Big Apple Band), que tuvo entre sus miembros al guitarrista Nile Rodgers y al bajista Bernard Edwards. Recién en 1997 ambos decidieron fundar una nueva agrupación, para lo cuál convocaron al baterista Tony Thompson, al tecladista Raymond Jones, y a la cantante Norma Jean Wright, a la que denominaron Chic. Fue así que, con la ayuda del entonces joven Ingeniero de Grabación Bob Clearmountain (convertido hoy en día en toda una autoridad en materia de grabación y mezcla), grabaron un demo tape que incluyó las canciones "Dance, dance, dance (Yowsah, yowsah, yowsah)" y "Everybody dance", con el que obtuvieron un contrato con la compañía discográfica multinacional Atlantic Records.

Ese mismo año, Chic lanzó su primer disco homónimo, que fue producido por la dupla Rodgers/Edwards, en el que también participaron (además de Norma Jean Wright) los cantantes Luther Vandross, David Lasley, Robin Clark, Alfa Anderson y Diva Gray. Los dos temas incluídos en su primer demo, y re-grabados para el disco (que obtuvo un Disco de Oro por sus ventas), alcanzaron la cima del US Club Play Chart de la revista Billboard. Un año más tarde, en 1978, el grupo publicó "C'est Chic" su segundo disco, en donde Norma Jean Wright dejó su lugar a Luci Martin. A esta producción pertenece la canción "Le freak", que se convirtió en un suceso musical en los Estados Unidos, liderando el Hot 100 Chart, el Hot Dance Club Play Chart y el R&B Songs Chart de Billboard, además de ubicarse entre los Top 5 en los rankings de Holanda, Italia, Nueva Zelanda y Suiza.

La discografía de Chic se completa con los álbumes "Risqué" (1979), "Real People" (1980), "Take It Off" (1981), "Tongue In Chic" (1982), "Believer" (1983) y "Chic-Ism" (1992). La banda se separó en 1983, tras lo cuál Rodgers y Edwards continuaron su carrera como músicos de sesión y productores musicales, habiendo trabajado con artistas como Sister Sledge, Diana Ross, Carly Simon, Deborah Harry, David Bowie, Duran Duran, Robert Palmer y Madonna. A inicios de los 90's, Chic se reunió, y en 1996, Nile Rodgers fue premiado como Productor Top Mundial por la revista Billboard. Lamentablemente, Bernard Edwards falleció de neumonía ese año, mientras que Tony Thompson siguió el mismo camino, víctima de cáncer al riñón en 2003. Actualmente, Nile Rodgers sigue al frente de Chic, a pesar de estar recuperándose de una operación a la que fuera sometido tras ser diagnosticado también con cáncer en Octubre de 2010.

LADYTRON - Runaway (2008)

Hoy en el blog, comenzando una nueva semana, posteamos otro muy buen tema de Ladytron, banda británica de Synth-Pop/Electroclash de la que ya hablamos un poco en un post anterior.

Recordemos que los integrantes de Ladytron son la escocesa Helen Marnie (voz/sintetizadores), la búlgara Mira Aroyo (voz/sintetizadores), el británico Daniel Hunt (sintetizadores/guitarra) y el también inglés de origen chino Reuben Wu (sintetizadores). La discografía de Ladytron incluye 5 discos de estudio: "604" (2001), "Light & Magic" (2002), "Witching Hour" (2005), "Velocifero" (2008) y "Gravity The Seducer" (2011). Además, el cuarteto ha publicado un disco en vivo llamado "Live at London Astoria 16.07.08" (2009), y los EPs "Miss Black And Her Friends" (1999), "Mu-Tron" (2000), "Extended Play" (2006) y "The Harmonium Sessions" (2006).

"Runaway" fue el segundo single del disco "Velocifero", siendo el primero el tema "Ghosts". Dicho álbum, publicado por el sello Nettwerk Records y producido por Alessandro Cortini y Vicarious Bliss, que llegó al lugar #3 del Top Electronic Albums Chart de Billboard, estuvo conformado por 13 temas, aunque en la edición japonesa del mismo se añadieron dos remixes de "Ghosts". También se editó en 2009 una versión de este disco bajo el nombre de "Velocifero (Remixed & Rare)" que, como su nombre lo indica, estaba formado por remezclas realizadas por diversos artistas como James Zabiela, Vector Lovers, Jim Abbiss, Dirty Vegas y Apparat, entre otros.

Esta canción fue la única de aquel trabajo en ingresar a los charts estadounidenses, ubicándose en el puesto #30 del US Dance Chart, habiendo sido incluída en el soundtrack del vídeojuego FIFA 09, lanzado en Octubre de 2008 por la empresa EA Sports. El vídeoclip que pueden ver a continuación fue dirigido por Mike Sharp y Barney Steele, con un interesante trabajo de animación digital en blanco y negro combinado con tomas de los miembros del grupo. A nivel musical, su mezcla de sonidos electrónicos y guitarras distorsionadas, sumadas al trabajo vocal de Aroyo y Marnie, hacen de esta canción una pieza directamente enfocada a las pistas de baile. Que la disfruten, buena semana para todos!

WARRANT - I saw red (1990)

Hace dos días, nos enteramos del triste fallecimiento, por motivos que aún se desconocen, de Jani Lane (cuyo nombre real era John Kennedy Oswald), el recordado vocalista de Warrant, una de las bandas de Glam Rock más populares de la década de los 90's. Así que, a manera de homenaje póstumo, posteamos este domingo uno de los temas de aquella agrupación.

Warrant se formó en Julio de 1984 en Los Angeles, California. Su gestor fue el guitarrista Erik Turner, quien estuvo acompañado inicialmente por el bajista Chris Vincent (quien al poco tiempo fue reemplazado por Jerry Dixon), el también guitarrista Josh Lewis, el baterista Max Asher y el cantante Adam Shore. Fue en Setiembre de 1986 que Jani Lane y Steven "Sweet" Chamberlin (quienes previamente formaron parte de otra banda llamada Plain Jane), ingresaron respectivamente en reemplazo de Adam Shore y Max Asher, además de Joey Allen, quien tomó el lugar de Josh Lewis.

Esta formación sería la más conocida del grupo, que en 1989 publicó su primer álbum, "Dirty Rotten Filthy Stinking Rich" (Columbia Records), producido por Beau Hill, en el que destacó ampliamente la power ballad "Heaven". Sin embargo, el disco más exitoso de estos californianos fue "Cherry Pie", su segunda placa discográfica, que fue editada en 1990, siempre por Columbia y con Hill en la producción, que llegó hasta la posición #7 del Billboard 200 Albums Chart. De ese disco posteamos hoy "I saw red", otra power ballad, escrita por Lane, que fue el segundo sencillo del disco, que fue #10 del Billboard 100 Singles Chart y #14 del Mainstream Rock Tracks Chart de la misma publicación. Otros temas recomendables de este álbum son "Blind faith", "Cherry pie" y "Uncle Tom's cabin".

Volviendo a Jani Lane, el cantante se separó de Warrant en 1993, tras el lanzamiento de su tercer disco de estudio, "Dog Eat Dog". Retornaría a la formación en Setiembre de 1994, para grabar los discos "Ultraphobic" (1995), "Belly To Belly" (1996), "Greatest & Latest" (1999) y "Under The Influence" (2001), para volver a alejarse en 2004. Incluso, aún como miembro de Warrant, Lane comenzó a trabajar en una carrera paralela como solista, llegando a editar en 2003 el disco "Back Down To One" (Sidewinder Records). Además, en 2006 se unió a Keri Kelli (guitarra), Robbie Crane (bajo) y Bobby Blotzer en otro proyecto musical bautizado como Saints of the Underground, con quienes editó en 2008, a través de Warrior Records, el disco "Love The Sin, Hate The Sinner".

Recordémoslo pues con este buen tema de su autoría. Descansa en paz, Jani Lane.

ILEGALES - Soy un macarra (1984)

Asturias, España, fue el lugar de origen de la agrupación que recordamos hoy en el blog, cuyo estilo musical estuvo emparentado con el Rock and Roll y el Punk Rock: Ilegales.

En el año de 1977, Jorge Martínez (voz/guitarra), su hermano Juan Carlos (bajo) y David Alonso (batería) formaron un trío bajo el nombre de Madson, que tras dos años decidió renombrarse como Los Metálicos. Tras la salida de Juan Carlos Martínez del grupo, su lugar como bajista fue cubierto por Íñigo Ayestarán, siendo ese el momento en que la banda decide, otra vez, cambiar de nombre, tomando el de Ilegales. En 1981 ganaron el concurso de Rock "Villa de Oviedo", por lo que grabaron 3 temas ("Europa ha muerto", "La fiesta" y "Princesa equivocada") en un disco compilatorio, como parte del premio, al que siguió un sencillo de la canción "Revuelta juvenil en Mongolia", que tuvo como lado-B a "La pasta en la mano".

Su disco debut auto-titulado fue publicado en 1982 por el sello Hi-Fi Electrónica, producido por Paco Martín, en donde se encuentran varias canciones con letras bastante sarcáticas (una característica habitual en el trabajo lírico de Jorge Martínez) como "Me sueltan mañana", "¡Hola mamoncete!", "Problema sexual" o "Caramelos podridos". Pasaron dos años hasta que "Agotados De Esperar El Fin", segundo disco de Ilegales, salió al mercado, a través de Epic Records. Esta producción fue la que impulsó la carrera de Ilegales, tanto en España como en Sudamérica, en donde se hicieron conocidos por temas como "El piloto", "Africa paga" y la pegajosa "Soy un macarra", uno de sus éxitos más recordados hasta hoy, que recordamos en este post. (Cabe aclarar que en España, la palabra "macarra" se refiere a una "persona agresiva, vulgar o de mal gusto")

Tras múltiples cambios de integrantes a lo largo de todos estos años, pero siempre con Jorge Martínez como cabeza principal, Ilegales ha editado varios discos más, entre los que podemos mencionar a "Todos Están Muertos" (1985), "Chicos Pálidos Para La Máquina" (1988), "(A La Luz O A La Sombra) Todo Está Permitido" (1990), "Regreso Al Sexo Químicamente Puro" (1992), "El Apóstol De La Lujuria" (1998) y "Si La Muerte Me Mira De Frente Me Pongo de Lao" (2003) y "11 Canciones Ilegales" (2010). Este año, el grupo decidió poner punto final a su carrera, tras lo cuál Jorge Martínez ha creado una nueva banda llamada Jorge Ilegal y los Magníficos, dejando de lado el Rock para experimentar con otros géneros musicales como el Bolero, la Guaracha, el Joropo o el Cha-Cha-Cha.

DAFT PUNK - Derezzed (2010)

Guy Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter conforman este importante proyecto de Música Electrónica fundado en 1993 en la localidad de Île-de-France, Francia, considerado como uno de los actos electrónicos más importantes de ese país, y con una reputación bien ganada alrededor del mundo: Daft Punk.

Los antecedentes directos de Daft Punk se sitúan en la escuela secundaria Lycée Carnot de París, en donde Bangalter y Homem-Christo se conocieron. Más adelante, en 1992, ambos formaron junto al baterista Laurent Brancowitz un trío de Indie Rock llamado Darlin', en donde Bangalter se desempeñaba como bajista y Homem-Christo como guitarrista. Dicha banda sólo duró un año (entre 1992 y 1993), tras lo cuál la dupla decidió formar Daft Punk, mientras que Brancowitz se unió como guitarrista a Phoenix, banda de su hermano menor Chris Mazzalai.

Hasta la fecha, han sido 3 los álbumes de estudio de Daft Punk, todos editados por Virgin Records: "Homework" (1997), "Discovery" (2001) y "Human After All" (2005), además de varios discos en vivo, de remixes y compilatorios, a los que se suman 3 películas: "D.A.F.T.: A Story About Dogs, Androids, Firemen And Tomatoes" (1999), "Interstella 5555: The 5tory Of The 5ecret 5tar 5ystem (2003) y "Daft Punk's Electroma" (2007). Por si fuera poco, el dúo ha ganado 2 Grammy Awards en 2008, al Mejor Album de Electrónica/Dance (por el disco en vivo "Alive 2007") y a Mejor Grabación Dance (por la canción "Harder, better, faster, stronger" del mismo disco).

En el año 2010, Daft Punk fue invitado a componer la banda musical de la película de ciencia ficción "Tron: Legacy", dirigida por Joseph Kosinski, que es la secuela de "Tron", película de culto dirigida en 1982 por Steven Lisberger. Hoy posteamos el vídeo del tema "Derezzed", dirigido por Warren Fu, que es parte de dicho soundtrack (editado por Walt Disney Records), y lanzado como sencillo promocional en Diciembre de ese año. Gracias a este disco, los Daft Punk ganaron el Austin Film Critics Association Award a Mejor Partitura Original, encabezando además el UK Dance Chart, el US Digital Albums Chart, el US Dance/Electronic Albums Chart y el US Soundtrack Albums Chart, de la afamada revista Billboard.

GUSTAVO CERATI - Me quedo aquí (2006)

Hoy 11 de Agosto, Gustavo Adrián Cerati Clark, el ex-líder de la ya mítica banda Soda Stereo, cumple 52 años de vida, aún sufriendo de un coma que lo tiene postrado en cama desde el 15 de Mayo de 2010. Con el sincero deseo de que se recupere pronto, y como agradecimiento a las grandes canciones que nos ha brindado (y que esperamos nos siga regalando), queremos dedicarle el post del día.

El tema que escogimos hoy, "Me quedo aquí", pertenece a su cuarto disco como solista, "Ahí Vamos", que fue publicado en 2006 por Sony Music International, producido por el propio Cerati. En dicho trabajo, estuvo acompañado por los músicos Flavius Etcheto (secuencias/trompeta/guitarra/samplers), Leandro Fresco (coros/sintetizadores/samplers), Fernando Nalé (bajo/contrabajo), Javier Zuker (scratches/loops) y Pedro Moscuza (batería/percusión).

También participaron en el disco antiguos amigos y colaboradores de Cerati desde su etapa al frente de Soda Stereo, como el guitarrista Richard Coleman y el tecladista Fabián "Tweety" González. Gracias a esta producción, este gran cantante, guitarrista y compositor se hizo merecedor de 2 Grammy Latinos (Mejor Álbum de Rock y Mejor Canción por "Crimen"), además de un MTV Video Music Award (Mejor Artista Sur), 2 Rock and Pop Awards y 7 Premios Carlos Gardel (el "Grammy argentino").

Como dice el propio Cerati en esta canción: "La tinta no secó, y en palabras dije muchas cosas, pero en mi corazón, todavía queda tanto por decir...no me voy...me quedo aquí...".

Feliz Cumpleaños, Gustavo Cerati!

WANG CHUNG - Dance hall days (1984)

Siempre recordando buenos temas de tiempos pasados, hoy en el blog decidimos hacer una reseña de esta banda de Londres, Inglaterra, que seguramente la mayoría recuerda por el tema "Everybody have fun tonight": Wang Chung.

Jeremy Ryder (voz/guitarra) y Nick Feldman (bajo), se conocieron gracias a un aviso publicado por Feldman en la revista Melody Maker, quienes en 1977 formaron un grupo llamado The Intellektuals, que solo duró un año. Luego, ambos crearon un nuevo grupo, esta vez junto al baterista Darren Costin, el bajista Leigh Gorman, el tecladista Simon Campbell y el cantante Glenn Gregory, al que llamaron 57 Men. Tras 18 meses, 57 Men se desintegró, con Gregory pasando a fundar Heaven 17, junto a Martyn Ware e Ian Craig Marsh. Mientras tanto, Ryder, Feldman y Costin no se dieron por vencidos y armaron otro proyecto musical, al que llamaron inicialmente Huang Chung, en el que usaron seudónimos: Jeremy Ryder se presentaba como Jack Hues, Nick Feldman como Nick DeSpig y Darren Costin como Darren Darwin. Bajo este nombre, la banda editó en 1982 un disco homónimo, con la inclusión posterior de Dave Burnand (aka Hogg Robinson) en el saxo.

Antes de editar su segundo disco, y tras firmar con el sello Geffen Records a fines de 1982, el grupo se renombró como Wang Chung, debido a que mucha gente pronunciaba mal el nombre anterior (llamándolos Hung Chung). Ya con su nueva denominación, publicaron en Enero de 1984 el álbum "Points Of The Curve", en el que Feldman y Costin volvieron a usar sus nombres de pila, mientras que Ryder mantuvo el de Jack Hues. Este disco fue producido por Chris Hughes y Ross Collum, siendo grabado en los míticos Abbey Road Studios. Ya en ese entonces, Mel Collins participaba como nuevo saxofonista de la banda, y el disco llegó al lugar #30 del US Billboard 200 y al #31 del UK Top 75 Albums.

Hoy recordamos uno de los mejores temas de esta producción, "Dance hall days", que llegó a la cima del Dance/Disco Singles Chart de Billboard. El vídeoclip que compartimos con ustedes fue la primera versión del mismo, dirigida por Derek Jarman, compuesta básicamente por grabaciones caseras (realizadas en gran parte por el padre de Jarman, uno de los primeros afortunados en usar una vídeo-cámara a color en todo el mundo), que se superponen con tomas de Ryder, Feldman y Costin, quienes al final salen disfrazados como los personajes de la inolvidable película "The Wizard Of Oz" (cuya versión clásica fue dirigida por Victor Fleming en 1939).

LUSH - Ladykillers (1996)

Lush es una buena banda de Londres, Inglaterra, de quienes ya hablamos en un post anterior (que pueden leer haciendo click aquí).

Hoy los volvemos a recordar con esta canción que pertenece al último disco que editaran en Marzo de 1996, llamado "Lovelife", que fue producido por Pete Bartlett y publicado por el sello 4AD Records. Inicialmente considerados como una banda de Shoegaze, para mutar en este disco a un sonido más emparentado con el Britpop y Alternative Rock. Recordemos que este disco fue el segundo más exitoso de su trayectoria en el Reino Unido (después de "Spooky", editado en 1992), escalando hasta el lugar #8 del UK Albums Chart, aunque pasó casi desapercibido en los Estados Unidos, país en donde solo alcanzó la ubicación #189 en el US Billboard 200.

Fueron 3 los sencillos de promoción en este trabajo: "Single girl" y "500 (Shake baby shake)", llegando ambos temas al puesto #21 del UK Singles Chart, y "Ladykillers", tema que posteamos hoy, que fue #22 del mismo ranking, llegando a ubicarse como #18 en el Modern Rock Tracks Chart de Billboard en los Estados Unidos. Al momento de ser lanzado como sencillo, se hicieron hasta tres versiones: la primera incluyó otros 3 tracks ("Matador", "Ex" y "Dear me"), la segunda también con 3 canciones más ("Heavenly", "Carmen" y "Plums and oranges"), mientras que la tercera edición fue un vinilo de 7'' (que tuvo como lado-B al tema "I wanna be your girlfriend", un cover de The Rubinoos).

La formación de Lush entonces estuvo integrada por Miki Berenyi (voz/guitarra), Emma Anderson (guitarra/coros), Phil King (bajo) y Chris Acland (batería), quien fallecería víctima de suicidio en Octubre de ese año (1996), lo que hizo que la banda decidiera disolverse en Febrero de 1997. Tras su separación, Mike Berenyi (de madre japonesa y padre húngaro) trabajó como sub-editora de una revista. Emma Anderson formó un grupo llamado Sing-Sing, y el bajista Phil King pasó a tocar con The Jesus and Mary Chain, además de trabajar en la revista musical Uncut.

RADIO KAOS - Ritual (1996)

En 1994, los hermanos Claudio (voz) y David Pérez (voz/guitarra), emigran a la ciudad de Los Angeles, California, desde su natal Chile. Al poco tiempo, conocen al bajista Julián Salas, con quien deciden formar Radio Kaos, banda de Alternative Rock/Grunge, sumando al baterista Edy Vega y al también guitarrista Iván "Tito" Sánchez. Poco a poco, fueron ganándose un espacio dentro de la escena rockera californiana, decidiendo inscribirse en el Primer Concurso de Rock en Español realizado en Los Angeles, en el cuál resultaron ganadores.

Este primer logro originó que la banda llamara la atención del sello discográfico multinacional EMI Capitol, con quienes Radio Kaos firmó contrato, para luego decidir mudarse a México, específicamente al D.F. Fue así que en 1996, el grupo publica su gran disco debut, "Botas Negras", que se convierte rápidamente en un suceso en ese país, gracias a la calidad de sus canciones. En este trabajo, destacan largamente los temas "Ritual", "Abril", "Girando" y "Botas negras", que los encumbraron como uno de los grupos más importantes del Alternative Rock y el Grunge latino.

Terminada la gira de promoción del álbum, el grupo sufriría un duro golpe: el vocalista Claudio Pérez, debido a serias diferencias con su hermano David, decide separarse de Radio Kaos. Sin embargo, el resto de integrantes continúa adelante grabando en 1998 lo que sería su segundo álbum en estudio, titulado "Radio Kaos". Debido a cambios en la directiva del sello EMI Capitol, el lanzamiento de este disco fue pospuesto por los nuevos ejecutivos de la disquera, lo que motivó que la banda decidiera rescindir su contrato con ellos. Este disco nunca se editó de manera oficial, pero la banda a hecho algunos tirajes especiales para sus fans en su sitio web.

Tras crear su propio sello independiente llamado RK Entertainment, el grupo publicó en 2003 su tercer disco, "Out In The Blue", producido por Gustavo Borner y conformado por 7 temas entre los que están "Get high", "Si tú no estás", "Don gol" y "Morbo generation X". Lamentablemente, Radio Kaos prácticamente se desintegró tras este disco, con sus miembros tomando diversos caminos, hasta que en Julio de este año, los hermanos Pérez parcen haberse reconciliado al fin, empezando a hacer algunos conciertos en México, junto a su nuevo baterista, Levith Vega.

LUCA MUNDACA - Há dias (2004)

Algo de Bossa Nova siempre cae bien para pasar un domingo tranquilo. Así que reseñamos en este post la carrera de una cantante que representa muy bien a la música popular brasilera: Luca Mundaca.

Curiosamente, esta artista nació en la ciudad de Concepción, Chile, bajo el nombre de Luca Hernández, apellido que años después cambiaría por el de su madre. A los seis años, se mudó con su familia a Valinhos, Brasil, en donde fue absorbiendo la cultura de ese país a través de su música. Según ella misma ha declarado, sus primeras influencias fueron bandas brasileras de Pop Rock como Legião Urbana y Os Paralamas do Sucesso, hasta que finalmente descubrió la Bossa Nova, cuya sonoridad y poesía terminaron seduciéndola completamente. Fue así que a la edad de 28 años comenzó a escribir sus primeras canciones, haciendo presentaciones pequeñas en bares universitarios.

En 1999, decidió mudarse nuevamente, esta vez a la ciudad de Nueva York, para continuar con su carrera musical. Tras realizar algunas audiciones, grabó un primer álbum que no llegó a ser editado debido a los ataques terroristas realizados en el World Trade Center, en Setembre de 2001. Finalmente, en el año 2004, pudo por fin lanzar su disco debut, llamado "Day By Day", a través de Lumeni Productions. En este trabajo, Mundaca incluyó temas que combinaban rasgos de la Música Popular Brasilera, Bossa Nova y Jazz, entre los que destacan "Nao se apavore", "Minha flor", "Me faz bem" o "Quase nada". Aquí también se encuentra la bella canción que posteamos hoy, "Há dias", en donde Mundaca nos muestra todo su talento en la guitarra y voz.

Fue justamente gracias a este tema, que la artista se hizo más conocida, siendo posteriomente invitada a participar en diversos compilatorios como "Gira Mundo - Music Of The Present Age" (New World Records, 2006) y "Brazilian Lounge" (Putumayo World Music Records, 2006). Luca Mundaca volvería a trabajar con Putumayo World Music, sello especializado en Chill Out, Lounge y World Music, creado en 1993 por Dan Storper, esta vez con el tema "Nao se apavore", en otro compilatorio llamado "Ταξίδι Στους Ρυθμούς Του Κόσμου" (2007) junto a artistas de otros países como el reconocido conguero mexicano-estadounidense Poncho Sánchez, la venezolana Sacha Nairobi, el cantautor argelino Sarazino y el griego Kostas Mantzios.

TOTO - Holyanna (1984)

Toto es una banda fundada en Los Angeles, California en 1977 (a pesar de que sus primeros miembros eran oriundos de Hartford, Connecticut), que inherentemente lleva adherida la etiqueta de "alta calidad", cualidad que han sabido mantener hasta el día de hoy en cada una de sus producciones (17 en total). Su alineación inicial estuvo conformada por Steve Lukather (voz/guitarra), Bobby Kimball (voz), David Hungate (bajo), David Paich (voz/teclados) y los hermanos Steve (teclados) y Jeff Porcaro (batería), quienes eligieron el nombre de la banda gracias al perro de la aclamada novela infantil "The Wonderful Wizard of Oz" (conocida en español como "El Mago de Oz"), escrita por Lyman Frank Baum en 1900.

Esta primera formación fue la responsable de los primeros 4 álbumes de la banda, todos ellos publicados por Columbia Records: "Toto" (1978), "Hydra" (1979), "Turn Back" (1981) y "Toto IV" (1982), en los que se encuentran brillantes canciones como "Hold the line", "Georgy Porgy", "99", "Africa" y "Rosanna", cuyo nombre está dedicado a la actriz Rosanna Arquette, quien había sido novia de Steve Porcaro. A fines de 1982, Mike Porcaro ingresó como bajista en reemplazo de David Hungate. Ya en 1984, Toto empezó a trabajar en lo que sería su quinto disco, "Isolation". Durante ese proceso, y habiendo grabado las voces para varias canciones del álbum, el cantante Bobby Kimball fue echado del grupo, debido a algunos problemas personales y su pésima relación con sus demás compañeros. Para reeemplazarlo, se pensó primero en Richard Page (cantante y bajista de Mr. Mister), quien rechazó la oferta. Por ello, el puesto de cantante recayó finalmente en Dennis "Fergie" Frederiksen, cuya experiencia previa incluía a bandas como Angel, Trillion y Le Roux.

Esta nueva formación, integrada por Lukather, Frederiksen, Paich y los hermanos Mike, Jeff y Steve Porcaro se encargó de culminar las grabaciones de "Isolation", disco que finalmente fue publicado en Noviembre de 1984 por Columbia Records. La función de cantante se repartió entre Paich, Lukather y Frederiksen, quien regrabó los temas que habían sido grabados por Kimball. Sin embargo, el grupo decidió mantener las tomas de varios coros hechos por Bobby Kimball, incluyéndolo en los créditos del disco que, a pesar de ser galardonado con un Disco de Oro en los Estados Unidos, no logró superar el éxito de su predecesor.

Hoy recordamos uno de los temas de este trabajo, "Holyanna", interpretado por el tecladista David Paich, una de nuestras canciones favoritas de la larga discografía de Toto, que tras varios cambios de alineación posteriores, sufrió la pérdida de su gran baterista Jeff Porcaro en Agosto de 1992, quien falleció irónicamente debido a una reacción alérgica producida por un pesticida que el músico empleaba en su jardín. En 1997, conmemorando el 20vo. Aniversario de la fundación de Toto, Bobby Kimball retornó al grupo, mientras que en Octubre de 2009, tras anunciar su separación en Junio de 2008, el grupo ingresó, con toda justicia, al Musicians Hall of Fame.

En Febrero de 2010, Toto decidió reunirse para hacer una gira a beneficio de Mike Porcaro, quien padece de Esclerosis Lateral Amiotrófica. La actual alineación de Toto está conformada por Steve Lukather (guitarra/voz), Joseph Williams (voz, hijo del gran compositor John Williams), David Paich (voz/teclados), Steve Porcaro (teclados), el propio Mike Porcaro (bajo) y Simon Phillips (batería).

POST ESPECIAL #16 - Tears for Fears

Como para ir calentando motores para el próximo 28 de Setiembre, fecha en la que esta excelente banda se presentará en vivo en la Explanada del Estadio Monumental de Lima, en su primera visita al Perú, repasaremos hoy varias de nuestras canciones preferidas de Tears for Fears, grupo que desde su formación en 1981 en la ciudad de Bath, Inglaterra, ha tenido como pilares principales a Roland Orzabal y Curt Smith. En esta ocasión, hemos escogido un tema de cada uno de sus 5 primeros álbumes de estudio, que les presentamos en orden cronológico:

1) THE HURTING - Pale shelter (1983)

Luego de conocerse y trabajar juntos en las bandas Neon y Graduate, Orzabal y Smith crearon Tears for Fears, grupo de Pop Rock que en un principio se llamó History of Headaches. El 7 de Marzo de 1983, publicaron "The Hurting", su disco debut, producido por Chris Hughes y Ross Collum para Phonogram y Mercury Records. El disco encabezó el UK Albums Chart, conteniendo brillantes canciones como "Change" y "Mad world". Sin embargo, nuestra preferida ha sido siempre "Pale shelter", que fue #5 del UK Singles Chart ese año. Por ese entonces, los otros miembros de la banda eran Ian Stanley (teclados/secuencias) y Manny Elias (batería).

2) SONGS FROM THE BIG CHAIR - Everybody wants to rule the world (1985)

Nuevamente producido por Chris Hughes, y editado por Phonogram Records (Reino Unido) y Mercury Records (Estados Unidos), el segundo disco del grupo es otra obra de gran calidad, con temas impecables como "Shout", "Mothers talk", "Head over heels" o "I believe". Nuestra favorita es "Everybody wants to rule the world", canción cantada por el bajista Curt Smith, que fue #1 del Billboard Hot 100 y #2 del UK Singles Chart. Todo un himno de los 80's, con ese hi-hat con acentos a contratiempo que es su sello inconfundible, y que le da a este tema un groove rítmico muy particular. El vídeo fue dirigido por Nigel Dick y filmado en California, como parte de su estrategia de acceder al público estadounidense, que obviamente los recibió con los brazos abiertos y se rindió ante su innegable talento.

3) THE SEEDS OF LOVE - Advice for the young at heart (1989)

Esta canción fue la única cantada por Curt Smith en este álbum, el tercero de Tears for Fears, publicado por Fontana Records en 1989, con el que volvieron a llegar al #1 del UK Albums Chart. Esta versión en vivo pertenece a su vídeo "Going To California", grabado en Mayo de 1990 en el Santa Barbara County Bowl, como parte del "Seeds Of Love World Tour", en donde se comprueba el impecable sonido del grupo en concierto. Otros temas memorables incluídos en el disco "The Seeds Of Love" son "Woman in chains" (otra de sus obras maestras) y "Sowing the seeds of love".

4) ELEMENTAL - Goodnight song (1993)

Después de culminar la gira de promoción de "The Seeds Of Love", y debido a diferencias con Roland Orzabal, Curt Smith decidió en 1991 alejarse de Tears for Fears, para mudarse en Nueva York, lanzando un disco como solista en 1993, titulado "Soul On Board". Tras la ruptura, Orzabal decidió continuar usando el nombre de la banda, editando este disco en 1993. Por este motivo, muchos consideran a "Elemental" casi como un disco solista de Orzabal, en donde sobresalieron los tracks "Break it down again", "Elemental" y "Goodnight song", en cuyo vídeo aparece la gran bajista y cantante estadounidense Gail Ann Dorsey, quien también ha trabajado desde 1995 con David Bowie.

5) RAOUL AND THE KINGS OF SPAIN - God's mistake (1995)

El quinto disco de Tears for Fears también tuvo a Roland Orzabal como eje central. Su título es un homenaje a sus raíces españolas (recordemos que su nombre completo es Roland Jaime Orzabal de la Quintana), y al hecho de que, en un inicio, su padre decidió llamarlo Raoul, pero a las 2 semanas de nacido, decidió cambiar su nombre por el de Roland. Finalmente, diremos que en el año 2000, Smith y Orzabal pudieron superar sus diferencias, lo que permitió su retorno a Tears for Fears, una noticia tomada con mucha alegría por quienes somos seguidores del grupo. Así, en Setiembre de 2004, editaron su más reciente disco, llamado adecuadamente "Everybody Loves A Happy Ending". Ojalá que nunca más se separen, y que nos sigan regalando grandes canciones.

THE RASCALS - Out of dreams (2007)

Indie Rock y Garage Rock es lo que hacían Miles Kane (voz/guitarra), Joe Edwards (voz/bajo) y Greg Mighall (batería), miembros de esta banda de Hoylake, Inglaterra. Edwards y Mighall, quienes habían tenido un paso previo por otra agrupación llamada The Little Flames, decidieron en 2006 fundar The Rascals, banda que no deben confundir con el grupo homónimo estadounidense de Pop Rock vigente entre los 60's y 70's.

Tras componer un puñado de canciones, fueron fichados por el sello Deltasonic Records, debutando en vivo como teloneros de Arctic Monkeys en Junio de 2007. En Diciembre de ese mismo año, lanzaron su primer EP denominado "Out Of Dreams", que estaba compuesto por 4 temas: "Lying under the second seal", "Ratcatcher", "Is it too late?" y la canción que daba nombre al EP, que compartimos con ustedes en este post. Para Febrero de 2008, publicaron un nuevo sencillo, llamado "Suspicious wit", en el que también se incluyeron los tracks "So it repeats" y "Better in the shadows".

The Rascals publicó su primer disco (y único hasta la fecha) en Junio de 2008, que se llamó "Rascalize", siempre por Deltasonic Records y bajo la producción de Ben Hillier, que solamente escaló hasta el lugar #100 del UK Albums Chart. Este trabajo tuvo dos sencillos promocionales: "Freakbeat phantom" y "I'll give you sympathy". Posteriormente, The Rascals colaboró en el soundtrack de la película "Awaydays" (dirigida por Pat Holden en 2009), haciendo un cover del tema "All that jazz", originalmente grabado por Echo & the Bunnymen en su disco "Crocodiles" (Korova Records, 1980).

El 24 de Agosto de 2009, Miles Kane (quien tenía un proyecto paralelo llamado The Last Shadow Puppets, junto a Alex Turner, guitarrista y cantante de Arctic Monkeys), anunció en una entrevista su retiro oficial de The Rascals para enfocarse en su carrera como solista. Esto originó que Mighall y Edwards empezaran la búsqueda de un nuevo cantante, tarea que no han podido lograr hasta el día de hoy, por lo que el destino de la banda es incierto, ya que desde la partida de Kane, este grupo no ha publicado nuevo material.

WHITE ZOMBIE - More human than human (1995)

Originalmente concebida como una banda de Noise/Punk Rock, para después convertirse en un grupo de Heavy Metal y/o Industrial Rock, White Zombie surgió en 1985 en la ciudad de Nueva York, teniendo como miembros a Robert Cummings (aka Rob Straker o Rob Zombie, voz), Sean Yseult (bajo), Ena Kostabi (guitarra) y Peter Landau (batería), quienes ese año lanzaron un EP llamado "Gods On Voodoo Moon", a través de su propio sello independiente llamado Silent Explosion.

Al año siguiente, Kostabi y Landau cedieron sus lugares respectivamente a Tim Jeffs e Ivan de Prume. "Pig Heaven" (1986) y "Psycho-Head Blowout" (1987) fueron 2 EPs editados por la banda antes de publicar su primer disco de estudio, llamado "Soul-Crusher" en 1987, producido por Wharton Tiers, ya con la incorporación del guitarrista Tom Five. Un dato curioso es que aquí fue la primera vez que Robert Cummings usó el seudónimo de Rob Zombie, ya que en los 3 EPs previos, aparecía en los créditos como Rob Straker.

La canción que posteamos hoy, "More human tha human", pertenece al disco "Astro-Creep: 2000 - Songs Of Love, Destruction And Other Synthetic Delusions Of The Electric Head" (conocido comúnmente como "Astro-Creep: 2000"), que fue editado por Geffen Records en 1995, siendo el penúltimo de su discografía, producido por Terry Date. Los otros singles del disco, que ocupó el puesto #6 del Billboard 200, fueron "Electric head Pt.2 (The ecstasy)" y "Super-charger heaven". Sin embargo, sería "More human than human" el sencillo más exitoso, escalando hasta la posición #7 del Modern Rock Tracks Chart de la Billboard, y obteniendo una nominación para el Grammy Award a Mejor Performance de Metal en 1996.

Hoy les traemos el vídeoclip oficial del tema, pero no podemos dejar de mencionar, como dato anecdótico, la desafortunada presentación en vivo realizada por White Zombie en la ceremonia de entrega de los MTV Music Video Awards de 1995, en donde hubo una evidente desincronización de la secuencia electrónica utilizada en el tema, que motivó que el sonido durante su actuación fuera extremadamente caótico, como pueden comprobar viendo esa presentación aquí. Finalmente, diremos que la banda se disolvió en 1998, tras lo cuál Rob Zombie continuó como solista, además de incursionar como director, productor y escritor de películas de terror, entre las que podemos mencionar a "House Of 1000 Corpses" (2003), "The Devil's Rejects" (2005), "Halloween" (2007) y "Halloween II" (2009).

MINISTRY - Revenge (1983)

Ministry es una banda cuya historia es bastante peculiar: empezó haciendo Synth-Pop y New Wave, para después modificar su propuesta musical y llenarla de distorsión convirtiéndose en un grupo de Industrial y Trash Metal. Ambas etapas de su trayectoria son bastante interesantes, pero hoy nos enfocamos en la primera de ellas.

Los inicios de Ministry datan de 1981, año en el que Alain "Al" Jourgensen (voz/guitarra), Robert Roberts (teclados), John Davis (teclados) y Stephen George (batería) se juntaron para dar vida a la banda en la ciudad de Chicago, Illinois. Previamente, Jourgensen había formado parte de otras bandas como Special Affect y Silly Charmichaels. El año de su creación, Ministry lanzó su primer sencillo llamado "Cold life" con el sello Wax Trax! Records, que llegó al puesto #45 del US Dance Tracks Chart de Billboard.

Fue recién en 1983 que la banda publicó su disco debut, titulado "With Sympathy", que tuvo como productores a Vince Ely e Ian Taylor, y que fue editado por los sellos Arista Records (en Norte América) y BMG (en Europa). Este trabajo, que solo escaló hasta la ubicación #94 del Billboard 200, tuvo 3 singles: "Work for love", "I wanted to tell her" y "Revenge", siendo ésta última nuestra favorita, por lo menos de su primera época. Su segundo disco fue "Twitch" (Sire/Warner Bros. Records, 1986), que aún mantenía esa onda electrónica bailable, estilo que fue mutando progresivamente hacia un sonido más pesado desde su siguiente producción, "The Land Of Rape And Honey" (Sire/Warner Bros. Records, 1988), con Jourgensen como único sobreviviente de la formación inicial.

Como ya dijimos al inicio del post, Ministry se convirtió a finales de los 80's en una banda de Industrial Metal, llegando inclusive a hacer temas que encajan mejor con la etiqueta de Trash Metal. Ya hablaremos de esta etapa en un próximo post. Mientras tanto, recordemos hoy esta buena canción, "Revenge", el tercer sencillo de su primer disco.

TECHNICOLOR FABRICS - Todo (2010)

Nos complace presentarles a esta muy buena banda de Guadalajara, México, que hace unos meses acabamos de conocer, gracias a otro de nuestro grandes amigos, con quien compartimos la pasión por la música (gracias Lucho C.): Technicolor Fabrics.

Juan Pablo Corcuera (voz/guitarra), Joaquín Martínez Negrete (bajo), Raúl Cabrera (guitarra), Dan Salazar (teclados/sintetizadores) y Abraham López (batería), son los 5 integrantes de esta agrupación de Indie/Pop Rock que fue fundada en 2007. No es de sorprender que desde un comienzo hayan llamado la atención en su país por la calidad de su música, que no tiene nada que envidiar a sus pares de Estados Unidos o Europa, por lo que han tenido oportunidad de compartir escenarios con Passion Pit, Phoenix, Moby y Underworld.

Contando con Jorge Siddartha (ex-baterista de los también mexicanos Zoé) como productor, Technicolor Fabrics editó su primera producción en 2008, bajo el título de "Run...The Sun Is Burning All Your Hopes". Este disco, editado por el sello Bubler Sound, estuvo compuesto por 10 temas, entre los cuáles estaban "Render", "Clouds" y "Frequency". En Octubre de 2010, a través de su página web (www.technicolorfabrics.com), la banda anunció el lanzamiento de un nuevo sencillo, llamado "Todo", que se ofreció a sus seguidores para descarga gratuita, junto con un remix de "Frequency", realizado por Ponyrex, otra banda de Guadalajara.

Es muy bueno comprobar que siguen apareciendo buenas bandas en toda Latinoamérica, así que los invitamos a conocer a estos tapatíos, gentilicio con el que se denomina a las personas oriundas de Guadalajara, ciudad cuyo nombre proviene del árabe "Wādi Al-Hiŷara", que se traduce como "Valle de la Piedra". Fue gracias a este tema que los descubrimos, y no pudimos evitar quedar enganchados con ella. Así que los dejamos con el vídeo de "Todo", que fue dirigido por Markus Ziegler.